Электронный музыкальный синтезатор: Доступ ограничен: проблема с IP

Содержание

Синтезатор: все, что надо знать перед покупкой

Синтезатор – это электронный музыкальный инструмент, в основе работы которого лежит синтез звука, отсюда и его название. Этот инструмент вовсе не обязательно должен иметь клавиши, что, однако, идет вразрез общему представлению. Но в данной статье мы не будем вдаваться в терминологию и рассмотрим знакомый всем клавишный инструмент, который в английском языке носит название Keyboard (клавиатура).

Современный синтезатор представляет собой сложное устройство, которое (в зависимости от модели и производителя) совмещает в себе множество различных функций и позволяет исполнять и записывать музыку, создавать сложные аранжировки, а также оперировать с MIDI-сообщениями. Нет никакого смысла сравнивать синтезатор с акустическим и даже цифровым пианино. Этот инструмент не способен дать исполнителю те же ощущения от игры, что и фортепиано, поэтому не стоит его рассматривать как альтернативу акустическому инструменту при обучении в музыкальной школе. Зато у синтезатора есть множество других преимуществ, которые мы и рассмотрим в этой статье.

Основные особенности синтезатора

Большинство современных синтезаторов имеют облегченную невзвешенную или полувзвешенную клавиатуру с пружинным механизмом. Размер клавиш в основном аналогичен пианино, исключение составляют модели для детей. Клавиатура может быть пассивной и динамической. Пассивный тип означает, что все сыгранные ноты будут звучать с одной динамикой (на одной громкости), вне зависимости от того, сколько усилий вы приложили для извлечения звука. Динамическая клавиатура, в свою очередь, чувствительна к силе нажатия и позволяет играть с использованием динамических оттенков. Чаще всего синтезатор имеет несколько уровней чувствительности клавиатуры, что позволяет гибко настроить ее под индивидуальные потребности.

Качество звучания синтезатора напрямую зависит от звукового движка и использованных технологий. Одним из параметров, на который многие обращают внимание, является количество голосов полифонии или, говоря простым языком, количество звуков, которые могут звучать одновременно. Заявление о том, что синтезатор тем лучше, чем больше у него голосов полифонии, является не совсем верным. Чтобы понять почему, давайте представим себе 48-голосный инструмент, для использования всех ресурсов которого необходимо одновременно сыграть 48 нот. Как только предел будет достигнут, в зависимости от модели 49-ая нота либо просто не прозвучит, либо заменит собой самую первую. Но согласитесь, что такое количество звуков, сыгранных одновременно (пусть даже на педали), вряд ли будет использовано. Увеличенное количество голосов полифонии позволяет добиться более сложных и натурально звучащих тембров, однако это вовсе не говорит о том, что такой синтезатор лучше.

Все модели современных синтезаторов включают в себя огромное количество встроенных тембров, от классических роялей и органов, до струнных, духовых и даже ударных инструментов. Профессиональные синтезаторы позволяют не только редактировать встроенные тембры, но и создавать собственные, сохраняя их во внутренне памяти. Практически во всех инструментах предусмотрена функция автоаккомпанемента, которая представляет собой набор готовых аранжировок без мелодической линии, разбитых на банки по стилям. Многие модели также оснащены встроенным секвенсором, предназначенным для записи своего исполнения и создания собственных аранжировок.

На задней панели синтезаторов, как правило присутствует ряд разъемов для подключения сторонних девайсов. Так, одним из наиболее необходимых является вход для педали сустейна. Все ноты, сыгранные на педали, продолжают звучать, даже когда вы уберете пальцы с клавиш, и прерывается их звучание только после того, как вы отпустите педаль. Этот аксессуар необходим для полноценной игры на инструменте, в комплект он, как правило, не входит, но рекомендуется для приобретения.

Для многих важно наличие выхода на наушники, при подключении которых динамики автоматически отключаются, а значит вы можете заниматься творчеством, не беспокоя окружающих.

Большинство современных моделей имеет USB разъем, предназначенный для подключения синтезатора к компьютеру для передачи сообщений в формате MIDI. Это позволяет записывать свое исполнение на компьютер, накладывать на записанные ноты любые тембры и даже корректировать неточность исполнения без потери в качестве. Другими словами, современный синтезатор без труда можно использовать в качестве MIDI-клавиатуры.

Ряд моделей также оснащают основными выходами на звукоусиливающую аппаратуру и входами для подключения плеера или иного устройства для воспроизведения музыки через встроенные в синтезатор динамики. Кроме этого на задней панели располагают вход для адаптера питания (чаще всего он входит в комплект).

Как выбрать подходящий синтезатор?

Чтобы выбрать подходящую модель синтезатора, необходимо определиться, для чего вы будете его использовать. Условно все инструменты можно разделить на 4 категории:

  • детские синтезаторы;
  • инструменты для самостоятельного обучения;
  • полупрофессиональные модели;
  • рабочие станции.

К первой категории относятся очень компактные и легкие синтезаторы, предназначенные для первого знакомства с миром музыки. Клавиши в детских моделях, как правило, уменьшенного размера, что отлично подходит для детской руки, а их количество может варьироваться от 32-х до 49-и. Конечно, двумя руками на таком инструменте особо не поиграешь, но зато он отлично подходит для того, чтобы приучить ребенка к клавишам, развить его слух и чувство ритма, а также подготовить к игре на настоящем инструменте.

Синтезаторы для обучения чаще всего состоят из 61-ой клавиши (5 октав), при этом клавиатура может быть как пассивной, так и динамической. Отличительная особенность таких инструментов – наличие встроенной системы обучения, которая позволяет пошагово разучить встроенные в память композиции. Система обучения зависит от производителя синтезатора, но всегда предусматривает возможность изучения нотной грамоты, тренировку чувства ритма и музыкальной памяти. Помимо встроенных композиций такие синтезаторы позволяют выучить основные аккорды и в последующем использовать их вместе с функцией автоаккомпанемента. Стоит отметить, что автоаккомпанемент не только знакомит с различными стилями музыки со всего мира, но также дает возможность развить навыки импровизации и освоить азы создания аранжировок.

К полупрофессиональным синтезаторам можно отнести модели на 61-у и 76 клавиш, оснащенные встроенным секвенсором. Системы обучения у них уже, как правило нет, зато есть весьма гибкий набор функций, позволяющий заниматься аранжировкой и создавать музыку. Качество звучания таких синтезаторов существенно выше, чем в моделях для обучения, однако профессиональными их тоже назвать трудно. Такие инструменты отлично подходят для любительского использования, для домашних студий и даже для выступлений.

Музыкальные рабочие станции – это профессиональные инструменты, предназначенные для создания музыки и концертной деятельности. Количество клавиш в них может варьироваться от 61-ой до 88-и, а качество звучания и возможности способны поразить воображение. Некоторые модели оснащают клавиатурой с имитацией молоточковой механики, однако даже они не сравнятся по ощущениям с клавишами акустического пианино – это сделано просто для большего удобства пианистов. Рабочие станции позволяют невероятно гибко изменять мельчайшие параметры каждого звука и создавать высококачественные аранжировки без подключения к компьютеру. По-сути, это и есть мощный компьютер, способный удовлетворить потребности профессиональных музыкантов, композиторов и аранжировщиков.

Обзор интересных моделей

Итак, теперь вы знаете по каким параметрам выбирать синтезатор в зависимости от ваших целей, поэтому давайте рассмотрим наиболее интересные модели, которые, на наш взгляд, заслуживают особого внимания.

Среди детских синтезаторов мы выделили Casio SA-78 и Medeli MC37A. Клавиатура

Casio состоит из 44-х клавиш уменьшенного размера. Клавиши не чувствительны к силе нажатия, что упрощает процесс игры и не отвлекает от исполнения мелодии. 100 встроенных тембров и 50 встроенных ритмов познакомят ребенка с различными стилями музыки, а 5 барабанных пэдов позволят почувствовать себя настоящим барабанщиком и поспособствуют развитию чувства ритма. Medeli MC37A оснащен 49-ю пассивными клавишами уменьшенного размера, т.е. его диапазон составляет полноценные 4 октавы. На борту этого инструмент 130 тембров и 100 стилей автоаккомпанемента, 80 встроенных композиций для изучения и словарь аккордов (функция Chord Dictionary). Дополнительным бонусом является расположенный на задней панели микрофонный вход, который позволит не только играть, но и петь вместе с любимыми композициями или даже под собственный аккомпанемент. Работают оба синтезатора как от блока питания, так и от батареек, а значит увлекательные занятия доступны в любом месте, где бы вы не оказались.

Синтезаторы для обучения представлены на нашем сайте такими брендами, как Casio, Medeli и Yamaha. Новая линейка Casio CT-S предлагает три модели, две из которых имеют пассивную клавиатуру (CT-S100 и CT-S200) и одна — активную (CT-S300). Легкие и компактные, эти синтезаторы оснащены улучшенным (по сравнению с линейкой CTK) звуковым движком, 61-ой клавишей и понятным интерфейсом. Дополнительно расширить возможности синтезаторов (кроме модели CT-S100) можно при помощи специального приложения для устройств на базе iOS и Android. Оно позволяет не только управлять функциями и звучанием синтезаторов, но также предлагает невероятно увлекательную систему обучения как в игровой форме, так и с использованием настоящих нот в формате .pdf.

Еще одна примечательная линейка синтезаторов для обучения –

Casio LK-S. Ее основная особенность заключается в подсветке клавиатуры. Это не просто зрелищно, но еще и полезно. В режиме обучения подсвечивается следующая нота, которую надо сыграть, а значит вам не придется всматриваться в дисплей и процесс усвоения нового материала пойдет быстрее.

Среди ассортимента компании Medeli можно выделить синтезаторы M331 и M361. Оба синтезатора оснащены полноразмерной динамической клавиатурой на 61-у клавишу, пошаговой системой обучения, 128-голосной полифонией, огромным количеством тембров и стилей автоаккомпанемента, а также встроенным секвенсором и эффектами обработки звука (реверберация, хорус и т.д.). Клавиатура предусматривает возможность наложения нескольких тембров друг на друга и разделения на 2 части для того, чтобы задать каждой из них свой тембр. Более продвинутая модель M361 позволяет даже создавать собственные стили автоаккомпанемента (до 10-и штук) и сохранять их в память инструмента. Примечательно то, что при таком впечатляющем наборе возможностей, цена этих синтезаторов очень демократична, благодаря чему они смело конкурируют с более именитыми брендами.

Полупрофессиональные синтезаторы также представлены различными брендами, но отдельно хочется выделить линейку Casio CT-X, инструменты Roland из серии JUNO и модель A1000 от фирмы Medeli. В этих синтезаторах предусмотрен встроенный секвенсор и арпеджиатор, DSP-процессор и блок эффектов обработки, вход для педали экспрессии (не во всех моделях), функция автоматического подбора гармонии, возможность многочисленного наложения тембров друг на друга и многое другое. Клавиатура у всех синтезаторов из данной категории динамическая, а количество клавиш может варьироваться от 61-ой до 88-ми. Некоторые модели оснащены пэдами и лупером, позволяющим записывать и воспроизводить фразы, а также возможностью подключить флешку для записи и воспроизведение записанных треков.

Среди рабочих станций практически невозможно выделить безусловного лидера. Все дело в том, что профессиональные модели, как правило, выбираются для решения весьма конкретных задач, для каждой из которых найдется свой инструмент. Скажем лишь, что наиболее популярными являются невероятно мощные модели Korg из серий KRONOS2 и Pa4X, Yamaha Genos и ряд других.

Что еще важно учитывать при покупке синтезатора?

Мы надеемся, что наша статья помогла вам разобраться во всем многообразии синтезаторов и определиться, какой из них вам действительно нужен. Осталось упомянуть несколько моментов, которые важно учитывать при покупке.

Обязательно обращайте внимание на комплектацию инструмента, т.к., к примеру, с некоторыми моделями Casio адаптер питания в комплекте не идет и приобретается отдельно.

Если вы хотите играть полноценные фортепианные произведения, то, как мы уже говорили выше, вам не обойтись без педали сустейна. Этот аксессуар выпускается различными брендами, и если производитель отличается от производителя вашего синтезатора, убедитесь в том, что в педали есть переключатель полярности. Если его нет, то педаль может работать в реверсивном режиме и окажется бесполезной.

При покупке синтезатора важно сразу предусмотреть, куда вы будете его ставить. Желательно для этого использовать специальную стойку, которая регулируется по высоте, что позволяет найти наиболее оптимальное положение для игры. Если синтезатор стоит слишком высоко или слишком низко, занятия будут вызывать дискомфорт и вряд ли станут продуктивными.

Если вы хотите играть в наушниках, то обратите внимание на тип разъема для наушников в синтезаторе. Он может быть выполнен в формате джека 1/4″ и мини-джека 1/8”. Если разъем на инструменте и ваших наушниках не совпадает, то вам понадобится переходник.

В отличие от корпусных цифровых пианино синтезаторы не имеют крышки, закрывающей клавиатуру. Поэтому вам может пригодиться специальная накидка, которая убережет клавиши от попадания пыли и грязи, пока вы не играете.

Покупая синтезатор в MusicMarket, вы всегда можете рассчитывать на квалифицированную консультацию наших менеджеров, которые с радостью ответят на все вопросы. Выбирайте только самое лучшее, играйте и творите с удовольствием, а мы вам обязательно поможем!

Синтезатор (музыкальный инструмент) — это… Что такое Синтезатор (музыкальный инструмент)?

Синтезатор (музыкальный инструмент)

Синтеза́тор — электронный музыкальный инструмент, создающий (синтезирующий) звук при помощи одного или нескольких генераторов звуковых волн. Требуемое звучание достигается за счет изменения свойств электрического сигнала (в аналоговых синтезаторах) или же путём настройки параметров центрального процессора (в цифровых синтезаторах). Синтезатор, выполненный в виде корпуса с клавиатурой, называется клавишным синтезатором. Синтезатор, выполненный в виде корпуса без клавиатуры, называется синтезаторным модулем и управляется от MIDI-клавиатуры. В случае, если клавишный синтезатор оборудован встроенным секвенсером, он называется рабочей станцией.

Типы синтеза

В зависимости от способа генерации звуковых волн и их преобразования синтез звука можно классифицировать следующим образом:

Синтезатор с аналоговым моделированием Access Virus C

Рабочая станция Alesis Fusion HD8

Исполнительский синтезатор Roland Juno D

Интерактивный синтезатор Yamaha Tyros

  • Суммирующий (аддитивный) синтез, в котором используется принцип суперпозиции (наложения) нескольких волн простой (обычно синусоидальной) формы с различными частотами и амплитудами. По аналогии с электроорганами эти волны называются регистрами и обозначаются, как 16′ (тон на октаву ниже взятого), 8′ (исходный тон), 4′ (тон на октаву выше взятого) и т. д. (цифра представляет собой длину трубы соответствующего регистра органа в футах). В чистом виде встречается у электроорганов (Hammond, Farfisa) и их цифровых эмуляторов (Korg CX-3, Roland VK-8 и т. д.). Звучание инструмента тем богаче, чем большее количество регистров использовано в конструкции.
  • Вычитающий (субтрактивный) синтез, в котором исходная волна произвольной формы изменяет тембральную окраску при прохождении через разнообразные фильтры, генераторы огибающих, процессоры эффектов и т. д. Как подмножество данный тип синтеза широко применяется практически во всех современных моделях синтезаторов.
  • Операторный (FM, от англ. Frequency Modulation) синтез, в котором происходит взаимодействие (частотная модуляция и суммирование) нескольких волн простой формы. Каждая волна вместе со своими характеристиками называется оператором, определенная конфигурация операторов составляет алгоритм. Чем большее количество операторов использовано в конструкции синтезатора, тем богаче становится звучание инструмента. Например, популярный по сей день синтезатор Yamaha DX-7 (1984 год выпуска) обладает 6 операторами, для конфигурирования которых служит 36 различных алгоритмов.
  • Физический синтез, в котором за счет использования мощных процессоров производится моделирование реальных физических процессов, протекающих в музыкальных инструментах того или иного типа. Например, для духовых свистковых инструментов типа флейты параметрами будут длина, профиль и диаметр трубы, скорость воздушного потока, материал корпуса; для струнных инструментов — размер корпуса, материал, длина и натяжение струн и т. д. Физический синтез используют такие инструменты, как Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion и т. д.
  • Волновой (Wavetable, PCM) синтез, в котором звук создается за счет воспроизведения записанных ранее в память инструмента фрагментов звучания реальных музыкальных инструментов (сэмплов и мультисэмплов). Самый известный синтезатор в этой группе — Waldorf Wave, также прославившийся, как самый дорогой в мире синтезатор.
  • Гибридный синтез, в котором применяется та или иная комбинация различных способов синтеза звука, например «суммирующий + вычитающий», «волновой + вычитающий», «операторный + вычитающий» и т. д. Большинство современных инструментов создается именно на основе гибридного синтеза, так как он обладает очень мощными средствами для варьирования тембра в самых широких пределах.

Разновидности синтезаторов

В зависимости от используемой технологии синтезаторы можно разделить на следующие категории:

  • Аналоговые синтезаторы реализуют аддитивный и субтрактивный типы синтеза. Главная особенность данной категории заключается в том, что звук генерируется и обрабатывается при помощи реальных электрических цепей. Часто соединение различных модулей синтеза производится при помощи специальных кабелей — patch-проводов, отсюда «патч» — обиходное название определенного тембра синтезатора среди музыкантов. Основные достоинства аналоговых синтезаторов заключаются в том, что все изменения характера звучания во времени, например движение частоты срезания фильтра, происходят исключительно плавно (непрерывно). К недостаткам относятся высокий уровень шума, проблема нестабильности настройки в настоящее время преодолена. К наиболее известным, используемым в наше время аналоговым синтезаторам относятся: Alesis Andromeda A6, Cwejman S1 MK2, Future Retro XS, Moog Voyager, Studio Electronics SE1X.
  • Виртуально-аналоговые синтезаторы представляют собой гибрид между аналоговым синтезатором и цифровым, неся в своем корпусе программную составляющую. Наиболее известные среди них: Access Virus TI, DSI Poly Evolver, Korg MS2000, Nord Lead 2x, Nord Modular, Waldorf Micro-Q.
  • Цифровые синтезаторы включают в себя собственно цифровые синтезаторы, а также их вариации: виртуальные синтезаторы-плагины/standalone и интерактивные синтезаторы. Они реализуют разнообразные типы синтеза. Для создания и воспроизведения исходных волновых форм, модификации звучания фильтрами, огибающими и т.д. используются цифровые устройства на базе одного центрального процессора и нескольких сопроцессоров. По сути, цифровой синтезатор представляет собой узкоспециализированный компьютер. Наиболее передовые модели современных цифровых синтезаторов (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), подобно персональным компьютерам, позволяют обновлять операционную систему, содержат страничные меню, встроенные справочные файлы, скринсейверы и т.д. Виртуальные синтезаторы являются разновидностью цифровых синтезаторов, однако они представляют собой особый вид программного обеспечения. Для создания звука используются центральный процессор и оперативная память персонального компьютера, а для вывода звука на воспроизводящее устройство используется звуковая карта ПК. Виртуальные синтезаторы могут представлять собой как самостоятельные (stand-alone) программные продукты, так и плагины (plug-ins) определенного формата (DXi, RTAS, TDM, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour и т.д.). Высокая доступность обуславливает растущую популярность виртуальных синтезаторов, в том числе моделей реально существующих инструментов (например, Native Pro53 — эмулятор синтезатора Prophet, Novation V-Station — эмулятор синтезатора Novation K-Station, Korg Legacy — эмуляторы синтезаторов Korg M1, Wavestation, PolySix, MS20 и т.д.). Интерактивные, или домашние синтезаторы также представляют собой разновидность цифровых синтезаторов, предназначенную специально для домашнего и салонного любительского музицирования, а также для интерактивного обучения музыке. Обычно в таких синтезаторах отсутствуют средства для развитого редактирования звука, включая регуляторы реального времени. Акцент делается на реалистичной имитации разнообразных оркестровых инструментов и использовании функции автоматического аккомпанемента. В этом случае для того, чтобы сыграть какое-либо музыкальное произведение, исполнителю не требуется программировать тембры или записывать партии в секвенсер – достаточно выбрать готовый тембр для мелодии и стиль для автоаккомпанемента. Безусловно, управление подобными синтезаторами существенно проще, чем у профессиональных исполнительских моделей и зачастую доступно даже ребёнку. Многие синтезаторы подобного типа включают в себя обучающие игры типа «угадай ноту» или «угадай аккорд», сборники готовых музыкальных произведений для прослушивания и разучивания, функцию караоке с выводом на экран текста песни и т.д. К данной категории синтезаторов относятся семейства Yamaha PSR, Casio CTK/WK, Roland E/VA/EXR и т.д.

Управление современного цифрового синтезатора

Управление современного профессионального синтезатора представляет собой сложный процесс, связанный с контролем нескольких сотен, а то и тысяч, разнообразных параметров, отвечающих за те или иные аспекты звучания. Некоторые параметры могут управляться в реальном времени при помощи вращающихся регуляторов, колес, педалей, кнопок; другие параметры служат для заранее запрограммированного изменения во времени тех или иных характеристик. В связи с этим тембры (патчи) цифровых синтезаторов также часто называют программами.

  • Клавиатурный и динамический трекинг используются для отслеживания позиции и скорости нажатия на клавишу. Например, при движении от нижних клавиш к верхним тембр может плавно измениться от виолончели до флейты, причем при более энергичном нажатии на клавишу к общему звучанию добавляются литавры.
  • Огибающая применяется для непериодического изменения определенного параметра звучания. Обычно график огибающей представляет собой ломаную линию, состоящую из секций атаки (Attack), спада (Decay), поддержки (Sustain) и затухания (Release) (см. тж. ADSR-огибающая), однако в различных моделях синтезаторов встречаются как более простые (ADR) так и более сложные многостадийные огибающие. Общее количество огибающих представляет собой важную характеристику синтезатора.
  • Фильтр служит для вырезания из общего спектра сигнала определенной полосы частот. Зачастую фильтр также оборудуется резонансом, позволяющим резко усилить полосу частот на границе срезания. Изменение характеристик фильтра при помощи регуляторов реального времени, клавиатурного трекинга и/или огибающих позволяет получать исключительно разнообразные варианты звучания. Общее количество фильтров является важной характеристикой синтезатора.
  • Ring-модулятор позволяет модулировать исходный сигнал другим сигналом с определенной (фиксированной или плавающей) частотой, за счет чего происходит существенное обогащение гармониками. Название «Ring» (англ. «звонить») связано с тем, что данный узел часто служит для получения «колоколоподобного» звучания инструмента.
  • Генератор низких частот (англ. «Low Frequency Oscillator») применяется для периодического изменения определенных параметров звучания, например высоты, громкости, частоты срезания фильтра и т.д. В случае циклического изменения громкости создается эффект тремоло, изменение высоты создает эффект вибрато, периодическая смена частоты срезания фильтра называется эффектом «вау» (англ. «wah-wah»).
  • Обработка эффектами используется для окончательной доводки звучания. Современные синтезаторы обычно оснащаются достаточно большим количеством эффект-процессоров (например, Korg Karma — 8 процессоров, Roland Fantom — 6 процессоров и т.д.). Процессоры работают независимо друг от друга, хотя при желании их можно объединять в последовательные цепи. Современные эффект-процессоры реализуют большое количество пространственных (реверберация, задержка, эхо), модуляционных (фленжер, хорус, фазер) и иных (переусиление, сдвиг частоты, обогащение гармониками) алгоритмов эффектов. Наиболее продвинутые модели обладают средствами для управления параметрами эффектов от регуляторов реального времени, огибающих, LFO и т.д.

См. также

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

  • Физическая химия
  • Россия и терроризм

Полезное


Смотреть что такое «Синтезатор (музыкальный инструмент)» в других словарях:

  • Музыкальный инструмент электронный — Электронное устройство, такое как электронный орган, электронное пианино или музыкальный синтезатор, которое воспроизводит музыку под управлением музыканта… Источник: ГОСТ Р МЭК 60065 2002. Аудио , видео и аналогичная электронная аппаратура.… …   Официальная терминология

  • Рог (музыкальный инструмент) — Горн Горн (от нем. Horn рог) родоначальник всех медных духовых инструментов. Горн напоминает трубу, но в нём отсутствует вентильный механизм, отчего его исполнительные возможности резко ограничены: горн может воспроизводить ноты только в пределах …   Википедия

  • Рожок (музыкальный инструмент) — РОЖОК древнерусский деревянный пастушеский инструмент ведущий свою историю от ратных рогов и труб, созывавших воинов на битву (например, в «Слове о полку Игореве» говорится о воинах, которые под трубами повиты, под шлемами взлелеяны, концом копья …   Википедия

  • Суперстрат (музыкальный инструмент) — У этого термина существуют и другие значения, см. Суперстрат. Суперстрат (или Супер страт)  обобщенное название электрогитар, характеризующихся тем, что конструктивно они напоминают Fender Stratocaster, но при этом имеют от этого инструмента …   Википедия

  • Синтезатор «АНС» — Запрос «ANS» перенаправляется сюда; см. также другие значения. «АНС» в Термен центре (февраль 2006) …   Википедия

  • Синтезатор (значения) — Синтезатор: Синтезатор  электронный музыкальный инструмент, создающий (синтезирующий) звук при помощи одного или нескольких генераторов звуковых волн. Синтезатор (научная фантастика)  прибор из советской научной фантастики, позволяющий… …   Википедия

  • Синтезатор «АНС» — фотоэлектронный музыкальный инструмент, сконструированный русским изобретателем Евгением Мурзиным. Принцип действия устройства основан на используемом в кинематографе методе фотооптической звукозаписи, позволяющем получать видимое изображения… …   Википедия

  • Синтезатор — У этого термина существуют и другие значения, см. Синтезатор (значения). Синтезатор (англ. Synthesizer)  электронный музыкальный инструмент, создающий (синтезирующий) звук при помощи одного или нескольких генераторов звуковых волн.… …   Википедия

  • Музыкальный треугольник — Треугольник Треугольник (итал. triangolo, англ. и фр. triangle, нем. Triangel)  ударный музыкальный инструмент в виде металлического прута (обычно из стали или алюминия), изогнутого в форме треугольника. Один из углов оставлен открытым (концы… …   Википедия

  • Музыкальный НЛО — Ханг Музыкальный НЛО Классификация • Ударный инструмент • Металлический идиофон Диапазон Родственные инструменты …   Википедия

История синтезаторов | Статьи

01-11-2016

Автор: Александр Лучков
Музыкант, аранжировщик, композитор. Продюсер программы LearnMusic.

В продолжение рассказа об истории клавишных инструментов, в этой статье мы хотели бы рассказать об истории удивительных инструментов, без которых совершенно немыслима современная музыка – об истории синтезаторов.

Вам, быть может, будет интересно узнать, что родиной первых синтезаторов является наша с вами страна.

Да-да, первый настоящий синтезатор был изобретен в России! Когда во время празднования 850-летия столицы, в Москве выступал легендарный Жан-Мишель Жарр (Jean Michel Jarre), то в качестве предисловия перед концертом он сказал, что рад оказаться на родине великого русского изобретателя Льва Термена. По толпе прошел шепоток. Уж не перепутал ли чего маэстро? Кто такой этот Термен? Публика не знала, о ком он говорит. В то время Льва Термена уже не было в живых. Он ушел незаметно в 1993 году, когда ему было, ни много, ни мало, 97 лет. 97 лет славы, терзаний, безызвестности и гонений.

Однако именно этому выдающемуся ученому принадлежит право считаться создателем первого в мире электромузыкального инструмента.

И произошло это аж в далеком 1920 году. В это непростое для нашей страны время Термен заведовал лабораторией института Иоффе. Там он и создал свой первый электронный музыкальный инструмент и назвал его этерофоном.

Звучание этого инструмента управлялось движением рук в пространстве относительно двух высокочастотных колебательных контуров, настроенных на общую частоту. Один из контуров имел наружный выход в виде антенны. Движение руки вблизи антенны создавало гетеродинный эффект, преобразуемый усилителем в звук. Высота звука менялась по мере приближения или удаления руки от антенны. Невиданным образом, как бы из ниоткуда, возникала мелодия. Музыканту даже не требовались привычные струны или клавиши – только полет фантазии и хорошая координация.

Чуть позже, уже на Западе, этот музыкальный инструмент получил название «терменвокс». «Движение, воплощенное в звук» – так определил его Альберт Эйнштейн. По сути, это был первый в мире электромузыкальный инструмент – прямой предок всех современных синтезаторов.

Вообще, судьба Льва Термена – это история, заслуживающая, как минимум, полнометражной экранизации. В жизни этого человека были и гениальные изобретения (терменвокс – лишь одно из них) и рукоплещущая переполненная до краев «Гранд-Опера», и своя студия в Нью-Йорке (часть от которой он сдавал недорого Эйнштейну) и вхождение в пресловутый пен-клаб (клуб миллионеров), и принудительное возвращение на родину, где ученого немедленно упекли в ГУЛАГ, и выживание в нечеловеческих условиях, и работа в КБ Туполева над шпионской оптикой, и освобождение, и награждение сталинской премией, и новая безвестность… Все было. Надо отметить, что во все времена и при любых условиях ученый не переставал заниматься изобретательской деятельностью. Знаменитый инструмент Термена – терменвокс – явился значительной вехой в развитии электромузыкальных инструментов в мире. На нем играли и играют до сих пор. В Голливуде в далеких 40-50-х терменвокс использовали для озвучивания «ужастиков», а совсем молодой тогда Роберт Муг (дедушка всех синтезаторов) начинал карьеру с производства именно этого инструмента. Терменвокс использовали такие мэтры современной молодежной музыки, как COIL, MARYLIN MANSON, THE PIXIES, FUGAZI, THE AVALANCHES, PORTISHEAD и JON SPENCER BLUES EXPLOSION. В Штате Мэн в 1997 году был проведен первый международный Термен-фестиваль. В Москве уже не первый год работает Термен-центр, который занимается пропагандой и изучением электроакустики, проводит лекции и семинары, посвященные истории развития электромузыкальных инструментов в России.

Следующим этапом в развитии электроинструментов в России стал первый в мире электронный синтезатор звука «АНС», который был придуман еще до 2-й мировой войны и сконструирован в конце 50-х советским инженером Евгением Мурзиным. Изобретатель работал над своим детищем практически в полном одиночестве (помогала только жена). Он создавал свой инструмент более 20-и лет! Но дело того стоило. «АНС» (эта аббревиатура расшифровывается как Александр Николаевич Скрябин) явился не только родоначальником целого класса новых инструментов, но и до сих пор по целому ряду параметров намного превосходит в качестве звучания современные модели.

Технической основой изобретения явился метод фотооптической записи, который позволял синтезировать звучание звуковой волны, для удобства редактирования нарисованной на стекле специальной невысыхающей краской. Музыкант должен был рисовать музыку, то есть графически отображать будущий звук. После отработки на партитуре очередной кусок произведения записывался на магнитофонную пленку. Осенью 1959 года макет синтезатора принял законченный вид.

Вскоре в Москве, благодаря поддержке Шостаковича, Мурзиным была создана Московская Экспериментальная Студия Электронной Музыки, одной из главных целей которой было построение серии универсальных электронных инструментов с 72-х или даже с 108-ступенной темперацией. Для сравнения, в обычных инструментах общепринята 12-ступенная темперация (знаменитые 7 белых и 5 черных клавиш у рояля), а у АНС в октаве было не 12, а 72 звука. В шесть раз больше! Синтезатору были доступны тончайшие изменения высоты тона, еле уловимые самым чутким ухом. И сделано это все было ради того, чтобы синтезировать натуральные тембры, открыть доступ к естественному гармоническому строю, который искажен и обеднен европейской музыкальной системой. В 1964-м году АНС был выставлен на международной выставке в Генуе, где произвел настоящий фурор.

В студии Мурзина работали энтузиасты-единомышленники – Э. Артемьев, А. Немтин, П. Мещанинов, а также А. Шнитке, Э. Денисов и С. Губайдуллина. Сам же Мурзин занимался не только практической работой, но и писал книгу, посвященную электронной музыке, ее эстетике и проблемам восприятия разных музыкальных строев. Эта рукопись до сих пор хранится в Московской Консерватории, а ее издание бесконечно откладывается «на потом».

Что касается АНС, то, несмотря на закрытие студии и фактическое уничтожение большей части фонотеки, сам инструмент все же удалось сохранить. В настоящий момент АНС хранится в музее музыкальной культуры им. М. И. Глинки. Из наиболее известных произведений, созданных на АНС можно вспомнить музыку к фильмам Андрея Тарковского «Солярис» и «Зеркало», к кино эпопее «Освобождение», спецэффекты в легендарной «Бриллиантовой Руке» и т. д.  

Теперь посмотрим, что же происходило за «железным занавесом», который на протяжении большей части XX века разделял ученых настолько, что они зачастую даже не подозревали, что то, над чем они столь усердно трудятся, уже давно изобретено по другую сторону берлинской стены.

Компания Telefunken в 1933 году представила миру изобретение Фридриха Траутвайна (Friedrich Trautwein) и Оскара Сала (Oscar Sala) – монофонический синтезатор Trautonium. Для того, чтобы играть на этом инструменте, необходимо было передвигать пальцы по специальной металлической ленте, выполняющей функцию клавиатуры. Громкостью звука можно было управлять с помощью силы давления. Этих приборов с 1933 по 1935 годы было произведено всего 200 штук.

В 1941 году француз Georges Jenny изобрел клавишный инструмент Ondioline, принцип работы которого основывался на генерации сигнала, аналогичной Терменвоксу, правда в Ondioline была реализована более сложная схема, благодаря которой звук получился более насыщенным и плотным. Уникальная клавиатура позволяла получать очень органичное вибрато с помощью колебания клавиш пальцами при игре. Всего было продано около 700 экземпляров этого инструмента.

В 1934 компания Hammond во главе с Лоуренсом Хэммондом выпускает первый электронный орган, который изначально был недорогой альтернативой духовым органам, и предназначался, в первую очередь, для церковных нужд. Позже, в 60-е годы, Hammond-орган стал культовым инструментом среди рок-н-рольщиков и хард-роковых групп (можно услышать его характерное звучание у The Beatles, Deep Purple, Yes и многих многих других).

И вот тут следует сделать небольшое отступление. Дело в том, что знаменитый орган Хаммонда был разработан на основе изобретения, запатентованного еще в далеком 1897 (!!!) году Таддеусом Кэхиллом (Thaddeus Cahill), и носившего название Телармониум (Telharmonium). Его также называли Динамофон. То есть получается, что Льва Термена опередили и синтезатор был изобретен еще в XIX веке? Но давайте разберемся.

Телармониум был первым музыкальным инструментом, производящим звук при помощи электричества. С точки зрения звукообразования он был, как и духовые органы, аддитивным. То есть он состоял из большого количества похожих блоков. 145 электрических генераторов, как и трубы у органов, вырабатывали ток разной частоты. Система приводилась в действие с помощью трех модифицированных органных клавиатур. При этом инструмент в сборе весил двести (!!!) тонн, а для его транспортировки требовался состав из тридцати вагонов. Реальный рабочий образец был создан только в 1906 году, хотя патент, как уже было сказано выше, получен еще в 1897. Телармониум существовал лишь в трех экземплярах (последний был создан в 1911 году), и как коммерческий проект провалился, хотя во многом предвосхитил развитие электронных музыкальных инструментов. Эпоха Телармониума завершилась в 1916 году, так и не оставив после себя ни единой записи этого инструмента.

Почему Телармониум нельзя в полной мере назвать синтезатором? Ответ прост. В основе любого синтезатора лежит колебательный контур (осциллятор). Внутри него возникают электромагнитные колебания. А ведь в привычном для нас понимании основой аналогового осциллятора является контроль частоты колебаний при помощи напряжения. Именно по этому принципу работал Терменвокс, генерация сигнала и изменение частоты происходила на электронном уровне. И музыкант имел возможность изменять его, воздействуя извне. В то время как Телармониум издавал звук, складывая его из генераторов с фиксированными частотами, при этом трансляция звука происходила через телефонные линии. То есть, фактически, его работа основывалась на возбуждении электричеством физических колебаний. Грубо говоря, синтезатор должен звук синтезировать, а Телармониум его просто издавал.

Однако нельзя умалять достоинств этого изобретения. Кто знает, не появись Телармониум – может быть и вся история синтезаторов сложилась бы иначе. И, как уже было сказано, благодаря этому изобретению уже в середине века многие музыканты имели возможность играть на полифонических инструментах, какими были электроорганы. Забегая вперед, скажем, что вплоть до второй половины 70-х годов XX века для обычного музыканта полифонический синтезатор был нереальной мечтой. Так что, с одной стороны органы – это часть истории синтезаторов, с другой – нечто развивавшееся параллельно и независимо.

Дальнейшее развитие синтезаторов (как, впрочем, и всего остального, не связанного с вооружением) на долгие годы приостановила мировая война, однако после ее окончания процесс стал стремительно набирать обороты.

В 50-х годах прошлого века были разработаны первые инструменты, позволяющие создавать новые тембры – синтезаторы в привычном их понимании и принципе работы. Это были разработки компании RCA – Mark I (1955), и, чуть позже – Mark II (1959).

Инструменты не снискали большой популярности в силу очень высокой стоимости, гигантских размеров и неудобства в управлении. Модули Mark II занимали целую комнату, требовали многочасовой настройки, да и музыку могли воспроизводить лишь по заранее записанной программе, и это при стоимости в 175 тысяч долларов!

Массовое же, промышленное производство синтезаторов началось лишь тогда, когда разработчику Роберту Мугу (тому самому, который выпускал терменвоксы в Америке, помните?) удалось создать гораздо более доступные, хотя все равно еще очень дорогие инструменты – они стоили около 7 тысяч долларов в минимальном варианте. Самую же большую популярность получил синтезатор Minimoog, цена которого составляла всего 1500 долларов, а небольшие габариты позволяли его легко транспортировать и использовать практически в любых условиях. Кстати, фамилию изобретателя «минимугов» правильнее произносить «Мог», а не «Муг», поскольку фамилия эта немецкая. Но мы уж будем пользоваться общепринятым, привычным слуху, вариантом.

Вскоре портативные инструменты стали производиться всеми синтезаторными брендами мира. Oberheim в 1974 выпускает SEM, у Korg в 1973-м выходит Minikorg 700 (а затем его двухосцилляторная версия Minikorg 700S – 1974), Roland в 1973 году производит свой вариант монофоника – SH-1000, Yamaha в том же году – SY-1.

Однако все вышеперечисленные модели при всей их портативности, удобстве управления и высоком качестве звука обладали одним серьезным недостатком – они были одноголосыми. То есть с солирующей партией они справлялись прекрасно, но в аккомпанементе они явно проигрывали гитарам и традиционным клавишным – фортепиано и органу. Это отставание сохранялась недолго.

Как мы уже знаем, еще в 1957 году в России был изготовлен полифонический АСН, но на Западе он был практически неизвестен. Кроме того, о серийном производстве этого уникального инструмента речи не шло.

В Америке компанией Hammond была предпринята попытка создания в чем-то похожего инструмента. Это произошло в 1939 году, когда АСН еще находился только на стадии разработки. Был создан инструмент значительно отличавшийся от органных разработок фирмы. Он получил название Novachord. Этот инструмент работал по принципу октавных делителей, и благодаря этому имел полифонию аж в 72 голоса! Имея в звуковом тракте фильтры и огибающие (то есть по сути субтрактивный синтез в основе), Novachord мог издавать звуки разных типов – и подобные струнным, хорам, и схожие с клавесинами и фортепиано. Первый экземпляр Novachord был преподнесен в качестве подарка на день рождения президенту США Франклину Делано Рузвельту в 1940 году. Инструмент остался непонятым современниками, так как помимо навыков игры, он требовал еще и немалых технических знаний для создания звуков. Да и наступившие военные годы сделали свое дело – коммерчески Novachord оказался не особо успешным. Позднее его нередко задействовали при оформлении художественных фильмов в жанрах ужасов и фантастики, а также в телепередачах.

Но вернемся в 70-е. В том же году, когда Роберт Муг подарил миру Minimoog (1970) другая американская компания, E-MU Systems, впервые создала полифоническую клавиатуру-контроллер для своего E- MU Modular System. В отличие от Novachord, на E- MU Modular System с помощью модуляров можно было создавать очень сложные и разнообразные звуки. Так что теперь у полифонических синтезаторов появились реальные перспективы!

И новые модели не заставили себя долго ждать. Уже в 1975 году Oberheim, получив лицензию на полифонический контроллер от E-MU, реализовала один из самых масштабных своих проектов, Oberheim 4Voice – полифонический синтезатор с четырьмя голосами, каждый из которых мог иметь собственный тембр, то есть имел индивидуальную настройку. По сравнению с модулярами 4Voice был небольших размеров. Он обладал прекрасным звуком и очень широкими возможностями синтеза, а кроме того – созданные звуки можно было сохранять в пресеты. Так что даже сегодня 4Voice является лакомым кусочком для многих электронщиков.

1978 год. Sequential Cirquits Instruments под управлением Дейва Смита выпускает революционный SCI Prophet-5 с 5-голосной полифонией и возможностью автоматической настройки всех голосов при помощи специального микропроцессора. Выпуск Prophet-5 продолжался до 1984 года, то есть до самого наступления цифровой эпохи в синтезаторостроении, что само по себе говорит об очень серьезном коммерческом успехе. За все это время «пятый» прошел три ступени развития (ревизии), каждая из которых вносила в инструмент довольно существенные изменения.

Следует сказать, что ранее, еще в 1973 году Yamaha создала монстра GX-1. Это был уникальный инструмент. Одной из его уникальных особенностей была страшная по тем временам (да даже и по сегодняшним) цена – 60 тысяч долларов США.

Такой дорогой инструмент могли себе позволить только самые именитые музыканты, такие как Keith Emerson (у которого GX-1 был любимым инструментом), John Paul Jones из Led Zeppelin, Stevie Wonder (у него их было даже два!), Benny Andersson из ABBA, Hans Zimmer (купивший его у Эмерсона, которому при этом второй GX-1 продал Джон Пол Джонс), а также Rick Wright из Pink Floyd (правда, не сделавший на нем ни одной записи). Конечно, ставить его в один ряд с более-менее доступными Оберхеймами и Профетами сложно, да и весил он аж 300 килограмм (а вместе с педалями и специальными четырьмя «родными» колонками вес составлял почти тонну!). Однако, на базе технологий, впервые реализованных именно в GX-1, Yamaha в 1976 году выпустила синтезатор, по мнению многих являющийся непокоренной вершиной синтезаторостроения, легендарный, великий и могучий…Yamaha CS80.

Он весил «всего лишь» 91 килограмм, а стоил «каких-то там» 7000 долларов. В отличие от Prophet-5, этот инструмент не имел программной цифровой памяти для сохранения пресетов, однако эта функция все же была реализована, хотя и довольно своеобразно. Ручки инструмента были продублированы в специальном отсеке таким образом, чтобы понравившееся сочетание можно было скопировать, а при необходимости к нему вернуться. Довольно изощренно, но на тот момент выбор был невелик, и приходилось мириться с неудобствами. Тем более, что Yamaha CS80 предлагал полифонию в 8 голосов, причем каждый голос был двуслойным. Мало того, синтезатор был оборудован уникальным на тот момент набором исполнительских выразительных средств, таких как ленточный контроллер (ribbon-controller) и динамическая клавиатура с полифоническим послекасанием (aftertouch).

Ленточный контроллер позволял делать полифонические слайды, то есть глиссандо в диапазоне нужного интервала. Динамическая клавиатура отвечала на силу нажатия, а полифоническое послекасание позволяло применять алгоритмы модуляции индивидуально к каждому звучащему голосу! Даже в современных синтезаторах крайне редко реализуется полифоническое послекасание. Например, если на aftertouch назначено вибрато, то, усиливая нажатие на одну из клавиш современных синтезаторов, вы получаете модуляцию на все звучащие голоса. А Yamaha CS80 уже в середине 70-х годов позволял куда более тонко использовать эту возможность. Заметно позже полифонический aftertouch был реализован в ряде инструментов других производителей, в основном в цифровых.

Звук CS80 действительно уникален, возможности его практически безграничны. Всемирно известный греческий композитор Vangelis – один из именитых пользователей Yamaha CS80, всегда считал его своим любимым инструментом. Кроме того, этот синтезатор использовали такие звезды первой величины как Paul McCartney, Michael Jackson, Jean Michel Jarre, Stevie Wonder, Peter Gabriel, Electric Light Orchestra, Kraftwerk, и многие другие.

70-е годы стали настоящим бумом электронной музыки. Клавишники, наконец, получили в свое распоряжение инструменты, которые не только не уступали по выразительности гитарам, струнным или духовым, но и превосходили все остальные инструменты ансамбля по разнообразию звуковой палитры. К концу 70-х годов полностью сложились все основные принципы синтезирования звука, а синтезаторы обрели все те элементы, которые мы можем наблюдать на них сейчас: несколько генераторов волны, генератор шума, фильтры, генераторы низкой частоты (LFO), благодаря которым можно было с необходимой периодичностью изменять какие-либо параметры (например, открывать и закрывать фильтр), и генераторы огибающей, при помощи которых музыканты-инженеры (возникла даже такая специальность) могли придать звуку нужную форму. Появились первые сэмплеры и драм-машины. Синтезатор превратился в непременный атрибут любого большого концерта, стал неизменным участником студийного процесса и незаменимым орудием аранжировщика.

80-е. Эра Новой Волны в популярной музыке. Появились такие известные на весь мир группы, как Duran Duran, Depeche Mode, Japan, Pet Shop Boys, A-ha, Ultravox, Erasure и многие другие. Основой музыки этих групп стали синтезаторы, а жанр, благодаря этому, впоследствии получил даже название synthy-pop.

A-ha   Depeche Mode   Duran Duran   Pet Shop Boys
             
     

Бурный всплеск интереса к синтезаторам во многом произошел благодаря еще одному революционному изобретению, превратившему работу с синтезаторами в сущий праздник для музыканта – в начале 80-х появился протокол MIDI (Musical Instrument Digital Interface). Попробуем объяснить простыми словами его смысл. Через специальный кабель от инструмента к инструменту передавалась элементарная информация: какая клавиша нажата, в какой момент времени, с какой силой, сколько времени ее держали и т.п. То есть появилась возможность на одном инструменте играть, а слышать при этом звуки другого (или других), подключенного к основному при помощи MIDI-кабеля. Это невероятным образом упростило систему взаимодействия между музыкантами, синтезаторами и компьютерами (первые модели которых к этому моменту уже появились в свободном доступе). Теперь для воссоздания полноценного звучания ансамбля не обязательно было долго искать единомышленников, репетиционное помещение, инструменты и т. д. Достаточно было обзавестись одной клавиатурой и несколькими рек-синтезаторами (вариант синтезатора без клавиатуры, на музыкантском слэнге – «мозги»).

В середине восьмидесятых начали появляться рабочие станции, в которых в одном блоке были помещены многодорожечный секвенсор и драм-машина. Это дало музыкантам возможность, имея одну такую станцию писать полноценные композиции, имитируя звучание целой группы. Появилась возможность сочинять и записывать музыку, не выходя из дома.

Кроме того, в 80-е годы на рынке появились и активно укрепились новые разновидности электронных инструментов – цифровые синтезаторы и сэмплеры. Цифровые синтезаторы опирались на все достижения своих предшественников – аналоговых синтезаторов, но за счет использования микропроцессоров вместо громоздких генераторов, инструменты эти стали значительно компактнее, удобнее и дешевле. Появление же сэмплеров ознаменовало новый этап в развитии клавишных. Теперь музыканты могли записать в память инструмента абсолютно любой звук – от писка комара до пушечной канонады и затем, разложив звук по клавиатуре (назначив звуки разной высоты на разные клавиши), могли исполнять поистине «нечеловеческую» музыку.

Первым вполне доступным, полностью цифровым синтезатором, основанным на микропроцессорах был Synclavier, который был оснащен двумя клавиатурами (компьютерного и фортепианного типов) и жестким диском. Этот синтезатор использовали такие музыканты, как Гербе Хэнкок,Питер Гэбриэл, музыканты группы Duran Duran и другие. Следует отметить также цифровое пианино Kurzweil K250, выпущенное в 1983 году, опиравшееся на технологию цифрового сэмплирования. Затем аналогичную технику (ввиду неуклонно возраставшего спроса на нее) начали производить все, кому не лень. Японские Roland, Akai, Korg. Американские Ensoniq, Alesis, Peavey, Kurzweil. Немецкий Waldorf. В этой «гонке технологий» отметилась даже шведская компания Clavia представившая первый «виртуальный аналоговый» или, проще говоря, цифровой синтезатор Nord Lead.

Однако, ведущими производителями цифровых синтезаторов стали японские фирмы Yamaha и Casio. Особенной популярностью пользовалась модель Yamaha DX7, выпущенная в 1983 году. Только в течение первых трех лет после выпуска было продано 200 000 экземпляров этого легендарного инструмента.

Сначала цифровые синтезаторы были восприняты музыкантами с недоверием, однако очень скоро они начали доминировать на рынке. Эти инструменты не уступали аналоговым синтезаторам в возможностях генерирования различных звуков, а в удобстве управления значительно превосходили их. Кроме того, цифровые синтезаторы были оборудованы банками разнообразных звуков. Звуки можно было сохранять, загружать, переносить с устройства на устройство, пересылать по почте и т.п. Цифровые синтезаторы были меньше по размерам, а со временем стали еще и значительно дешевле аналоговых.

Цифровые синтезаторы, однако, полностью не вытеснили аналоговые и до настоящего времени довольно широко используются обе разновидности этих инструментов. Широко распространены также и возможные комбинации аналоговых и цифровых технологий, в частности ряд цифровых синтезаторов модулируют процессы аналогового синтеза.

Однако и это не было конечной точкой эволюции синтезаторов. В связи с бурным развитием индустрии персональных компьютеров в 2000-х, очень скоро и у цифровых и у аналоговых синтезаторов появился грозный конкурент – виртуальные синтезаторы. То есть компьютерные программы, полностью эмулирующие работу известных моделей синтезаторов. Таких программ уже существует великое множество. Практически любой мало-мальски известный синтезатор имеет своего компьютерного двойника. Все они активно совершенствуются, адаптируются под новые модели компьютеров, покупаются и продаются. В этом сегменте бизнеса крутятся огромные средства.

В данный момент музыканты и аранжировщики разделились на два обширных лагеря. В одном находятся приверженцы hardware – то есть люди, считающие, что несмотря ни на какие достижения технического прогресса, настоящие инструменты все-таки звучат лучше, с их клавишами, кнопочками и рычажками. С другой же стороны баррикад находятся любители software. Эти не менее профессиональные артисты утверждают, что с закрытыми глазами человек уже не может различить разницу в звучании «родного» синтезатора и его программной эмуляции. А в этом случае непонятно зачем захламлять помещение и содержать тонны дорогостоящего оборудования, если можно обойтись одним мощным компьютером и качественными мониторами?

Кто из них прав – не нам судить. Мы придерживаемся того мнения, что человек сам должен сделать свой выбор. Если вам удобно работать за реальной клавиатурой реального прибора, у которого каждый параметр можно в прямом смысле «пощупать» и имеющего к тому же крайне эстетичный внешний вид и волнующую историю – пожалуйста, приобретайте hardware-синтезатор. Если вам нравится компьютер, удобство и универсальность всех действий – ваши друзья soft-синтезаторы.

Главное, чтобы музыка в результате получалась красивая!

Виды синтезаторов и их различия

Еще в середине двадцатого столетия появился первый электронный синтезатор – музыкальный инструмент, способный создавать звук при помощи различных способов синтеза. На сегодняшний день существует несколько технологий производства этого инструмента, в зависимости от которых определяется тип музыкального синтезатора. Всего насчитывается четыре типа синтезатора: аналоговый, цифровой, цифровой с аналоговым синтезом и цифровой с виртуально-аналоговым синтезом.

Основным отличием аналогового синтезатора является, конечно же, метод синтеза звука: при нем не используются цифровые технологии, а работа ведется с аналоговыми сигналами. Кроме того, очевидна и разница в звучании аналогового и цифрового синтезатора. Звук, производимый при помощи аналоговых технологий, воспринимается как более теплый и живой. Звучание цифрового синтезатора, напротив, отличается холодностью.

пример аналогового синтезатора Korg

 

Принцип работы цифрового синтезатора совершенно другой: чтобы получить нужное звучание, необходимо настроить определенные параметры цифрового блока.

пример цифрового синтезатора Casio

 

При использовании цифрового синтезатора с аналоговым синтезом используется изменение электронного сигнала при помощи цифровых технологий. Основным отличием от аналоговой технологии является управление генератором базовых колебаний дискретными значениями, а не напряжением.

Моделирование звука при помощи цифрового синтезатора с виртуально-аналоговым синтезом отличается тем, что для него необходимо специальное программное обеспечение. Именно при помощи программного обеспечения и процессора происходит обработка цифровых сигналов.

 

пример цифрового синтезатора с виртуально-аналоговым синтезом Roland

 

Следует отметить, что синтезаторы могут иметь не только различные методы синтеза звука, но и разные клавиатуры. Так, клавиатура, подобная фортепьянной, называется клавишной и чаще всего используется в электронных пианино. Кнопочная клавиатура используется в электронном баяне, а пленочная (или гибкая) клавиатура наиболее распространена в детских синтезаторах.

 

Также в отдельный тип выделяют синтезаторы, не имеющие клавиатуры (так называемые звуковые модули). Устройства такого типа, представляют собой блоки и управляются при помощи MIDI-устройства (клавиатуры или гитары).

А одним из самых новых типов стали виртуальные программы для компьютера, которые, кстати, являются достаточно популярными синтезаторами благодаря своей доступности.

Выбирайте синтезатор на любой вкус и бюджет из ассортимента интернет- магазина “Ученик”

Вступайте в наш музыкальный клуб:
Клуб интернет магазина “Ученик”
это скидки на ВЕСЬ товар магазина от 7 до 20%.
Просто зарегистрируйте

Чем отличается синтезатор от цифрового пианино

В настоящее время по-прежнему сохраняется интерес к традиционным клавишным инструментам. Многие дети и взрослые специально записываются в музыкальные школы на это направление, что объясняется великолепным звучанием при игре на пианино и рояле. Но музыкальная индустрия продолжает развиваться и сейчас приходят новые электронные инструменты, звучание которых также способно волновать внутреннее естество человека.

Такими инструментами являются цифровое пианино и синтезатор, которые визуальны очень похожи, но имеют существенные различия, которые очевидны для человека, профессионально занимающегося музыкой. Но для новичков здесь не все так очевидно, поэтому необходимо знать, чем отличается синтезатор от цифрового пианино.

 

Что они из себя представляют?

Синтезатор создан для того, чтобы синтезировать различные звуки для создания музыкальных композиций. Чем шире функционал этого инструмента, тем большее количество звуков он может синтезировать. Более дорогие модели могут заменить целый оркестр, ведь они могут имитировать звуки различных музыкальных инструментов, записывать и редактировать музыку.

Цифровое пианино – это электронный музыкальный инструмент, который воспроизводит звучание акустического фортепиано, обладая при этом большинством достоинств синтезатора.

У обоих этих электронных музыкальных инструментов есть схожие черты:

  • Внешне похожая клавиатура.
  • Возможность соединения с колонками, наушниками и т.д.
  • Наличие различных курсов в интернете, которые позволяют обучаться игре дома.

Пожалуй, это единственные схожие черты этих музыкальных инструментов, поэтому нужно рассмотреть их различия, чтобы было понятнее, какой из них выбрать.

 

Чем они отличаются?

Основной момент, чем синтезатор отличается от цифрового пианино – это клавиатура. У первого инструмента более легкие, мягкие и невесомые клавиши. Производители же цифровых пианино делают все возможное, чтобы клавиши этого инструмента максимально напоминали ощущение от игры на акустическом фортепиано. Клавиши у них тяжелые, с разным весом. Объясняется это тем, что в электропианино установлены почти такие же молоточки, как и в акустическом, только они бьют по сенсорам, а не по струнам.

Именно возможность ощущать тяжесть клавиш крайне важна для пианистов. Это позволяет им использовать динамику в игре, оживляя исполняемое произведение. Спектр силы нажатия на клавиши очень сильно влияет на извлекаемый звук. Экспрессия и специфика исполнения разных музыкантов заметна именно на пианино. С синтезатором добиться этого не получится.

Есть и другие отличия электронного пианино от синтезатора:

  • Синтезаторы чаще всего имеют меньшее количество октав и, соответственно, меньшее количество клавиш. Как правило, в синтезаторе 61 клавиша, тогда как в классическом фортепиано и рояле их 88.
  • Более широкий функционал синтезатора. С его помощью можно воспроизводить звучание гитары, скрипки, барабанов и других инструментов.
  • При игре на синтезаторе работают только кисти, а при игре на пианино задействованы плечи, локти и весь корпус.
  • Практически все модели электропианино уже имеют в комплектации педали (для синтезатора их придется покупать отдельно).

 

Фортепиано и пианино – есть ли отличия?

Можно сделать небольшое отступление по поводу одного вопроса, которым задаются многие новички – в чем разница между фортепиано и пианино? Вопрос не совсем верен, потому что отличаются они друг от друга точно так же, как школа и общеобразовательное учреждение. Фортепиано – это класс схожих по конструкции и принципам звучания клавишных инструментов. Здесь логичнее спрашивать про разницу между пианино и роялем.

Пианино – это небольшой по размеру инструмент, благодаря вертикальной конструкции деки. Высота изделия – до 1,4 метра.

У рояля горизонтальное расположение деки, поэтому звучит он насыщеннее. Другое отличие – это количество педалей (у рояля их 3), а также определенные конструктивные особенности.

 

Цифровое пианино или синтезатор – что лучше?

Электропианино специально сделано похожим на классические клавишные, при этом с каждой новой выпущенной моделью, разница между ними постепенно стирается. Они сделаны так, чтобы музыкант, который пересаживается с электронного инструмента на акустическое фортепиано, не почувствовал особой разницы. Они имеют превосходное звучание, которое воссоздает вибрации струн, резонанса и механики классических клавишных.

Электропианино больше подходят для домашнего обучения, чтобы в дальнейшем можно было научиться игре на «живых» клавишных. Синтезатор, в данном случае, не может восприниматься как полноценное средство обучения, несмотря на весь его функционал. Все же он воспроизводит немного искусственную по звучанию мелодию.

В принципе, сама постановка вопроса, что лучше – синтезатор или электронное пианино, не совсем верна. Это принципиально разные инструменты, поэтому если Вы хотите обучиться игре на классических клавишных, для занятий дома лучше выбирать цифровое пианино. Если же Вы собираетесь просто играть в свое удовольствие, воспроизводя различные мелодии, то Ваш выбор – это синтезатор.

Как выбрать синтезатор: советы

Музыка — это искусство, которое понятно всем. Многие родители мечтают сделать из своего ребенка пианиста, очаровывающего своей игрой окружающих.

Хорошему музыканту требуется хороший инструмент, выбор обычно падает на акустическое пианино. С одной стороны, это помогает начинающему пианисту освоиться с управлением чувствительным инструментом, найти с ним общий язык и свободно чувствовать себя на сцене. С другой стороны, это просто дань прошлому, не более.

Акустическое пианино требует бережного отношения, регулярной дорогостоящей настройки, занимает неприлично много места, весит как мамонт и является настоящей пыткой для соседей, когда вы или ваши дети учатся играть.

Современные электронные инструменты во многом превосходят акустические, поэтому покупка цифрового фортепиано, синтезатора или midi-клавиатуры может стать отличным решением ряда проблем. В этой статье мы поможем вам определиться с выбором и объясним новичкам все непонятные термины.


Классификация электронных пианино

К выбору инструмента следует подходить исходя из требований и финансовых возможностей.

Электронные пианино можно разделить на:

Цифровые фортепиано. Одно из самых простых устройств в плане встроенной электроники и режимов. Обычно в систему запрограммировано несколько простых тембров, вроде концертного рояля, фортепиано, а также клавесин и другие разновидности клавишных. Добавьте к этому пару-тройку эффектов звучания, которые имитируют окружающую обстановку, вроде концертного зала. Главная задача — создавать ощущение игры на настоящем акустическом пианино или рояле, поэтому цифровое фортепиано имеет полновесную 7-октавную клавиатуру с 88 клавишами, которые полностью имитируют работу ударного молоточкового механизма.

Такие инструменты имеют либо встроенные, либо подключаемые педали для имитации работы демпферов и изменения звучания электронных «струн». Цифровое фортепиано часто идет в комплекте с солидным корпусом, который надежно стоит на полу и держит всю конструкцию, но занимает гораздо меньше места, нежели самая небольшая акустика. В корпусе часто имеется пюпитр для нот.

Именно цифровые фортепиано лучше всего подходят для тех, кто учится в музыкальной школе и занимается классической музыкой всерьез. После игры на таком инструменте ваш маленький Шуберт запросто сядет за концертный рояль и исполнит свою партию с такой же легкостью.

Синтезаторы. Эти электронные устройства обладают значительным функционалом, но при этом не всегда стремятся имитировать акустический инструмент. Их задача — создание уникальных композиций с помощью множества «вшитых» тембров, имитирующих звуки разных инструментов (от аккордеона до гитары и ударных инструментов).

Синтезаторы используются для записи музыки в студиях и для игры на концертах рок- и поп-музыкантами. Могут иметь от 32 до 88 клавиш, но чаще всего встречаются модели с 61 клавишей. По электронной начинке и качеству звучания разброс устройств в этой категории столь велик, что определиться с их выбором непросто.

Дешевые модели в народе называются «самоиграйками» и звезд с неба не хватают. Инструменты в них звучат весьма посредственно из-за низкого числа голосов полифонии, выжать из такого синтезатора приличный сочный звук акустического пианино или гитары вряд ли получится, но для любителя это и не требуется. С такой «машиной» вы запросто сыграете что-нибудь из репертуара Юры Шатунова или что-то посложнее.

Дорогие синтезаторы имеют огромное количество тембров и различных настроек звука, а также могут имитировать настоящую клавиатуру акустического пианино (со всеми особенностями, вроде жесткости клавиш, эффекта послекасания и многого другого). Такими устройствами пользуются профессиональные музыканты.

Фактически, синтезатор — это умная машина, которая готова сыграть все за вас. Многие модели имеют обучающие режимы, благодаря встроенному дисплею они помогают начинающим нажимать правильные клавиши в композициях.

Синтезаторы с имитацией механики могут стать альтернативой цифровым пианино, вот только решите для себя сразу, будете ли вы пользоваться их функционалом и стоит ли за него переплачивать.

Рабочие станции. Считаются самым «мощным» видом синтезаторов, ими пользуются композиторы и профессиональные аранжировщики. Не пытаются копировать акустику с точки зрения механики и имеют обычные клавиши без дополнительных механизмов, компенсируя это огромным набором функций, встроенных инструментов, качественной полифонией и др. Качество звучания можно без зазрения совести назвать студийным. На подобных инструментах пишут свою музыку Йеспер Кюд и Ханс Циммер.

Рабочие станции предназначены не для исполнения музыки, а для ее создания. Имеют дополнительные входы для подключения периферийных устройств, вроде микрофона, а также позволяют работать с дорожками с «живыми» инструментами.

В этой категории отдавать предпочтение дешевым устройствам стоит лишь в том случае, если вы начинающий ди-джей или чувствуете в себе талант писать музыку для небольшой аудитории в виде семьи, друзей и домашних питомцев. В остальных случаях качественная рабочая станция стоит очень дорого, но она способна обеспечить профессионала всем необходимым набором инструментов и функций.

Особенности клавиш в устройствах и типы касания

Как мы уже говорили, количество клавиш в синтезаторах может быть разным. Для исполнения большинства композиций не обязательно покупать инструмент с полным набором из 88 клавиш. Например, в качестве вспомогательного инструмента для записи музыки в студии может хватить и 32 клавиш, на которых можно «настучать» себе необходимый аккомпанемент ударными инструментами и после наложить на эту дорожку гитарное соло. Некоторые умельцы вообще обходятся в таких случаях обычной компьютерной клавиатурой.

Для полноценного музицирования потребуется хотя бы 5-октавная клавиатура на 61 клавишу, а для исполнения классических композиций лучше обзавестись 88. Но на этом выбор синтезатора только начинается.

Размер клавиш

Клавиши в синтезаторах могут отличаться по размеру в зависимости от модели, и это напрямую сказывается на цене устройства и его назначении.

Клавиатуры бывают:
  • полноразмерными
  • малоразмерными.

Малоразмерные клавиши по ширине и длине отличаются от тех, что установлены на полноценных акустических фортепиано и роялях. Они уже и короче, что уменьшает размер устройства в целом. Используются в детских синтезаторах, а также в инструментах для любителей. Для игры на таком устройстве вам не потребуется профессиональная растяжка рук и охват по октавам станет значительно шире, но это не является положительным фактором для тех, кто играет на фортепиано всерьез.

Если ваш ребенок учится в музыкальной школе, то ему так или иначе придется работать над растяжкой пальцев. Переход с малоразмерной клавиатуры на полноценную акустическую будет даваться непросто. Зато для развлечений такие синтезаторы подойдут лучше всего.

Полноразмерные клавиши полностью имитируют клавиши на оригинальном акустическом рояле и схожих инструментах. Иногда могут отличаться по длине (как короче, так и длиннее фортепианных), но т. к. ширина более критична, именно ей уделяется особое внимание. Это относится только к синтезаторам, в цифровых пианино размеры клавиш идентичны с акустикой.

Полноразмерные клавиши обязательны для серьезных занятий музыкой. А еще устройства с 88 полноразмерными клавишами стильно выглядят в интерьере.

Жесткость клавиш

Всем, кто играл на настоящем акустическом пианино, хорошо известно, какой упругий ход у клавиш, если инструмент в хорошем состоянии. Это помогает не только избежать нажатия лишних клавиш в сложных партиях, но и извлекать из пианино необходимые звуки, а также банально натренировать пальцы и кисти рук. По жесткости нажатия клавиатуры можно разделить на:

  • Невзвешенные — клавиши представляют собой некое подобие кнопок. Нажимаются очень легко и предназначены, в основном, для извлечения простых или электронных звуков из синтезатора. Используется в недорогих устройствах, созданных для того, чтобы «побренчать» на досуге, а также применяется и в дорогих синтезаторах, от которых не требуется реалистичных звуков рояля. Для профессиональной игры в стиле Grand Piano точно не подойдут.
  • Взвешенные — это имитация настоящих клавиш. Разработчики стараются максимально приблизить ощущения от нажатия на клавишу цифрового пианино к аналогичному действую на акустическом инструменте. Клавиши поддаются с трудом, имеют приятный ход и жесткость. На них можно играть плавным и мелодичным легато и другими техниками, с которыми обычные синтезаторы с невзвешенными клавишами справятся с трудом.

Для профессиональных занятий фортепианной музыкой клавиатура должна быть взвешенной.

Чувствительность к касанию и послекасанию

Поскольку в акустических пианино для извлечения звуков используются натянутые струны, очевидно, что чем сильнее ударить по ним, тем громче будет звук. Этот принцип реализован и во многих цифровых пианино.

Дешевые модели синтезаторов имеют пассивную чувствительность к касанию, что резко ограничивает функционал инструмента. С какой бы силой и скоростью вы не жали на такую клавишу, громкость звука всегда будет одинаковой и ровной. На клавиатурах такого типа лучше всего играть что-то из современной поп-музыки или писать электронные композиции.

В дорогих синтезаторах и пианино чувствительность активная — чем сильнее и быстрее нажатие, тем громче звук, при этом клавиши имеют несколько уровней чувствительности, что и помогает работать с теми самыми forte и piano.

Для полноценной игры лучше останавливаться именно на активной клавиатуре, тем более, в большинстве таких инструментов клавиши можно в любой момент перевести в пассивный режим.

Послекасание — опция, характерная для профессиональных клавиатур. Она отвечает за эффект, создаваемый уже после нажатия на клавишу. Если вы нажали на клавишу с одной силой, а после этого решили ее добавить, приложив еще чуть усилия, то звук изменится — этим пользуются профессиональные пианисты, играющие на акустических инструментах. Настоящий «мастхэв» для профессионального занятия музыкой.

Механика клавиш

По своей конструкции клавиши в синтезаторах делятся на два типа.

Синтезаторная (пружинная) механика возвращается в исходное положение с помощью настроенных под клавишами пружин. Очень часто встречается в синтезаторах всех ценовых категорий. Такой механизм не позволит полноценно использовать инструмент в качестве пианино. Клавиши нажимаются очень легко и играть на них лучше электронную музыку, либо не придираться к качеству звучания эффекта Grand Piano.

Молоточковая механика — имитация акустической клавиатуры. В исходное положение клавиши возвращаются за счет противовесов, как и в оригинальных инструментах. Каждая клавиша имеет индивидуальный вес, что позволяет с легкостью играть тремоло в верхних регистрах и давать четкий гулкий бас в нижнем регистре. Чаще всего используется в цифровых пианино с полноразмерными клавишами. Такие инструменты обычно собираются вручную, поэтому стоят в разы дороже. Стоит ли говорить, что только такую механику клавиш необходимо выбирать для учащихся музыкальных школ?

Основные критерии звучания инструмента

За функциональность синтезатора или цифрового пианино, а также за качество его звучания отвечают несколько характеристик, напрямую влияющие на перфоманс исполнителя. Первое, на что стоит обращать внимание — полифония синтезатора.

Полифония

Полифония — это количество голосов (тонов) в звуке, которые может одновременно воспроизвести процессор устройства. Представьте, что каждый отдельный звук от нажатия клавиши состоит из нескольких слоев, которые соединяются и дают полноценное сочное звучание. Чем меньше таких тонов, тем тусклее и ненатуральнее звук. Вспомните сигнал, которым знатокам из «Что? Где? Когда?» отсчитывают минуты.

В акустических роялях на одну ноту используется по три струны, сюда же добавьте работу педалей и пальцев, которыми можно зажать до 10 клавиш одновременно. Получается внушительная композиция из разных звуков и тонов, которые звучат вместе.

Дешевые синтезаторы могут воспроизводить по 32 звука одновременно. Меньше брать не стоит, если это не инструмент для совсем маленьких детей, приобретаемый исключительно в качестве развлечения.
Если вы планируете всерьез заняться музыкой, то лучше выбирать модели с полифонией из 64 голосов, а для цифровых пианино — от 128 голосов. Чем больше голосов, тем реалистичнее звучание инструмента и тем он функциональнее. Начиная со 192 отличия по звучанию перестают быть такими заметными, и если вы не профессиональный композитор, то переплачивать за лишние голоса полифонии не стоит.

Тембры

При выборе инструмента обратите внимание на количество встроенных тембров. Тембры в синтезаторе — это имитация различных музыкальных инструментов. Ваше устройство может запеть как флейта, гитара, орган и т. д. В дешевых синтезаторах имитация инструментов весьма посредственна и сойдет только для домашнего уровня, зато дорогие синтезаторы и рабочие станции, вроде Yamaha серии Tyros, могут имитировать даже человеческие голоса, что позволит вам создать свой собственный хор и написать для него же музыку, этот монстр разве что в космос не летает. В зависимости от модели количество тембров в синтезаторе может колебаться от сотни до полутора тысяч.

Тембры в цифровом пианино не так важны, как в синтезаторе, ведь его главная задача — выступать в роли альтернативы акустическому инструменту. Хотя минимальный набор звуков в таких устройствах все же есть, поэтому обделенными вы не останетесь.

Акустические эффекты

Этот пункт мы вынесли отдельно, поскольку эффекты напрямую не влияют на качество звучания инструмента, но делают его заметно функциональнее. Для создания более атмосферной музыки и для имитации различных условий исполнения композиции, разработчики добавляют в синтезаторы и цифровые пианино различные эффекты. Эффекты реверберации, хоруса, резонанса, флэнжера и режим концертного зала с характерным эхом значительно расширят ваши возможности. Встроенный эквалайзер тоже будет плюсом при создании электронной музыки.

Педали

К подавляющему большинству синтезаторов можно подключить педали. С их помощью можно не только влиять на стиль звучания пианино, но и переключать эффекты, регулировать громкость и многое другое.

Что касается цифровых пианино, то для профессиональных занятий музыкой педали в них должны быть встроены прямо в корпус, чтобы полностью имитировать акустический инструмент.

Обучающие синтезаторы

Если вам очень захотелось играть, но идти в музыкальную школу или на курсы вы не хотите, тогда обратите внимание на модели с обучающими режимами. Их можно использовать как для подготовки ребенка к музыкальной школе, так и во время обучения.

В современных синтезаторах сочетаются различные функции обучения. Например, на электронном дисплее вам могут показывать, какие клавиши нужно нажимать, от вас требуется только повторять за картинкой. Обычно в такие устройства уже вшито несколько десятков мелодий, с помощью которых можно развить моторику рук и научиться с нуля играть простые композиции.

В некоторых моделях возможна подсветка клавиш, которые нужно нажимать. Умный синтезатор сначала покажет какие ноты необходимо будет нажать, после чего вам необходимо их повторить. В конце обучения некоторые инструменты могут даже выставлять оценку исходя из качества исполнения, а также показывать сложные моменты, которым нужно уделить особое внимание при тренировках.

Дополнительные возможности

У синтезаторов есть и некоторые дополнительные функции:

Автоаккомпанемент. Для профессиональной игры фортепианной музыки практически не используется, зато сыграть что-нибудь современное с его помощью вполне реально. Можно заранее настроить инструмент так, чтобы при нажатии, например, басовых клавиш, одновременно с ними играли ударные инструменты, а также духовой оркестр, который будет аккомпанировать вашей правой руке.

Арпеджиатор. Позволяет создавать из отдельных аккордов, которые вы выберете заранее, классические арпеджио (способ проигрывания аккордов, когда звуки играются не одновременно, а один за другим). Пригодится для записи треков, а также для создания интересных эффектов при игре на инструменте. Позволяет играть с одной клавиатуры разными тембрами. Например, правой рукой вы можете играть гитарную партию, а левой аккомпанировать звуком контрабаса.

Два фортепиано в одном. Поможет обучать новичков игре на инструменте. Делит клавиатуру на две равных части с одинаковыми тембрами и высотой звучания. Ученик может играть на правой части пианино одновременно с учителем, играющим на левой.

Транспонирование. Эта функция полезна для синтезаторов с неполным набором клавиш, чтобы извлекать необходимые звуки в процессе игры. Если клавиатуры на 7 октав позволяют охватить весь спектр звуков, то в синтезаторах на 5 октав транспонирование позволяет сдвинуть звук на октаву вверх или вниз.

Сэмплирование. Позволяет записывать собственные сэмплы в память устройства, чтобы использовать их в последующей игре на инструменте.

Метроном поможет начинающим музыкантам не сбиваться с ритма.

Секвенсор — для редактирования записанные midi-композиции уже после их создания. Например, для замены одного инструмента на другой прямо в процессе прослушивания.

У хорошего синтезатора должен быть USB-вход для подключения к другим устройствам. Также убедитесь, что есть разъем mini-jack для наушников, чтобы не терзать домочадцев и соседей. По желанию выберите модель с микрофонным входом, если собираетесь организовать собственное караоке.

Если в цифровых фортепиано чаще всего в комплекте массивный деревянный корпус или пластиковый (с имитацией дерева), то для синтезаторов иногда приходится докупать стойку отдельно.

На чем остановить свой выбор?

Выбор идеального синтезатора довольно прост и упирается лишь в ваш бюджет:
  • Для домашней непрофессиональной игры простых композиций и для развлечения достаточно недорогого синтезатора с полифонией от 32 голосов, 61 клавиши, минимальным набором тембров на ваше усмотрение. Решайте сами, нужна ли вам имитация нажатия на настоящие клавиши акустического пианино, или достаточно обычных подпружиненных.
    Если в доме есть маленькие дети, но вы не собираетесь отдавать их в музыкальную школу, то синтезаторы с режимами обучения помогут вашему ребенку хотя бы минимально освоить инструмент.
    Для записи электронной музыки и ди-джейских экспериментов можно выбрать синтезатор подороже с большим количеством тембров.
  • Для тех, кто учится в музыкальной школе и играет там на классических акустических фортепиано, однозначно необходимо выбирать цифровое фортепиано с полноразмерной взвешенной клавиатурой на 88 клавиш с молоточковой механикой. Наличие эффектов касания и послекасания обязательны. Лучше отдавать предпочтение инструментам с полифонией от 128 голосов и выше. Педали должны быть встроенными, а не подключаемыми.
  • Композиторам и аранжировщикам подойдут дорогие рабочие станции и midi-клавиатуры, которые позволят записывать полноценные треки и представляют собой переносные студии. Впрочем, если вы профессионал, то уже и так прекрасно представляете себе то, каким должен быть ваш новый инструмент.

Мы надеемся, что эта статья поможет вам выбрать музыкальный инструмент, на котором вы будете играть много и с удовольствием.



Выбрать синтезатор или цифровое пианино
Смотрите также:
Как выбрать портативную колонку
Как выбрать электрогитару
Как выбрать наушники

Рейтинг статьи:

 рейтинг: 4  голосов: 11 

устройство инструмента, история, разновидности, как выбрать

Содержание статьи

Синтезатор — электронный музыкальный инструмент. Относится к типу клавишных, но существуют версии с альтернативными способами ввода.

Устройство

Классический клавишный синтезатор представляет собой корпус с электроникой внутри и клавиатурой снаружи. Материал корпуса — пластмасса, металл. Изредка используется дерево. Размер инструмента зависит от количества клавиш и электронных элементов.

Обычно синтезаторы управляются с помощью клавиатуры. Она может быть встроенной и подключаемой, например через midi. Клавиши чувствительны к силе и скорости нажатия. Клавиша может иметь активный молоточковый механизм.

Также инструмент может быть оборудован сенсорными панелями, реагирующими на касания и скольжение пальцев. Духовые контроллеры позволяют извлекать звук из синтезатора подобно флейте.

Верхняя часть содержит кнопки, дисплеи, регуляторы, переключатели. Они модифицируют звучание. Дисплеи бывают аналоговые и жидкокристаллические.

Сбоку или сверху корпуса находится интерфейс для подключения внешних устройств. В зависимости от модели синтезатора, через интерфейс можно подключать наушники, микрофон, педали звукового эффекта, карту памяти, usb носитель, компьютер.

История

История синтезатора началась в начале XX века с массовым распространением электричества. Одним из первых электронных музыкальных инструментов стал терменвокс. Инструмент представлял собой конструкцию с чувствительными антеннами. Производя движение руками над антенной, музыкант извлекал звук. Устройство оказалось популярным, но сложным в эксплуатации, поэтому эксперименты с созданием нового электронного инструмента продолжились.

В 1935 году был выпущен орган Хаммонда, внешне похожий на рояль. Инструмент представлял собой электронную вариацию органа. В 1948 канадский изобретатель Хью Ле Кейн создал электрическую свирель с высокочувствительной клавиатурой и возможностью применять вибрато и глиссандо. Звукоизвлечением руководил генератор управляемый напряжением. Позже такие генераторы будут использовать в синтах.

Первый полноценный электрический синтезатор был разработан в США в 1957 году. Название — «RCA Mark II Sound Synthesizer». Инструмент считывал перфоленту с параметрами нужного звучания. За функцию звукоизвлечения отвечал аналоговый синт содержащий 750 вакуумных трубок.

В середине 60-х годов появился модульный синтезатор разработанный Робертом Мугом. Устройство состояло из нескольких модулей, создающих и изменяющий звук. Модули соединялись коммутационным штуром.

Муг разработал средство управления высотой звука через напряжение электричества, называемое осциллятором. Также он первым использовал генераторы шума, фильтры и секвенсоры. Изобретения Муга стали неотъемлемой частью всех будущих синтезаторов.

В 70-х американский инженер Дон Бухла создал Модулярную Электрическую Музыкальную Систему. Вместо стандартной клавиатуры, Бухла использовал чувствительные к касанию панели. Характеристика звука изменялась от силы нажатия и позиции пальцев.

В 1970 году Муг запустил серийное производство маленькой модели, которая стала называться «Minimoog». Это был первый профессиональный синт, продававшийся в обычных музыкальных магазинах, и предназначался для живых выступлений. Минимуг стандартизировал идею самодостаточного инструмента со встроенной клавиатурой.

В Великобритании производством полноразмерного синта занималась компания Electronic Music Studios. Продукция EMS стала отличаться низкой ценой, из-за чего обрела популярность среди клавишников прогрессивного рока и в оркестре. Pink Floyd стали одной из первых рок-групп использовавших инструменты от EMS.

Ранние синтезаторы были монофоническим. Первая полифоническая модель вышла в 1978 году под названием «OB-X». В этом же году вышел «Prophet-5» – первый полностью программируемый синтезатор. Prophet использовал микропроцессоры для извлечения звука.

В 1982 году появился стандарт MIDI и полноценные сэмплерные синты. Их главная особенность — модификация заранее записанных звуков. Первый цифровой синтезатор «Yamaha DX7» вышел в 1983.

В 1990-х появились программные синтезаторы. Они умеют извлекать звук в реальном времени и работают как обычные программы запущенные на компьютере.

Виды

Различие видов синтезаторов заключается в способе синтеза звука. Существует 3 основных вида:

  1. Аналоговый. Звук синтезируется аддитивным и субтрактивным методом. Достоинство — плавная смена амплитуды звучания. Недостаток — высокая громкость сторонних шумов.
  2. Виртуально-аналоговый. Большинство элементов схожи с аналоговым. Отличие — звук генерируется цифровыми сигнальными процессорами.
  3. Цифровой. Звук обрабатывается процессором по логическим схемам. Достоинство — чистота звучания и большие возможности для его обработки. Могут быть как физическими автономными, так и полностью программными инструментами.

Как выбрать синтезатор

Выбор синтезатора нужно начать с определения цели использования. Если не стоит цель извлечения необычных звуков, то можно подобрать пианино или фортепиано. Разница между синтом и пианино в типе звукоизвлечения: цифровой и механический.

Для обучения не рекомендуется брать слишком дорогую модель, но слишком экономить также не стоит.

Модели отличаются количеством клавиш. Чем больше клавиш, тем шире охватываемый диапазон звучания. Распространенное количество клавиш: 25, 29, 37, 44, 49, 61, 66, 76, 80, 88. Достоинство малого количества — портативность. Недостаток — ручное переключение и подбор диапазона. Выбрать следует самый комфортный вариант.

Сделать взвешенный выбор и провести наглядное сравнение лучше всего может помочь консультант в музыкальном магазине.

14 самых важных синтезаторов в истории электронной музыки – и музыканты, которые их используют

Как синтезатор стал такой важной частью современной музыки? Джон Твеллс описывает эволюцию инструмента, лежащего в основе написания песен 21-го века, исследуя знаменитые и удивительные песни, в которых он используется.

Синтезатор так же важен и вездесущ в современной музыке, как и человеческий голос. Концепция достаточно проста — базовая схема генерирует тон, и затем тон может управляться каким-либо входом, человеком или кем-то еще.Эта концепция легла в основу бесчисленного множества инструментов за последние 100 с лишним лет и, нравится вам это или нет, повлияла на направление современной музыки как в мейнстриме, так и в андерграунде.

В наши дни достаточно просто загрузить взломанную копию Ableton Live или Logic и открыть любое количество синтезаторов VST, что дает вам доступ к десятилетиям технологических инноваций. Однако важно знать, как эти звуки закрепились в первую очередь и почему они были такими успешными.Иногда дело было просто в отсутствии конкурентов (Minimoog), а иногда успех зависел просто от цены и доступности (MS-20).

Следующий список содержит несколько ключевых инструментов, которые помогли сформировать электронную музыку, от очевидных (безошибочно узнаваемый Roland TB-303) до малоизвестных (скромный Alpha Juno 2). Вы можете быть удивлены, узнав, сколько из них лежат в центре ваших любимых треков.


EMS VCS3
Год выпуска: 1969
Первоначальная цена: 330 фунтов стерлингов + 150 фунтов стерлингов за клавиатуру

Он был разработан, чтобы быть дешевым, портативным и простым в программировании (или «подстройке»), а Studio No.3 от британской компании EMS мог бы стать отраслевым стандартом, если бы не более опрятный преемник Боба Муга. Получив прозвище «Путни» в честь лондонского офиса EMS, VCS3 был в основном модульным синтезатором, но вместо коммутационных кабелей EMS придумала небольшую (и печально известную громоздкость) матрицу 16×16, которая использовалась для управления внутренней маршрутизацией синтезатора. Это было очень удобно для портативности, но делало синтезатор невероятно непредсказуемым, так как импеданс разных выводов менялся ровно настолько, чтобы патч почти никогда не звучал одинаково дважды.

Благодаря своей уникальности в то время (это был первый синтезатор, действительно доступный для широкой публики) и очень скромной цене, VCS3 имел огромный успех, предоставив EMS долю рынка, которая должна была конкурировать с Moog и Moog. АРП. К сожалению, после ряда неудачных запусков и переезда из Лондона в Оксфордшир в конце 1970-х EMS пришла в необратимый упадок, и обанкротившаяся компания была продана. Однако в 1995 году права на EMS были приобретены Робином Вудом, который снова начал создавать и продавать VCS3, доказывая, что рынок жутких научно-фантастических звуков синтезаторов далек от иссякания.

Как это звучало?

VCS3 был странным, и само собой разумеется, что он стал стандартом научной фантастики. Это было настолько причудливо, что большинство музыкантов даже не могли понять, как выманить из него настоящие мелодии, что побудило некоторых назвать его громоздким и дорогим блоком эффектов. Те, кто проявил упорство, были вознаграждены, а синтезатор с причудливым звучанием стал бездонной сокровищницей своеобразных хлопков, лязгов и визгов. Тот факт, что на ней можно было играть с помощью джойстика, а-ля Led Zeppelin’s John Paul Jones (клавиатура продавалась отдельно), только добавлял ей шарма.

Кто пользовался?

Хотя на самом деле она не любила синтезаторы так сильно, как люди думают (предпочитая технику «конкретной музыки»), Делия Дербишир была одной из первых приверженцев EMS VCS3, широко использовав ее в своем альбоме White Noise . Electric Storm и даже убедил BBC купить несколько устройств для Radiophonic Workshop. Это неудивительно, поскольку она была близким другом основателя EMS Петра Зиновьева (они оба были членами-основателями Unit Delta Plus, организации, занимающейся продвижением электронной музыки), а машина была разработана случайным композитором Doctor Who . (и соучредитель EMS) Тристрам Кэри.

VCS3 даже добрался до рок-студий, когда такие группы, как Hawkwind, Led Zeppelin и Pink Floyd, начали экспериментировать с электронными звуками и интегрировать их в свои собственные звуки. Hawkwind настолько полюбил блестящую коробку, что они назвали Space Ritual выдающейся «Серебряной машиной» в ее честь.

Получено:

White Noise «Love Without Sound» (1969)
Hawkwind «Silver Machine» (1972)
Roxy Music «Ladytron» (1972)
Edgar Froese «Upland» (1974)
Portishead «We Carry On» (2008)


Moog Minimoog
Год выпуска: 1969 (прототип), 1971 (серийный)
Первоначальная цена: $1495

Знаменитый Minimoog Боба Муга был первым полностью интегрированным синтезатором и, таким образом, стал одним из самых важных достижений в электронной музыке.Раньше Moog были угнетающе громоздкими, и их почти невозможно было взять с собой в тур, поскольку они состояли из модулей, которые могли заполнить небольшую комнату. Они были изготовлены на заказ и продавались как «профессиональное звуковое оборудование», а не как инструменты, и поэтому считались недоступными для большинства музыкантов и студий. В отличие от этого, Minimoog был создан для портативности и был сравнительно прост в использовании, с набором удобных ручек и переключателей, заменяющих неуклюжие соединительные кабели его предшественника.

Первоначально внешний вид Minimoog и список терминов («Фильтр», «Генератор» и т. д.) сбивали с толку музыкальные магазины, которые не были уверены, смогут ли музыканты разобраться в этом новом инструменте, но тот факт, что Minimoog все еще в производстве более четырех десятилетий спустя должны говорить сами за себя.

Как это звучало?

Будучи монофоническим (что означает, что за раз можно играть только одну ноту), он, возможно, не подходил для воспроизведения аккордов, но универсальность Minimoog заключалась в его щедрых трех осцилляторах и до сих пор легендарном фильтре. Четырехполюсный фильтр нижних частот по-прежнему считается лучшим в своем классе и отвечает за густые басовые пульсации, которые стали характерными для инструмента за последние четыре с половиной десятилетия. Это звук, который большинство продюсеров могут вписать в любой трек, и когда вы думаете о том, как должен звучать аналоговый синтезатор, вы, вероятно, думаете о Minimoog.

Кто пользовался?

Более уместным вопросом может быть «кто не сделал?», поскольку какое-то время Minimoog считался важной (хотя и немного дорогой) частью арсенала любого дальновидного музыканта. Однако именно авангардному джазовому авангарду Сан Ра удалось привлечь своих сверстников к этой должности, поскольку в 1969 году ему дали возможность позаимствовать один из ранних прототипов Боба Муга (Модель B). Он так любил этот инструмент, что больше никогда не возвращался. его и даже купили второй, когда они пошли в производство.Он неоднократно был замечен играющим на них обоих одновременно, без сомнения, в попытке бороться с монофоническими ограничениями синтезатора.

Влиятельная немецкая группа Kraftwerk начала революцию в электронной музыке со своим четвертым (и пока самым коммерческим) альбомом Autobahn , и Minimoog был в центре их сетапа, даже попав на обложку некоторых версий релиза. Не только музыканты-экспериментаторы использовали Moog — басовая партия в всемирно известном треке Майкла Джексона «Thriller» была сделана из двух модифицированных Minimoog, играющих в унисон, Hot Butter использовали Minimoog в своей перезаписи инструментальной электронной классики. Попкорн и Кит Эмерсон сыграли один на знаменитом Tarkus Эмерсона, Лейка и Палмера .

Получено:

Sun Ra «The Wind Speaks» (1970)
Emerson, Lake & Palmer «Aquatarkus» (1971)
Kraftwerk «Autobahn» (1974)
Devo «Mongoloid» (1977)
Parliament «Flashlight» (1977)


ARP Odyssey
Год выпуска: 1972
Первоначальная цена: неизвестна

Компания Moog успешно создала совершенно новый рынок портативных, удобных в использовании синтезаторов, и американский производитель ARP знал, что им необходимо принять участие в этой акции.Их громоздкие модульные блоки 2500 и 2600 были популярны и невероятно широко использовались, но именно меньший конкурент Minimoog, Odyssey, действительно захватил воображение публики. Синтезатор представлял собой урезанную версию 2600 и оказался самым продаваемым синтезатором компании. Многие считали Odyssey уступающим Moog, поскольку он имел только два осциллятора против трех у Minimoog и был оседлан сравнительно ограниченным фильтром, Odyssey был на самом деле первым в мире дуофоническим синтезатором, способным воспроизводить две ноты одновременно.

Как это звучало?

Ранние версии Odyssey с двухполюсным фильтром (позже он был заменен четырехполюсной версией, чтобы соответствовать Minimoog) были общеизвестно жесткими, но придавали Odyssey свой собственный характер. Его часто путают с Moog, так как многие группы (и студии) часто владели обоими синтезаторами, но Odyssey отличался медным соло-звучанием и резонирующими гнусавыми звуками, характерными для электро-поп-звучания.

Кто пользовался?

Этот синтезатор рано подхватила немецкая электронная группа Tangerine Dream, что можно услышать на нескольких их ранних записях 70-х, а также на альбоме Exit 1981 года. ‘ открывается характерным импульсом синтезатора. Мелодия из дерзкого хита ABBA 1979 года «Gimme Gimme Gimme» также играла на Odyssey, и она широко упоминается как любимый синтезатор всех времен человека из Ultravox Джона Фокса — он широко использовал ее на своем классическом Metamatic 1980 года.Благодаря своей популярности синтезатор можно было приобрести довольно недорого, и его купил молодой Ричард Дэвис, который вместе с Хуаном Аткинсом использовал Odyssey на своих ранних записях Cybotron, проложив путь для электро и техно, которые последовали за ними.

Получено:

Херби Хэнкок ‘Хамелеон’ (1973)
Джон Фокс ‘Подземный переход’ (1980)
Питер Хауэлл ‘Тема Доктора Кто’ (1980)
Киботрон ‘Аллеи твоего разума’ (1981)
Nine Inch Nails ‘Рука, которая кормит’ (2005)


Yamaha CS-80
Год выпуска: 1976
Первоначальная цена: $6900

Любимый коллекционерами синтезаторов, и не только из-за его пугающе высокой подержанной цены, Yamaha CS-80 был первым действительно выдающимся вкладом Японии в рынок синтезаторов.Глубокий, пугающе необычный (этот ленточный контроллер?) и битком набитый звуками, которые просто не исходили от других подобных инструментов, CS-80 был восхитительно роскошным инструментом. Тем не менее, высокая цена и подавляющий вес CS-80 (это были непосильные 220 фунтов) затрудняли его продажу, и, как и многие синтезаторы той эпохи, его также было трудно поддерживать в настройке.

Когда в последующие годы CS-80 пришлось столкнуться с конкуренцией со стороны Prophet V от Sequential Circuits и Polymoog от Moog, было трудно убедить студии выложить дополнительные деньги за то, что казалось — по крайней мере, на первый взгляд — низкокачественный инструмент.Бедный CS-80 был обременен всего 26 непрограммируемыми пресетами в то время, когда наличие больших банков звуков и возможность сохранять свои собственные становилось необходимым условием.

Как это звучало?

CS-80 был одним из первых «настоящих» полисинтезаторов, что означало, что игра аккордов не представляла никакой проблемы, а также он мог похвастаться функцией, которая позволяла накладывать патчи друг на друга, фактически предоставляя исполнителю два независимых восьмиголосных выбора для игры. .Кроме того, это был один из первых синтезаторов с чувствительной к силе нажатия клавиатурой, обеспечивающей экспрессию, обычно связанную с «настоящими» инструментами, и введением полифонического послекасания. Но лучше всего то, что на передней панели был большой ленточный контроллер, который позволял беспрепятственно управлять различными ручками CS-80. В отличие от ограниченного управления на других синтезаторах, лента CS-80 допускала длинные, плавные изгибы высоты тона и гигантские развертки фильтра, что придавало ему универсальность, с которой могли конкурировать лишь немногие конкуренты.

Кто пользовался?

Что ж, учитывая цену, у производителей спален не возникло проблем со спиной, когда они тащили свои CS-80 по трехэтажной лестнице, но увесистый зверь все-таки добрался до более крупных студий. Стиви Уандер особенно любил его, очевидно, он использовал его так часто, что ему удалось сломать ленточный контроллер. Вангелис также был большим поклонником, впервые использовав его на альбоме Spiral 1977 года и на большинстве своих последующих альбомов. Во многом это было его секретным оружием — непостижимо влиятельный саундтрек к фильму Ридли Скотта «Бегущий по лезвию » почти полностью состоял из едва отредактированных пресетов CS-80 (серьезно), как и его сокрушительная тема к фильму «Огненные колесницы ».

Радиофонная мастерская BBC некоторое время также имела в своей коллекции CS-80. Техник из мастерской Питер Хауэлл так отчаянно хотел заполучить один из дорогих синтезаторов, что практически умолял BBC выложить за него деньги. К счастью, когда они это сделали, он появился в большом количестве саундтреков «Доктор Кто» 80-х годов и незабываемо использовался для создания звука с кольцевой модуляцией, который открывал музыкальную тему.

Получено:

Брайан Ино «Джули с…» (1977)
Пол Маккартни «Чудесное Рождество» (1979)
Клаус Шульце «Тихий бег» (1981)
Вангелис «Бегущий по лезвию бритвы» (1982)
Тото «Африка» (1982)


Корг МС-20
Год выпуска: 1978
Первоначальная цена: $750

Недалеко от огромного и мощного 2600 от ARP относительно портативный MS-20 от Korg может похвастаться аналогичным сочетанием проводных и подключаемых соединений.Он был частью второго поколения моносинтезаторов компании (наряду со своим младшим братом MS-10), и хотя его доминирующий внешний вид привлекал множество пользователей, многие музыканты были разочарованы, обнаружив, что он абсолютно не похож на Minimoog по звучанию. Вместо этого MS-20 был жестким и трудноуправляемым, и если вы не знали точно, что делаете, вы часто получали непригодный шлам. MS-20 и MS-10 были теми синтезаторами, которые вы могли найти в конце 80-х и начале 90-х годов, собирая пыль в магазинах старьевщика и на распродажах автомобильных багажников.

Вероятно, именно эта доступность вызвала ренессанс синтезатора, и после избытка использования в середине-конце 90-х цена MS-20 совершенно справедливо взлетела. С тех пор он был на высоте, получив переработку программного обеспечения (с полностью функциональным контроллером) и надлежащий аналоговый ремейк.

Как это звучало?

MS-20 был оснащён двумя осцилляторами и двумя фильтрами, которые придавали синтезатору его характерный резонансный визг и хлюпающие низкие частоты.Он также был оседлан довольно уникальным внешним сигнальным процессором, который позволял либо управлять синтезатором от внешнего источника звука, либо манипулировать внешними звуками через трудолюбивые фильтры MS-20. Это дало музыкантам возможности для злоупотреблений, обычно предназначенные для модульных ботаников или студийных сподов, и именно это (и способность синтезатора звучать как икающие роботы или изрыгающий сток) позволило ему завоевать так много последователей за три десятилетия с момента его появления. выпускать.

Кто пользовался?

Не добившись массовой популярности на раннем этапе, MS-20 изначально предназначался для бюджетных электрозаписей или использовался в более шумной части экспериментальной частной прессы. Немецкий фетишист-синтезатор Феликс Кубин получил в подарок MS-20 в 1980 году и с тех пор был одержим им, но это был исключительный случай.

По какой-то причине (вероятно, цена, если честно) использование синтезатора в 1990-х годах, казалось, резко возросло, когда всплеск интереса исходил из Франции.Daft Punk использовали MS-20 для создания своего прорывного гимна «Da Funk», психоделический поп-дуэт Air использовал его для обработки своего вокала в «Sexy Boy», и, что наиболее известно, мистер Ойзо использовал синтезатор для создания басовой партии в песне «Sexy Boy». Саундтрек к рекламе Levi’s «Flat Beat». Элисон Голдфрапп также была замечена за использованием синтезатора (которым она управляла своим вокалом), и он оставался в центре установки Add N to (X) в течение многих лет.

Получено:

OMD ‘Bunker Soldiers’ (1980)
Daft Punk ‘Da Funk’ (1995)
Air ‘La Femme D’Argent’ (1998)
Mr Oizo ‘Flat Beat’ (1999)
Felix Kubin ‘Japan Japan’ (2003) )


Sequential Circuits Prophet-5
Год выпуска: 1978
Первоначальная цена: $4495

Полифонический синтезатор Sequential Circuits Prophet-5, которым было так же легко манипулировать (и носить с собой), как и чрезвычайно популярный Minimoog, быстро стал отраслевым стандартом.Что дало Пророку преимущество, так это то, что он включал в себя память патчей — чего очень не хватало у прямого конкурента Yamaha CS-80 — позволяя пользователям сохранять свои звуки, а не полагаться на предустановленные настройки или записывать положения каждого переключателя и ручки на прилагаемых печатные листы. Он породил старшего брата Prophet-10, но то, что эта машина выиграла в полифонии, потеряла в надежности, и машина была печально известна тем, что перегревалась и глохла посреди сеанса. Гораздо более популярным был младший брат Prophet-5, дерзкий и популярный Pro-One.

К сожалению, компания Дейва Смита Sequential Circuits закрылась в конце 80-х, когда цифровые синтезаторы начали доминировать, но легенда о Prophet-5 продолжала расти. Смит перезапустил свою линию, создав Dave Smith Instruments в 2002 году, и отпраздновал 30-летие Prophet-5 в 2007 году, выпустив нашумевшую новую версию, знаменитый Prophet ’08.

Как это звучало?

Неудивительно, что Prophet-5 стал так широко использоваться в саундтреках к фильмам, поскольку жуткие аналоговые текстуры идеально подходили для тревожных аккордов, которые сопровождали фильмы ужасов и научно-фантастические фильмы в начале 80-х.Однако это была не просто функциональная рабочая лошадка, такая как CS-80 — Prophet также можно было уговорить на создание экспериментальных свипов и грохотов благодаря его инновационной функции Poly Mod, которая позволяла выполнять модульную разводку его различных генераторов и осцилляторов.

Кто пользовался?

Как и Minimoog до него, Prophet-5 был лидером рынка, и его высокая цена не помешала ему получить чрезвычайно широкое распространение. Композиторы фильмов быстро подхватили синтезатор, вероятно, потому, что с помощью одного устройства можно было добиться столь многого.Джон Харрисон использовал только Prophet-5 и пианино для записи своей знаменитой партитуры к антологии ужасов 1982 года Creepshow , и Джон Карпентер быстро влюбился в синтезатор после того, как его познакомил с ним Алан Ховарт во время работы над Escape From New York. .

Поп-музыка тоже любила Prophet — она была повсюду в « Thriller » Майкла Джексона, а несколько лет спустя можно было найти в одноименном дебютном альбоме Мадонны и его продолжении Like A Virgin .Тот факт, что он стал основным продуктом в студии, без сомнения, привел к тому, что Prophet стал использоваться на ранних рэп-записях Западного побережья — Dr. Dre был фанатом, а Too $hort использовал Prophet (вместе с драм-машиной Roland TR-808), чтобы записать вместе со своим ярким и влиятельным дебютным альбомом Born To Mack .

Используется на:

Джон Карпентер и Алан Ховарт «Побег из Нью-Йорка» (1981)
Говорящие головы «Сожжение дома» (1983)
Мадонна «Счастливая звезда» (1983)
Too $hort «Чумовые истории» (1987)
Radiohead ‘ Все на своем месте» (1999)


Fairlight CMI
Год выпуска: 1979
Первоначальная цена: 27 500 долларов США

Синтезаторы

не стали более легендарными, чем Fairlight CMI, и у них тоже была легендарная цена.Когда он был выпущен в 1979 году, он стоил столько же, сколько отдельный дом, но это не помешало студиям и звездам той эпохи спотыкаться друг о друга, чтобы приобрести его. CMI был разработан в Австралии Питером Фогелем и Ким Райри как развитие их более раннего экспериментального синтезатора Qasar M8. Они хотели, чтобы M8 мог моделировать форму волны в реальном времени, но им мешала нехватка необработанной вычислительной мощности, поэтому вместо этого дуэт прибегнул к сэмплированию. Так родился CMI, который стал первым синтезатором семплирования, то есть он мог брать записанные звуки и отображать их на клавиатуре.Еще в 1979 году в комплекте с ним поставлялся убойный секвенсор и световое перо, позволявшее управлять стилем с помощью сенсорного экрана — что говорить о шаге в будущее.

Как это звучало?

Это был сэмплер, поэтому технически CMI мог звучать так, как вы хотели (просто посмотрите это видео Питера Гэбриэла, синтезирующего разбивание экрана телевизора), но он все же сохранил определенную особенность. В наши дни его бодрый, короткий звук олицетворяет собой 80-е, и он звучал так не просто так — памяти для семплирования было мало, а качество было не особенно высоким (8 бит при 16 кГц на CMI Series I), такой маленький, Хрустящие стаккато, как правило, работали намного лучше, чем длинные фразы.Возможность прорисовки волновых форм в компьютере и редактирования ранее сохраненных волновых форм также была новаторской, но, как правило, большинство продюсеров придерживались (по общему признанию, довольно хороших) предварительно упакованных звуков.

Кто пользовался?

Бывший фронтмен Genesis Питер Гэбриел был первым счастливым покупателем, купившим CMI, и ему так понравилось, что он уговорил своего двоюродного брата Стивена Пейна продавать этот инструмент в Великобритании. Второй аппарат был продан Джону Полу Джонсу из Led Zeppelin, и молва о причудливом футуристическом студийном усилителе начала распространяться по всей Атлантике.Первыми американскими последователями были Херби Хэнкок (который, как известно, продемонстрировал синтезатор в эпизоде ​​ сериала «Улица Сезам » и использовал его для создания своего гимна «Rockit») и Стиви Уандер, но синтезатор, вероятно, получил наибольшую известность благодаря тому, что его использовал Ян Хаммер. в создании музыкальной темы Полиция Майами . CMI был такой новинкой, что Хаммер даже был снят, играя его в клипе на песню, при этом, конечно же, он убегал от Крокетта на вертолете — в конце концов, это были 80-е.

Впечатленная моделью Питера Гэбриэла, Кейт Буш стала еще одной ранней поклонницей CMI, и она стала первым музыкантом, исполнившим CMI на альбоме, что сделало его центральным элементом ее полнометражного альбома Never For Ever 1980 года. Однако именно в альбоме Hounds of Love 1985 года она действительно использовала его, позволив CMI повлиять на концептуальное и экспериментальное звучание альбома.

Используется на:

Питер Гэбриэл ‘Шок обезьяны’ (1982)
Херби Хэнкок ‘Рокит’ (1983)
Жан-Мишель Жарр ‘Зоолук’ (1984)
Ян Хаммер ‘Полиция Майами Тема’ (1984)
Кейт Буш ‘Бегущий вверх по холму ‘ (1985)


PPG Wave
Год выпуска: 1981
Первоначальная цена: 7000 долларов США

Следуя интересу, вызванному сложным, но уникальным Wavecomputer 360, Вольфганг Палм из PPG разработал Wave, синтезатор, сочетающий инновационный волновой табличный синтез Wavecomputer с фильтрами и огибающими, которые обычно ассоциируются с более традиционными аналоговыми синтезаторами.Вначале Wave добилась успеха просто потому, что она не звучала ни на что другое на рынке, но ее огромная цена (Palm стремилась конкурировать с такой же недоступной «рабочей станцией» Fairlight CMI) замедлила продажи как сравнительно доступного FM. и синтезаторы с волновыми таблицами, такие как Yamaha DX7 и Ensoniq ESQ-1, вышли на рынок и продолжали доминировать. В то время как компания закрылась в 1987 году, ядро ​​Wave было удалено, чтобы сформировать основу более дешевой Microwave Waldorf в 1989 году, и срок службы Wave был неожиданно увеличен.

Как это звучало?

Обладая восьмиголосной полифонией, PPG Wave был идеальным выбором для всех музыкантов, желающих создать сочные научно-фантастические текстуры или богатые духовые инструменты, но также выдерживал большое давление на низких частотах. В то время это звучало совершенно уникально, поскольку сложный синтез волновых таблиц предлагал звуки, которые были в миллионе миль от традиционного аналогового набора синусоидальных, пилообразных, треугольных и прямоугольных волн. Кривая обучения Wave была высокой, но те, кто сумел освоить синтез волновых таблиц, могли создавать беспрецедентные, гармонически необычные звуки, которые выделяли PPG как такую ​​знаменитую странность.

Кто пользовался?

Немецкие пионеры электронной музыки Tangerine Dream так отчаянно нуждались в новых звуках, что фактически финансировали PPG и, конечно же, проводили бета-тестирование практически всего, что выходило из лаборатории Вольфганга Пальма. Энн Дадли из The Art of Noise также была одной из первых последователей, и ей удалось заполучить менее известную Wave 1 — модель, которая так и не стала достоянием публики, — которую она хранила долгое время после того, как ее преемники были выпущены, используя ее на бесчисленных записях.Он также был популярен в некоторых крупных студиях и в конечном итоге использовался Дэвидом Боуи, Стивом Уинвудом и Тревором Хорном (в его работе с Frankie Goes to Hollywood). Как ни странно, причудливые синтетические звуки Wave очаровали даже джазового новатора Майлза Дэвиса, который услышал, как сотрудник музыкального магазина Адам Хольцман играет на синтезаторе, и пригласил его присоединиться к его группе для серии сессий.

Получено:

ABC ‘The Look of Love’ (1981)
Alphaville ‘Sounds Like A Melody’ (1984)
Ultravox ‘Lament’ (1984)
Tangerine Dream ‘Польша’ (1984)
Miles Davis ‘Rubber Band’ (1985)


Roland TB-303
Год выпуска: 1982
Первоначальная цена: $395

Один из самых узнаваемых синтезаторов всех времен. Трудно поверить, что модель Roland Transistor Bass 303 изначально провалилась.Проблема заключалась в том, что Роланд рекламировал маленькую серую коробочку как виртуального басиста для рок-групп, которым не хватало важного четвертого участника, или сольных исполнителей, отчаянно нуждающихся в дешевом аккомпанементе. К сожалению, у 303 никогда не было отбивных, чтобы сравниться с настоящим басом, и гитаристы, скорее всего, были бы удивлены слабым писком, чем они должны были раскошелиться на свои с трудом заработанные деньги, чтобы купить устройство. К счастью, провал TB-303 стал также причиной его успеха, так как безденежные хаус-продюсеры из Чикаго, стремящиеся создавать танцевальную музыку с ограниченным бюджетом, сумели воспользоваться недостатками синтезатора и непреднамеренно запустить кислотную одержимость, которая сохраняется и по сей день.

TB-303 находился в производстве чуть более полутора лет, а Roland отгрузил всего 10 000 единиц, поэтому приобретение одного из изначально дешевых синтезаторов сейчас обойдется вам в кругленькую сумму. Компания Roland несколько раз пыталась воссоздать машину, последний раз с AIRA TB-03 , но так и не смогла улучшить уникальное шумоподавление оригинала.

Как это звучало?

Большим преимуществом модели 303 было то, что она была оснащена надежным 16-шаговым секвенсором, позволяющим невероятно легко программировать именно те простые басовые партии и соло, которые вам понадобятся для танцевальной музыки, заполняющей пол.Что касается самого звука, то он вряд ли нуждается в представлении — это эйсид-хаус.

Кто пользовался?

Если вы делали эйсид-хаус в конце 80-х и начале 90-х, вам нужен был простой TB-303. Однако было бы неправильно предполагать, что они использовались впервые; Индийский продюсер Чаранджит Сингх почти случайно использовал 303, когда он создал 10 Ragas To A Disco Beat еще в 1982 году. Продюсеры хип-хопа под влиянием электро также быстро уловили звук: Ice-T и Mantronix использовали 303. в постановках середины 80-х.Но именно чикагская компания Phuture популяризировала маленькую серую коробочку, а «Acid Tracks» 1985 года распространилась благодаря поддержке Рона Харди. Он попал на гигантские пластинки 808 State, A Guy Called Gerald, Virgo, Adonis и других, а затем стал основой ранней карьеры Ричи Хоутина под псевдонимом Plastikman. Джош Уинк засунул один через искажение в «Higher State of Consciousness» 1995 года, а Fatboy Slim объявил «Everybody Needs A 303» на своем дебютном сингле, выпущенном в 1996 году.С тех пор 303 становится все труднее достать, оставаясь святым Граалем среди продюсеров электронной музыки.

Получено:

https://www.youtube.com/watch?v=hPd_Mzuz_Uc

Charanjit Singh ‘Raga Bhupali’ (1982)
Orange Juice ‘Rip it Up’ (1983)
Phuture ‘Acid Tracks’ (1987)
Парень по имени Джеральд ‘Voodoo Ray’ (1988)
Plastikman ‘Plasticity’ (1993)


Roland SH-101
Год выпуска: 1982
Первоначальная цена: $495

Один из самых простых синтезаторов в списке, SH-101 был последним моносинтетом Roland и их попыткой выйти на массовый потребительский рынок с клавиатурой, которая выглядела соответствующе и была невероятно проста в использовании.Он был доступен в трех цветах (серый, синий и красный) и имел вариант «крутой» рукоятки и ремешка, что позволяло исполнителю играть на синтезаторе, как на гитаре — попытка привлечь внимание молодых синти-поп-групп, которые, возможно, еще не средства для более известного инструмента.

По мере того, как более крупные и известные синтезаторы начали завоевывать популярность у коллекционеров и энергичных музыкантов с глубокими карманами, SH-101 стал популярным среди молодых продюсеров танцевальной музыки и совершенно справедливо занял свое место за столом рейва.Легче играть, чем неуклюжий (и почти невозможно запрограммировать) MC-202, и более мгновенный, чем TB-303, 101 мог многое сделать с минимальными усилиями, и поэтому медленно, но верно начал завоевывать популярность.

Как это звучало?

SH-101 не звучал даже в миллионе миль от влиятельного Roland TB-303, и, без сомнения, именно поэтому он был быстро раскуплен охотящимися за скидками техно-продюсерами. У него была та же внутренняя схема, что и у MC-202, и он был способен воспроизводить плотные басы и резонирующие, энергичные соло-звуки.Его также было довольно легко калечить, что делало синтезатор очень привлекательным для продюсеров экспериментальной электронной музыки конца 90-х и начала 00-х.

Кто пользовался?

Он был дешев, как чипсы, и не делал многого, чего не делал модный Minimoog (с включенными колокольчиками), так что SH-101 не оказался в студиях высокого класса и, следовательно, не был на самом высоком уровне. распространение поп-треков, как вы могли ожидать, но его стоимость делала его ценным среди менее популярных исполнителей. Манчестерский техно-новатор A Guy Called Gerald использовал один из них на влиятельном первом альбоме 808 State Newbuild и сохранил его при записи сольного кислотного хита «Voodoo Ray», объединив синтезатор с TB-303.

Aphex Twin также был поклонником, и хотя неясно, какие треки на самом деле использовали SH-101 (вступление к «Polynomial C» — наше лучшее предположение), он дошел до того, что дал своему универсальному индикатору зеленый 12 дюймов. каталожный номер Ш-101. Он был не единственным варп-исполнителем, который стучал по дешевому моносинтезатору Роланда — Boards of Canada использовали его для воспроизведения мелодий своего прорывного полнометражного альбома Music Has The Right To Children и, конечно же, пропитали его таким кавернозным ревербератором, что вы едва мог распознать его.Адриан Атли из Portishead также был его поклонником и рассказал Sound On Sound в 1994 году, что, хотя вступление к Mysterons часто принимают за терменвокс, на самом деле это был SH-101.

Получено:

808 State ‘Narcossa’ (1988)
Robert Hood ‘SH.101’ (1994)
Portishead ‘Mysterons’ (1994)
Boards of Canada ‘Roygbiv’ (1998)
Joker & Ginz ‘Re-Up’ (2009)


Yamaha DX7
Год выпуска: 1983
Первоначальная цена: $2000

Уродливый DX7 от Yamaha даже в то время имел огромный успех.Это был первый цифровой синтезатор, с которым когда-либо сталкивалось большинство музыкантов, а набор его предустановленных звуков — от убедительной имитации электрического пианино до знакомых стеклянных пэдов — мгновенно завоевал успех у поп-продюсеров по всему миру.

К сожалению, в отличие от большинства других записей в списке, время не пощадило популярный FM-флагман Yamaha. Несмотря на то, что он породил множество побочных продуктов в серии DX (наиболее заметными являются популярный TX81Z и любимый DX-100 Деррика Мэя), по мере того, как все больше и больше поклонников тяготеют к аналоговому звучанию, интерес к FM-синтезу упал.Слушайте внимательно, и вы услышите возрождение в процессе создания (Night Slugs, безусловно, их поклонники), но FM-синтезаторы по-прежнему не требуют таких послепродажных цен, которые, как вы видите, привязаны к их аналоговым собратьям.

Как это звучало?

Будучи цифровым, DX7 не имел теплых, нечетких звуков своих аналоговых предшественников и, напротив, был довольно холодным. Стеклянные, резкие цифровые звуки составляли большую часть пресетов, а синтезатор было чертовски сложно исправить без каких-либо ручек и ползунков, что большинство продюсеров просто оставляли их в покое.Умник в области эмбиент-музыки Брайан Ино был одним из немногих музыкантов, которые действительно разобрались со сложными подменю и ЖК-дисплеями DX7, и ему удалось заставить его звучать блаженно и решительно на Apollo 1983 года.

Кто пользовался?

Брайан Ино был таким фанатом DX7 и его хренового синтеза частотной модуляции, что купил их целый парк. В интервью 2004 года он заявил, что их семь, что нам кажется излишеством, но — это  Ино, и ему удалось впихнуть DX7 в записи U2 и Coldplay.

Это была настолько обычная часть домашних и профессиональных студий, что его относительно небольшой выбор пресетов стал обычным явлением на мейнстримном радио. BASS 1 использовался в песнях «Take On Me» A-ha, «She’s Fresh» Kool & The Gang и «Danger Zone» Кенни Логгинса (среди прочего), а вездесущий E PIANO 1 (возможно, величайшее наследие DX7) был популяризирован Фил Коллинз, Лютер Вандросс, Билли Оушен и многие другие, которых не перечислить.

Получено:

Брайан Ино ‘An Ending (Ascent)’ (1983)
Гарольд Фальтермейер ‘Axel F’ (1984) — маримба
This Mortal Coil ‘Barramundi’ (1984)
Кенни Логгинс ‘Danger Zone’ (1986)
Enya ‘The Celts ‘ (1987)


Roland Alpha Juno
Год выпуска: 1985
Первоначальная цена: 575–799 фунтов стерлингов

Преемники умеренно успешной серии синтезаторов Juno от Roland — начиная от Juno 6 и Juno 60 до MIDI и заканчивая всепобеждающей Juno 106 — Alpha Junos казались немного несвоевременными.В синтезаторах использовались генераторы с цифровым управлением (DCO), которые стабилизировали склонность их предшественников, управляемых напряжением, к отклонению от тональности, и были загружены высококачественными пресетами. Alpha Juno 1 и 2 (и рэковая модель MKS50) были последней попыткой Roland в области аналогового синтеза, в то время как остальной мир двигался в сторону дешевого и бодрого звука DX7 и собственного JX3P Roland. Неудивительно, что синтезаторы почти не оставили следа на сцене, поскольку считались слишком дорогими и сложными в ремонте, и, как и многие коммерческие неудачи Roland до них, быстро стали считаться абсолютной сделкой для легиона экономных техно-продюсеров 90-х.

Как это звучало?

Есть только один звук, за который нужно благодарить Alpha Juno, и это легендарный звук пылесоса. Простой, на первый взгляд безобидный пресет под названием «WhatThe», на самом деле он был запрограммирован как шутка (отсюда и название) техническим специалистом Эриком Персингом, но в 1991 году его подхватил техно-продюсер Джоуи Бельтрам, и родилась новая навязчивая идея. Дело не в том, что другой синтезатор не мог бы воспроизвести подобный звук — краткая проверка в Интернете показывает бесчисленное количество руководств — но пылесос Alpha Juno просто звучит так правильно .Некоторое время он был таким же распространенным, как TB-303, и ничто, кроме оригинала, не могло по-настоящему резать горчицу — включение гигантского циферблата (известного как «Альфа-циферблат») на передней панели для программирования и развертки фильтра было изюминкой. на торте.

Кто пользовался?

Альфа Юнона никогда не была «крутой», поэтому вы не увидите десятков артистов, восхваляющих ее (это не MS-20), но в то время она была на удивительном количестве пластинок. После того, как Джоуи Белтрам и его друзья запустили тренд с «Mentasm» в 91-м, отдел кадров поместил пресет «WhatThe» в чарты с неуклюжим рэп-техно-хитом «Dominator».Однако особенно примечательно то, что британские рейверы The Prodigy поразили сердца и умы поколения любителей таблеток своим спорным синглом «Charly».

В последние годы звук пылесоса Alpha Juno неожиданно возродился, и, хотя трудно сказать, используют ли ответственные продюсеры семплы или что-то еще, безошибочно узнаваемый патч «WhatThe» появился в «Birthday Cake» Рианны, Леди. «Bad Romance» Гаги и «RIP» Риты Оры. Гувер на всю жизнь.

Получено:

Second Phase «Mentasm» (1991)
DJPC «Inssomniak» (1991)
Human Resource «Dominator» (1991)
The Prodigy «Charly» (1991)
Altern-8 –E-Vapor-8 (1992)


Korg M1
Год выпуска: 1988
Первоначальная цена: $2166

В отрасли, в которой обычно считается, что успешный синтезатор продается десятками тысяч экземпляров, Korg M1 превзошел все ожидания, когда продажи превысили четверть миллиона единиц.Это по-прежнему самый популярный синтезатор всех времен, и поэтому он был абсолютно неизбежен в поп-музыке конца 80-х и начале 90-х, роке и, конечно же, стоковой музыке.

Причина, по которой он был настолько успешным, довольно проста — вы получили чертовски много за свои деньги. При цене более 2000 долларов M1 был недешевым, но предлагал сэмплирование, синтез, множество эффектов и даже встроенный секвенсор. Неудивительно, что люди стали называть машину «рабочей станцией», поскольку до непреодолимого подъема Cubase VST и Logic Pro M1 был настолько близок, насколько это возможно, к чему-то, что буквально справится со всем за вас в одну коробку без необходимости перезакладывать свой дом.

Как это звучало?

Это звучало в значительной степени как начало 90-х, и это потому, что вы слышали это повсюду, от рекламы до телешоу и хитов мейнстримных чартов. M1 поставлялся с предустановленным банком из 100 мультизвуков и 44 барабанных и перкуссионных сэмплов, и каждый звук был обработан продюсерами со всего мира. Они были удивительно, очаровательно шаткими, от пан-флейты и калимбы до широко используемого акустического фортепиано и одурманенных струнных, и каждому удавалось звучать одновременно реалистично и синтетически одновременно.4 мегабайта памяти для сэмплирования сейчас могут показаться крошечными, но в то время они были достаточно мощными.

Кто пользовался?

Знаете вы об этом или нет, но вы слышали о Korg M1. Его универсальность и простота означали, что его подхватили музыканты и студии, большие и малые, и вскоре звуки начали появляться в чартах. «Vogue» Мадонны популяризировал ныне легендарный пресет «Piano 8» M1, мгновенно сделав его легендой в кругах хаус-музыки (наряду с таким же вездесущим «Piano 16»), в то время как «Organ 02» широко использовался в «Show» Робина С. Me Love», трек, который в настоящее время крутится благодаря Kid Ink и Крису Брауну, переработанному с помощью храповика.Однако предустановленный звук, который действительно может идентифицировать каждый, — это «SlapBass», который продюсер Джонатан Вольф использовал для создания темы Seinfeld — спасибо за это, чувак.

Получено:

Мадонна ‘Vogue’ (1990)
Snap ‘Rhythm is a Dancer’ (1992)
Робин С. ‘Show Me Love’ (1993)
Jay Z ‘Money, Cash, Hoes’ (1998)
Bon Iver ‘Beth/ Отдых» (2011)


Korg Triton
Год выпуска: 1999
Первоначальная цена: 1799 фунтов стерлингов

Роскошное продолжение популярного Korg Trinity (который сам последовал за непостижимо популярным M1), Triton предложил еще одно блестящее универсальное решение для студий, стремящихся добиться поп-звучания, не платя за поп-музыку.Triton предлагал большую полифонию, чем его предшественник, и улучшенный сэмплер, но при выпуске его критиковали за дешевое звучание сэмплов и плохо функционирующий секвенсор. Однако это не остановило его доминирование, и Triton стал таким же основным продуктом студии, как и его предшественники.

Как это звучало?

На этом этапе разработки синтезаторов привлекательное ограничение ранних аналоговых инструментов было снято в пользу многофункциональных виртуальных компьютеров, которые могли делать все, что вам нужно (и даже больше), и при этом им обычно не хватало определенного звука. или характер.Конечно, масса сэмплов и звуковых банков, составлявших звуковую библиотеку Triton, безусловно, имела особое звучание, и вы не можете слушать рэп и R&B начала нулевых, не услышав один или два необычно сухих перкуссионных хрипов Triton или псевдоживые инструментальные снимки.

Кто пользовался?

Говоря о Triton, трудно не упомянуть Timbaland и Neptunes, но это еще не все. В то время как Neptunes действительно использовали Triton во многих случаях (влиятельный бит Grindin представляет собой последовательность пресетов Triton, которые фактически располагаются рядом друг с другом в звуковом банке), именно Korg 01/W был ответственен за их фирменный стиль. звук щипковой гитары и клавинета.Точно так же Timbaland чаще замечали с Ensoniq ASR-10, но определенно заставлял Triton работать в ряде случаев, в основном благодаря любви сопродюсера Danja к рабочей станции.

В Великобритании гаражные продюсеры быстро подхватили доступный и плавный набор сэмплов Triton — Марк Хилл из Artful Dodger использовал один в своих постановках для Крейга Дэвида, и вскоре звуки Triton были повсюду на сцене. Создатель грайма Wiley, без сомнения, был в курсе, и он использовал ставший уже легендарным пресет «Gliding Squares», чтобы создать влиятельную басовую партию в новаторском грайм-джамп-оффе «Eskimo».

Получено:

Wiley «Eskimo» (2002)
Clipse «Grindin» (2002)
The Game «Put You On The Game» (2005)
Busta Rhymes «Touch It» (2006)
T.I «Hurt» (2007)

Читать дальше : 15 семплеров, сформировавших современную музыку

Гаджет за 60 долларов, который меняет электронную музыку

Я наклонился вперед и легонько постучал по кругу, чтобы он не вращался.

«Видишь?» — сказал Кутхофд, как будто я раскрыл назначение предмета.Я посмотрел на него, сбитый с толку.

Кутхуфд объяснил: «Это что-то вроде магнитофона? Но оно крутится? Его заявления часто превращались в вопросы, особенно если он говорил об одном из продуктов своей компании, как будто все всегда было прототипом.

— Скажем, у нас интервью, — продолжал он, как будто у нас и не было интервью, — и я хочу кое-что сказать не для записи, я могу просто помолчать, — и снова наклонился вперед, слегка приземлившись. палец на диске. «Это как взаимодействие, приятное взаимодействие между нами.«Именно это взаимодействие между людьми и машинами больше всего интересовало Кутхофда, его тактильная природа, но также и нечто более фундаментальное. Чтобы объяснить, он взял еще один предмет со своего стола и протянул его мне. Он был круглым, как хоккейная шайба, и тяжелым, и когда его ставили на поверхность, он мог вращаться.

— Это ручка, — сказал Кутхуфд. «Очень хорошая ручка. А еще пульт. И посмотри!» Он полез в карман, достал пластиковую табакерку и положил рядом с ручкой. Они были одинакового размера, что, казалось, обрадовало его.

Этот вид нюхательного табака был очень популярен в Швеции, объяснил Кутхуфд. После того, как он повсюду увидел эти круглые коробки, их вездесущность заставила его задуматься: а как насчет того, чтобы превратить эту форму в универсальный пульт? Ручка управляла громкостью и дорожками на динамике, сделанном Teenage Engineering, но вскоре она будет управлять многими другими вещами, которые компания производила: проигрывателем, кассетной декой, светом и дымовой машиной.

В последнее время он много думал об этой ручке, объяснил он, потому что читал книгу Льюиса Мамфорда «Миф о машине».Миф машины состоит в том, что мы ее хозяева; на самом деле, утверждает Мамфорд, мы в конце концов становимся «тривиальным аксессуаром машины», следуя ее логике, а не своей собственной. Мамфорд — историк, философ, градостроитель и архитектурный критик The New Yorker с 1930-х по 1960-е годы — дает широкое определение технологии. Компьютер — это технология. Так и деньги. То же самое можно сказать и о некоторых организациях, таких как корпорации, которые бездумно находятся в рабстве у технологий. Мамфорд называет эти организации «мегамашинами».Технологии сами по себе не проблема. Но мегамашина есть. Мегамашина — это «организованный культ машин» и «чудовище, способное превратить человека в пассивное, бесцельное животное».

Кутхуфд описал «Миф о машине» как марксистскую книгу, так же как он описывает себя как марксиста (при этом признавая, что его владение несколькими Lamborghini на протяжении многих лет может осложнить это утверждение). Его широкое понимание Мамфорда заключалось в том, что большинство современных технологий были просто пустой тратой времени.

Восемь фактов о синтезаторе и электронной музыке

Мэгги Белнап


Изобретение синтезатора в середине 20 века вдохновило композиторов на переработку электронной музыки. Синтезатор ускорил процесс создания, комбинируя сотни различных звуков, и вдохновил композиторов на более глубокое изучение возможностей электронной музыки.

1.     Электронная музыка впервые появилась в США и Канаде в 1890-х годах.Процесс его создания был сложным. Чтобы создать всего несколько минут музыки, возможно, с сотней разных звуков, на доработку могут уйти недели.

2.    Первый настоящий синтезатор был представлен публике в 1956 году. Он состоял из набора электронных тон-генераторов и устройств обработки, которые управляли характером звуков.

3.     Этот синтезатор проигрывал сам себя в блуждающих паттернах, которые могли повторяться или нет. Он управлялся системой датчиков щеток, которые реагировали на шаблоны предварительно пробитых отверстий на вращающемся бумажном рулоне.

4.    Самыми известными и прославленными электронными произведениями 1950-х годов являются «Fünf Stücke» Эймерта, «Gesang der Jünglinge» Штокхаузена, «Spiritus Intelligentiae Sanctus» Кренека, «Mutazioni» Берио и «Notturno» Мадерны.

Роберт Муг и его синтезатор через Wikimedia Commons

5.    Первый электронный концерт был дан в Музее современного искусства в Нью-Йорке 28 октября 1953 года Усачевским и Люнингом.

6. Два американца, Роберт Муг и Дональд Букла, создали отдельные компании по производству синтезаторов в 1960-х годах.Синтезатор Роберта Муга был выпущен в 1965 году и считается важной вехой в истории электронной музыки.

7.     За ними последовали другие, и вскоре синтезаторы с регулируемым напряжением и портативные стали доступны для студийных и сценических выступлений.

8.     В 1980-е годы коммерческие синтезаторы производились на регулярной основе. Yamaha выпустила первый полностью цифровой синтезатор в 1983 году.

Мэгги Белнап — стажер по работе с социальными сетями в Oxford University Press.Она учится в колледже Амхерст.

Oxford Reference — центр справочных публикаций в Оксфорде. Оксфордский справочник с более чем 16 000 фотографий, карт, таблиц, диаграмм и быстрым и быстрым поиском экономит ваше время, улучшая и дополняя вашу работу.

Подпишитесь на OUPblog по электронной почте или RSS.
Подпишитесь только на музыкальные статьи в OUPblog по электронной почте или RSS.

Synthtopia – новости о синтезаторах и электронной музыке, обзоры синтезаторов и музыкальных программ и многое другое!

Предупреждение о содержании: эта история может взорвать головы некоторых читателей.… Читать дальше Behringer получает отказ от CME, который говорит, что у них «нет нехватки компонентов»

GPU Audio — это новая технологическая компания, которая заявляет, что они создали первый в мире новый полный технологический стек на базе графического процессора для обработки звука.… Подробнее Новая компания, GPU Audio, хочет превратить вашу графическую карту в мощный аудиопроцессор DSP

Сегодня компания Korg представила полностью совместимые программные версии своих популярных аппаратных синтезаторов wavestate и opsix.… Подробнее Korg представляет Wavestate, программные синтезаторы Opsix

Лейбл электронной музыки DiN выпустил новый альбом из серии Tone Science, посвященной музыкантам, работающим с модульными синтезаторами.… Подробнее Новый сборник, Protons and Neutrons, Features Music Of Modular Synthesists

Компания BLINKSONIC° представила COLLIDZ°, новый инструмент Reaktor 6, оснащенный четырьмя синтезаторными движками, секвенированный полиритмической программой из 12 масштабированных или микротональных нот.… Подробнее BLINKSONIC° представляет COLLIDZ°, инструмент Reaktor 6 с 4 синтезаторными движками

Bastl Instruments Softpop SP2 — это «радикальный субтрактивный синтезатор с нетрадиционным цифровым управлением».… Прочитайте больше Отбрасывая кислоту с Softpop 2 «Radical Subtractive Synth»

SplitEQ — это расширенный подключаемый модуль эквалайзера, использующий технологию Structural Split от Eventide. Входные сигналы делятся на отдельные потоки Transient и Tonal, которые затем подаются на восемь полос точных музыкальных фильтров для независимой эквалайзера… Подробнее Обновления Eventide SplitEQ с функциями, запрошенными пользователем

Версия 4.22 прошивки disting mk4 добавляет два новых алгоритма — частотный сдвиг и фазовый сдвиг — и ряд других улучшений и исправлений.… Подробнее Бесплатное обновление disting mk4 добавляет частотный сдвиг, фазовый сдвиг

Ранняя история синтезаторов. Как работают синтезаторы

Когда был изобретен первый синтезатор? Это зависит от того, кого вы спросите.

Многие указывают на телормониум или терменвокс — инструменты, изобретенные в конце 1890-х и в 1919 году соответственно — но Рея оспаривает их включение: ничто на этих инструментах не дает оператору полный контроль над составляющими элементами звука [источник: Рея ].Первым инструментом, соответствующим критериям, был гибрид фортепиано и электронных технологий, изобретенный во Франции в 1929 году Арманом Живле и Эдуардом Муно, в котором использовалось устройство чтения бумажной ленты и устройства, управляющие элементами электронной схемы, для создания оркестра из четырех голосов. [источник: Рея]. Впервые слово «синтезатор» было использовано для описания инструмента в 1956 году, когда был выпущен RCA Electronic Music Synthesizer Mark I, в котором использовались камертоны и информация, пробитая на рулоне бумажной ленты, для воспроизведения музыки через набор громкоговорителей. источник: Apple].

Роберт Муг обычно считается отцом современного синтезатора. Муг, американец, был инженером-электриком, который занимался созданием электронных инструментов, таких как терменвокс. В начале 1960-х, подружившись с музыкантом Гербертом Дойчем, Муг приступил к изобретению первого коммерчески доступного синтезатора. Выпущенные в 1964 году модульные системы Moog серии 900 напоминали высокие мейнфреймы с паутиной кабелей, которые «соединяли» различные модули вместе для создания законченного звука.Звуки можно было секвенировать, а также воспроизводить в реальном времени.

Изначально предназначенные для академиков и музыкантов-экспериментаторов, эти синтезаторы изначально были инструментами поляризации. «Как продавец, я заходил в музыкальные магазины, где меня практически вышвыривали, и мне говорили, что [синтезатор] не будет музыкальным инструментом», — говорит Рея, которая много лет работала вместе с Мугом на самых разных должностях [ источник: Рея]. Но в 1968 году альбом Венди Карлос «Switched-On Bach», получивший премию «Грэмми», раскрыл музыкальные возможности синтезаторов для более широкой аудитории.В последующие годы такие группы, как Parliament-Funkadelic, Mahavishnu Orchestra и Emerson, Lake и Palmer, начали использовать синтезаторы в своей музыке. Появление Minimoog, который объединил элементы больших устройств в единый портативный инструмент, который был дешевле, дал в руки музыкантов-исполнителей 13 000 синтезаторов за время его производства. Даже после появления цифровых синтезаторов музыканты продолжают чтить Муга и его творения на ежегодном фестивале Moogfest в Эшвилле, штат Северная Каролина.C. [источник: Парелес].

Переверните страницу, чтобы узнать, почему цифровые синтезаторы в значительной степени заменили свои аналоговые аналоги.

Краткая история электронной музыки: инструменты и новаторы, определившие жанр

С чего начать историю электронной музыки и синтезатора? Популярная и несколько простая точка зрения состоит в том, что они переплетены, что электронная музыка началась с изобретения синтезатора и его использования в 60-х и 70-х годах. Но на самом деле синтетическое манипулирование звуком и машины, которые это делали, можно проследить еще дальше.Гораздо дальше.

На самом деле, как эксперименты со звуком, так и некоторые странные и удивительные звуковые манипуляции уходят корнями в прошлое на сотни лет. Хорошо, самое интересное началось, когда люди начали записывать и публиковать результаты несколько десятилетий назад — не говоря уже о том, чтобы делать точные записи о машинах, которые они создали, — но прежде чем мы доберемся до 60-х годов, нужно охватить пару сотен лет (хотя и кратко), в том числе некоторые требования обсудить, некоторые отклонить, а некоторые другие просто, ну, шокируют… во всех неправильных смыслах.

Начало?

Возвращаясь назад, можно сделать вывод, что прекрасно звучащий Золотой Дионис, возможно, был первым электрическим музыкальным инструментом. Он был «построен» чешским исследователем-электриком Вацлавом Прокопом Дивишем в 1748 году, который утверждал, что может воссоздать с его помощью звуки струнных и духовых инструментов.

Вы заметите, что мы говорим «заявлено» и «весьма возможно», так что, как мы говорим, было бы лучше перейти на более твердую историческую почву, более века спустя, когда, по крайней мере, некоторые из утверждений были обоснованы и зафиксированы.(Мы также отметим, что в других отчетах того времени говорится, что инструмент давал своим пользователям удары током… так что мы не говорим о plug ‘n’ play!)

Для этого мы отправимся в конец позднего 19 век и электромеханическое пианино Маттеуса Хиппа, которое запускало звук путем активации электрических магнитов с помощью клавиатуры. Еще лучшие записи существуют о Телармониуме, разработанном в то же время Таддеусом Кэхиллом, инструменте, способном не только изменять или даже синтезировать звук, но и распространять его по недавно созданной телефонной сети.(Таким образом, этот инструмент может претендовать не только на звание первого синтезатора, но и на первое использование ранней формы Интернета. Вроде того.) 

Между тем, в конце 19 века Элиша Грей также (почти) случайно изобретение синтезаторного генератора при разработке прототипа телефона в конце 19 века. Но если вы думаете, что это сложная история в эту эпоху, просто подождите до следующего века…

Видение 20-го века

В начале 20-го века все становится еще сложнее, с целым рядом инструментов, которые могли и будут претендовать на куски истории электронной музыки, не в последнюю очередь электрический орган и еще пара выдающихся устройств, в частности синтезатор звука Гельмгольца и терменвокс.

Звуковой синтезатор был не только первым инструментом, претендовавшим на название «синтезатор», но и использовал обертоны и даже базовую фильтрацию при создании звуков — некоторые из важных звуковых ингредиентов, используемых до сих пор. Так что теперь мы, кажется, достигли рассвета электронной музыки, когда искусственное манипулирование звуком — возможно, само определение жанра — становится реальностью.

В течение столетия был Айвор Даррег, который в 1930-х и 40-х годах разработал инструменты, называемые электронным клавишным гобоем и электрическим клавишным барабаном, которые могут претендовать на звание первых электрических инструментов, специально предназначенных для музыки.

И по мере того, как мы копаем глубже, другие важные инструменты включают Trautonium 1930-х годов, сделанный Фридрихом Траутвайном, а затем улучшенный в Mixturtrautonium после Второй мировой войны Оскаром Сала. Используя то, что было названо «субгармонической» техникой создания звука, они позволяли вам микшировать, сопоставлять и модулировать сигналы с помощью таких элементов управления, как формирователи огибающей и частотные сдвигатели, которые позже стали обычным явлением в субтрактивных синтезаторах.

В 1950-х годах преобладали два противоположных течения: экспериментальное, высокохудожественное движение musique concrète помогло вывести электронную музыку в новые направления, почти невольно создавая совершенно новые музыкальные жанры.

Между тем, в конце концов, RCA построила комнату, полную электроники — отчасти по, возможно, сомнительным причинам военного времени — но при этом в конечном итоге придумала что-то под названием Electronic Music Synthesizer Mk1.

По своим возможностям он был почти похож на секвенсор — можно было определять тембр нот, громкость, огибающую и т. д. — но на самом деле он предназначался для создания формулы хитов, своего рода робота Stock Aitken & Waterman своего времени. .

К счастью, от этой концепции отказались, но идея создания звука в электронном виде была воспринята, и версия Mk2 была разработана в Columbia-Princeton Electronic Music Center и использовалась для создания музыки, такой как Time’s Encomium Чарльза Вуоринена, которая в конечном итоге выиграла. Пулитцеровская премия в области музыки.

Терменвокс

Терменвокс 1920-х годов — уникальное устройство в электронной музыке, используемое не столько для создания звуков, сколько для их исполнения. Хорошо, его жуткий тон немного уникален, но он занял свое место в истории музыки — особенно в ранних научно-фантастических мелодиях и мелодиях Beach Boys — во многом благодаря этому довольно атмосферному тону и способу его создания.

(Изображение предоставлено Getty Images)

Исполнитель может изменять высоту и громкость звука, просто перемещая руку вверх и вниз и дальше от устройства.История его изобретения и популярности похожа на фильм и заслуживает отдельной книги.

Какой бы увлекательной она ни была, эта история идет по пути, отличному от курса синтезатора (фактически почти в параллельном измерении), хотя, как и синтезатор, теперь вы можете создавать звук терменвокса в программное обеспечение, а также современные аппаратные версии, в частности Moog Theremini.

Musique concrète

Концепция musique concrète играет важную роль в истории производства электронной музыки, не в последнюю очередь потому, что она заставила людей мыслить и сочинять совсем по-другому, по сравнению с использованием традиционных нот, тембров и гамм.

\ Первоначально популяризированный Пьером Шеффером в середине 20-го века, чья работа привела к формированию Groupe de Recherches de Musique Concrète и Groupe de Recherches Musicales, она привлекла бы таких, как Пьер Булез, Пьер Анри, Карлхайнц Штокхаузен. и Яннис Ксенакис для сочинения произведений с использованием найденного звука и более конструктивного подхода к созданию музыки.

Штокхаузен и Булез также использовали принципы случайности в композиции, что также было принято Джоном Кейджем (который, как известно, перевернул всю экспериментальную философию конкретной музыки с ног на голову — или основы — выпустив запись продолжительностью 4 минуты и 33 минуты). секунды тишины.А почему бы не?).

Musique concrète в конечном итоге примет технологии и вдохновится ими, и их влияние просочится в популярную музыку через Фрэнка Заппу, The Beatles и Pink Floyd, с элементом случайности, также классно принятым и адаптированным Брайаном Ино в его Oblique Strategies. подход к композиции.

Ино продолжил использовать конкретную философию в некоторых из своих ранних альбомов, таких как On Land, что привело к термину «эмбиент-музыка», который, хотя и уходит своими корнями в звуки и атмосферу этих ранних альбомов, в конечном итоге довольно спокойно и красиво дрейфуют, создавая собственные поджанры холодной электронной музыки.

Помимо музыкальных влияний, вы даже можете утверждать, что musique concrète гораздо глубже, влияя на большую часть фактических музыкальных технологий, появившихся с 70-х годов — многие из методов синтеза, DSP и сэмплирования в гораздо большем долгу перед философия musique concrète и ее бескомпромиссный подход к обработке и обработке звука.

Под музыку — 60-е!

В самом начале 1960-х подлинная история синтезатора начинается по-настоящему.Пол Кетофф был инженером в RCA, поэтому знал кое-что о синтезе из их ранних экспериментов. Он разработал инструмент под названием Syn-Ket в 1962 году для американского композитора Джона Итона. Однако он не был коммерчески доступен — несмотря на то, что Эннио Морриконе использовал его для музыки к своим фильмам — и потребовались два человека, Дон Букла и Роберт Муг, чтобы донести синтезатор до масс.

В 1960-х электронные компоненты становились все меньше и доступнее, поэтому больше не требовалось помещение размером с RCA для размещения суперкомпьютера, способного создавать звук и управлять им.Тогда электронная музыка могла быть только в зачаточном состоянии в этом десятилетии, но она вот-вот должна была стать мейнстримом, с небольшим количеством популярных композиторов и одним или двумя избранными новыми синтезаторными инструментами.

Букла и Муг должны взять на себя ответственность и прославиться как крестные отцы современного синтезатора и самой музыки. В 1960-х они оба по отдельности разработали модульные синтезаторные системы с регулируемым напряжением, которые, несмотря на свою дороговизну, смогли стать доступными для некоторых крупных музыкальных имен того времени.

The Beatles, Фрэнк Заппа и The Beach Boys баловались с ранними синтезаторами, хотя, возможно, первое чистое и тотальное электронное произведение — на самом деле, ценность целого альбома — появилось благодаря Венди Карлос, чей «Switched-On Bach» воссоздал произведения Иоганна Себастьяна Баха с помощью одного из модульных синтезаторов Боба Муга. Теперь мы действительно начали сильно раскачивать трассы.

В конце 60-х другие художники осознали идею Moogs и Buchlas. Первый состав Kraftwerk, известный как Organisation, и другие немецкие рок-группы до-Kraut переживали более психоделическую фазу, но теперь они были одними из первых, кто принял Moogs и изменил ход музыкальной истории, когда мы переместились в 1970-е.

Рэймонд Скотт

Рэймонд Скотт был описан как «аудиоверсия Энди Уорхола», но в значительной степени остался за кулисами истории электронной музыки. Он был композитором и технологом, и хотя его музыка лицензировалась в мультфильмах, фильмах и мюзиклах, возможно, его электронные исследования являются его самым большим наследием.

Он был одним из первых, кто придумал объединять ноты в последовательность с помощью машины, способной воспроизводить звуки. Он изобрел Electronium в 60-х годах, устройство, окутанное тайной, но это был синтезатор и генеративный музыкальный продюсер — возможно, первая рабочая станция, но почти наверняка один из первых клавишных синтезаторов.

(Изображение предоставлено Getty Images)

Скотт и Боб Муг также работали вместе, и последний, которого сейчас широко считают крестным отцом синтезаторной музыки, назвал Скотта одним из самых влиятельных людей. В прошлом году Google выпустил отличный справочник по электронной музыке, который дает Скотту то место, которого он, несомненно, заслуживает в ее истории.

Progress to pop

Как в Великобритании, так и в Штатах рок принимал более прогрессивный оборот, и вскоре клавишники, такие как Кит Эмерсон, Рик Уэйкман и Джефф Даунс, стали первыми приверженцами синтезаторов, хотя вместо того, чтобы создавать новые электронные звуки, они предпочитал подражать существующим и играть с ними длинные — возможно, слишком длинные — соло.

Венди Карлос поддерживала более классическую сторону электронной музыки с темой печально известного фильма Кубрика 1971 года «Заводной апельсин», но в 1974 году Kraftwerk наконец собрали свои синтезаторы, чтобы создать один из определяющих треков, нет, альбомов, Жанр.

Autobahn было его названием, а заглавный трек отличался на многих уровнях. Он был почти полностью электронным — за исключением флейты и гитары — в нем также использовались вокоды, электронная перкуссия и, конечно же, синтезаторы, не говоря уже о том, что он длился более 22 минут.Возможно, только электронная музыка как жанр могла быть провозглашена альбомом каверов на песни Баха и мелодией о автомагистрали, но как музыкальная сила она должна была остаться.

(Изображение предоставлено Corbis)

Жан-Мишель Жарр

Жан-Мишель Жарр, должно быть, чувствовал себя довольно одиноким в 70-х. В то время как Эмерсон, Уэйкман и Даунс играли на синтезаторах, как волшебники в масках, а «Лига» и «Такси» исследовали внутренности машин, как ученые, Жарр просто хотел создавать чистую синтезаторную музыку с пышными мелодиями, аккордами и запоминающимися мелодиями; ничего слишком экспериментального, но и ничего слишком макаронного.Он хотел использовать раннее секвенирование, и он хотел быть популярным без попсы, и с альбомом Oxygene он, безусловно, добился того, чего желал.

Эта шедевральная запись и сингл Oxygene ( часть IV ) стали его введением в высшую лигу. Записанный, среди прочего, на VCS3, ARP 2600, Eminent 310 и Korg Mini Pops на кухне Жарра (!) с использованием VCS3, ARP 2600, Eminent 310 и Korg Mini Pops, он считается одним из определяющих альбомов в электронной музыке, но на самом деле существует в единственной категории с пометкой «Жарр».Есть саундтреки Вангелиса и Венди Карлос, да, и популярная синтезаторная музыка, но загадочный французский композитор застрял где-то посередине. Ну или вообще везде.

Сейчас он занимается саундтреками и электронной танцевальной музыкой (см. его гораздо более поздние совместные работы), у него все еще есть хиты, он может играть для миллионов людей на смехотворно огромных концертах под открытым небом. Он использует «лазерную арфу», черт возьми!

Да Жан-Мишель Жарр с его освоением всех технологий, старых, новых и, возможно, даже не изобретенных, и его способностью пробовать себя почти во всех электронных жанрах, весьма вероятно, является совершенным синтезаторным музыкантом.Он неуместен во времени, как физически, так и музыкально, но он, безусловно, заслуживает отдельной главы (или, по крайней мере, пока этой коробки) в истории электронной музыки. На самом деле вся музыка, если уж на то пошло. Настоящая легенда синтезаторной музыки.

(Изображение предоставлено Getty Images)

Родился в Великобритании

По мере развития 70-х годов Великобритания стала играть все более важную роль в развитии синтезаторной музыки. Kraftwerk, конечно же, бросил перчатку в Германии, но Брайан Ино уже насмехался над своими коллегами-клавишниками в прогрессив-роке, экспериментируя с синтезаторами и создавая найденные звуковые текстуры в студии.

Он был чудаковатым, гламурным, серьезным и «необычным», и он вознес Roxy Music в чарты, Боуи пошел по косвенным и электронным путям со своим берлинским трио альбомов, и изобрел эмбиентную музыку, какой мы ее знаем, и все в пространство всего за несколько лет в этом десятилетии.

Между тем, малоизвестный факт в истории электронной музыки заключается в том, что часть ее основного развития в 70-х годах была связана не с достижениями в области синтетических технологий или диковинным творчеством ее исполнителей, а на самом деле вплоть до образования молодежной мастерской. в Шеффилде под названием Meatwhistle.

Здесь объединились не одна, а четыре влиятельные группы (в конце концов). Местная молодежь Шеффилда с более творческим видением поощрялась практически во всех аспектах музыки и исполнения, вдохновляя друг друга и приводя — в большей или меньшей степени — к формированию Clock DVA, Cabaret Voltaire, The Human League и Heaven 17.

(Изображение предоставлено Getty Images)

Первые два ранних альбома League теперь рассматриваются как два электронных шедевра, созданные холодной антиутопической версией группы, которая позже будет править поп-чартами в 80-х, но чье влияние в конце 70-х наверняка дойдет до других артистов, если не до публики, покупающей пластинки.

The Cabs, тем временем, были панк-электронной группой Шеффилда, заложившей сталь в Шеффилде, и, наряду с Clock DVA, теперь считаются не только влиятельными, но и закладывающими основу для крупных электронных лейблов, которые появятся позже, включая собственный могучий Шеффилдский Warp. Рекорды.

Версия Ultravox Mk1! также были одними из первых пользователей синтезаторов в 70-х, особенно ARP Odyssey, одной из классических машин того десятилетия. Эта бригада студентов арт-хауса под руководством Джона Фокса перешла от глэма Roxy к электронике в течение трех альбомов и короткого промежутка времени, но этого было достаточно долго не только для того, чтобы подтолкнуть Фокса к сольной карьере, которая произвела один из лучшие чисто электронные альбомы всех времен (Metamatic), но также оказали влияние на некоего Гэри Уэбба.И именно этот молодой человек в конце десятилетия вынесет электронную музыку из театральной мастерской на театральную сцену.

Это популярно!

Гэри, ныне Нюман, был панк-рокером в годы своего становления, но в тот самый момент, который войдет в историю электронной музыки, когда Kraftwerk впервые проехал по автомагистрали, однажды он отправился в студию, чтобы записать панк-гитарный альбом, обнаружил уже включенный синтезатор Moog, нажал ноту и был так тронут, что выбросил все гитары на своем следующем альбоме и заменил их синтезаторами.

Что, как говорится, приятно. После того, как он выпустил трек Are ‘Friends’ Electric? у нас внезапно появился синти-поп как жанр, и все, не в последнюю очередь сам Нуман, были потрясены этой новой силой в музыке.

До тех пор музыка, в которой использовались синтезаторы, была новой (см. Hot Butter’s Pop Corn), саундтреком (см. Wendy Carlos), новой и саундтреком (см. Jean-Michel Jarre) или Kraftwerk (см. Kraftwerk). Теперь это было популярно, очень популярно, и это было британское. В основном. У него были запоминающиеся мелодии, вокал, песни.Это была попса. Синти-поп!

Годы поп-музыки

Шар для боулинга Ньюмана из синтезаторной песни Are ‘Friends’ Electric? откроет десятилетие синти-попа, но пока он брал славу, другие синти-группы харкали кровью. OMD из Ливерпуля уже создавали потрясающие синтезаторные мелодии, используя паршивые дешевые клавишные и драм-машину под названием Winston.

Как бы они ни завидовали Нуману, его успех открыл дверь для ряда хит-синглов для них и многих других, а они, в свою очередь, повлияли на другую икону электронной музыки, которая заслуживает не одного, а, возможно, трех главы в истории ЭМ.

Винс Кларк услышал ранние би-сайды OMD и понял, что синтезаторы были подходящим способом для его формирующих композиций, и 40 лет спустя он все еще собирает машины для их создания.

За эти четыре десятилетия ему удалось сформировать Depeche Mode, Yazoo и Erasure, и со всеми тремя из них удалось добиться странного успеха. Винс, вероятно, самый культовый автор синти-попа, которого мы когда-либо знали («Просто не могу насытиться», «Любовь, чтобы ненавидеть тебя», «Иногда и только ты»).

(Изображение предоставлено Getty Images)

И, спустив на воду хороший корабль Depeche Mode, он проскользнул по сходням до того, как его рейс действительно начался, оставив капитанство (хорошо, мы оставим эту аналогию сейчас) Мартину Гору. И там, где Винс может претендовать на высшие поп-почести, Гор, безусловно, может претендовать на, ну, запекшуюся кровь. Его более думовый, но в то же время воодушевляющий микс из написания песен держит Depeche на вершине мира вот уже четыре десятилетия. Есть ли более успешная электронная группа?

Тем не менее, хотя мы можем обвинить Ньюмана, Лигу людей, OMD, Кларка, Фокса и Джарра в том, что они донесли звук синтезатора до масс, мы также должны отдать должное производителям машин, потому что, если бы они не Если бы не резкое снижение цен на оборудование в конце 70-х и 80-х, этого десятилетия синти-попа не было бы.

Большая тройка японских игроков Roland, Yamaha и Korg вмешалась, чтобы перехватить славу у преимущественно американских игроков, таких как Sequential, Oberheim, Moog и ARP; их машины продавались по минимальным ценам, вот и все. Синтезаторы из линеек Roland Juno и Jupiter, Korg MS, Mono и Poly оставили свой след, но именно Yamaha CS-80 стал первым синтезатором, определившим один или два саундтрека.

(Изображение предоставлено Future)

Созданный в 70-х годах, да, этот синтезатор широко использовался греческим композитором Вангелисом и был саундтреком к какому-то малоизвестному фильму о беге — «Огненные колесницы» — но, что более важно (для гиков вроде нас), саундтрек научно-фантастического фильма, определяющего эпоху и жанр.«Бегущему по лезвию» потребовалось много лет, чтобы исполнить свое предназначение, и через множество различных версий, но все они имели невероятно завораживающий саундтрек Вангелиса, который был бы невозможен без этого чудовищного полисинтеза от Yamaha.

Какой бы популярной ни была работа Вангелиса, на самом деле синти-поп сделала не поп-музыка, и за это мы можем поблагодарить всех, от Blancmange до Pet Shop Boys, от Eurythmics до Human League Mk2, от a-ha до Soft Cell. , Buggles to New Order и многое (многое) другое.Синти-поп был популярен, но только на относительно короткое время, прежде чем технологии изменили звук, и вкусы людей отошли от его пышных аналоговых корней к более цифровому блеску.

Синти-поп утратил аналоговый блеск, и 80-е уступили место помпе, року, SAW и темным временам. Да, совершенно новые цифровые синтезаторы, опять же от крупных игроков, продаваемые миллионными тиражами — M1 от Korg, DX7 от Yamaha и D-50 от Roland изменили рекорды — но они в основном использовались для воспроизведения «настоящих» звуков, а не электронных. аналоговый расцвет музыки.

В конце концов потребовалось совершенно иное стечение обстоятельств, чтобы по-настоящему вернуть электронную музыку на передний план. И это будет совершенно новая версия и видение…

Электронная танцевальная музыка

Сейчас на этот термин смотрят с ужасом в некоторых кругах танцевальной музыки, но оригинальная «электронная танцевальная музыка», те часто незаконные повторяющиеся биты, которые зародившиеся в середине-конце 80-х, были спасителями электронного звука.

Как и многие движения, и действительно, как и наша история синтезаторных музыкальных машин выше, существует множество диких историй о его происхождении, но вы можете с уверенностью сказать, что, хотя Kraftwerk и принимал участие, истоки танцевальной музыки – например, рок-н- рулон до этого — определенно были чернокожими и базировались в США.

Нью-йоркское диско, чикагский хаус, хип-хоп и детройтское техно были универсальными лейблами и исполнителями, такими как Африка Бамбаатаа (хип-хоп), Фрэнки Наклз, Фарли «Джекмастер» Фанк, ди-джей Джесси Сондерс и Маршалл Джефферсон (хаус). , Phuture и Sleezy D (Acid house), Juan Atkins, Derrick May, Kevin Saunderson (техно) и многие другие заслуживают высоких пьедесталов.

Как и такие инструменты, как Roland TB-303 Bass Line и драм-машины TR-808 и 909. Следует подчеркнуть, что Roland не делал эти инструменты для танцев — модель 303 появилась задолго до танцев в 1983 году, разработанная как машина для басового аккомпанемента, — но артисты, упомянутые выше, и многие другие, нашли эти дешевые подержанные барабаны. машины и синтезаторы и превратили их в новый определяющий мир жанр (и во многие-многие поджанры).

Электронные биения и визги, издаваемые механизмом Roland, были уникальной силой. Такие группы, как New Order и Pet Shop Boys, принесли танцевальные звуки из Штатов в Европу и в мейнстрим, а в сочетании с — следует также отметить — наркотиками того времени помогли танцевальной музыке распространиться из пригородов американских городов на Ибицу. Манчестер, Шеффилд, Лондон, Берлин и не только. 90-е стали десятилетием, запустившим миллион новых танцевальных жанров, не говоря уже о миллионе зачастую неожиданных продюсеров.

Удивительная электронная музыка 90-х

90-е, конечно, были хороши для электронной танцевальной музыки, но было и другое движение замедленного трип-хопа, которое, возможно, не всегда было таким электронным по своей природе – семплы приходили отовсюду – но его дух «сделай сам» определенно заимствован из электроники. Помимо более очевидных главных героев — посмотрите что-нибудь из Massive Attack — вы можете найти потрясающие работы таких артистов, как DJ Shadow, Air, Björk, Howie B, Laika, Lamb и многих других.

Если говорить об электронной подсказке, то почти все, что делали Underworld, Orbital, Pentatonik, Plaid, Moby, The Chemical Brothers и LFO этого десятилетия, заслуживает внимания. что-нибудь среднее между ними. Мы также упомянули Warp Records: просто посмотрите их компиляцию искусственного интеллекта, в которой участвуют все, от Autechre до Алекса Паттерсона из The Orb, чтобы увидеть прекрасный кусочек андеграундной жизни 90-х.

Безликое техно

В небольшой вариации классической фразы «если ты помнишь 60-е, значит, тебя там не было», можно сказать, что «если бы ты был в курсе всех танцевальных жанров 90-х и 2000-х». произведено, вы, вероятно, сверхчеловек».Благодаря BPM танцевальная музыка превратилась из даба в D&B, из трип-хопа в счастливый хардкор.

Ничего не выходило за рамки, чем возмутительнее или быстрее удары в минуту, тем лучше. Были звезды и мейнстримные хиты — включая Orbital, Prodigy, Leftfield и Massive Attack, — но подавляющее большинство DIY-продюсеров, которых тысячи производили музыку относительно дешево, были безликими и исчезали так же быстро, как требовалось для производства музыки. отслеживать, прессовать и продавать 1000 белых этикеток.

Были бессмысленные споры о том, что лучше — мы, очевидно, сторонники чистоты джунглей — и в конечном итоге танцевальная музыка должна была развиваться, и некоторые говорили, что растворяет во что-то совершенно новое.Он неловко сдвинулся под собственным весом — и, конечно же, заработанными деньгами. Ди-джеи-суперзвезды родились и жили в частных самолетах, и по сей день они поднимают руки и крутят ручку громкости перед десятками тысяч… и обналичивают чек.

По иронии судьбы, большим препятствием была продажа электронной музыки обратно в Штаты, поэтому «электроника» и «EDM» стали новыми универсальными фразами. Новыми звездами стали Дэвид Гетта, Скриллекс, Кэлвин Харрис, Тиесто и deadmau5. Звук стал массивным, полным дабстеповых вихляний и басовой линии, ну, баса.

И синтезаторы стали жестче… и мягче. Massive с соответствующим названием, наряду с Serum, стали наиболее широко используемыми синтезаторами в производстве электроники, оба сделаны в программном обеспечении, но оба звучат так же громко, как и все, что сделано с настоящими электронными компонентами.

21 век

Наша история концентрируется на некоторых основных направлениях электронной музыки в этом столетии, таких как танцевальная музыка и электронная танцевальная музыка, но многие другие артисты также заслуживают упоминания, и, конечно же, есть еще много андеграундных групп, которые нужно искать. .

И электронная музыка в этом столетии действительно, как и следовало ожидать, охватывает весь спектр музыки, от поп-музыки The Killers, Future Islands и Chvrches до экспериментальных композиторов, таких как Jenny Hval, Boards of Canada и (в свое время все равно) М83.

Еще есть некогда электронные продюсеры, прорвавшиеся из карьеры в мейнстрим: Джон Хопкинс по-прежнему широко известен своими чрезвычайно динамичными электронными работами, а также балуется мелодиями с Ино и Coldplay, а Уильям Орбит ушел из электроники Strange Cargo. к наградам с Мадонной – целое путешествие в книге любого электронного музыканта.

Кроме того, есть много исполнителей, которые воссоединили точки и купили электронное звучание в актуальном состоянии, бесстыдно кивая в прошлое. Уилл Грегори и Голдфрапп, безусловно, помогли вернуть «аналог» в синтезаторе, LCD Soundsystem и Daft Punk взяли элементы всего электронного и просто сделали их крутыми, в то время как Ульрих Шнаусс время от времени возвращался к Tangerine Dream, прежде чем фактически стать Tangerine Dream.

Наконец, более двух миллиардов потоков Spotify не могут быть ошибочными.The Weeknd’s Blinding Lights, пожалуй, самая громкая синти-поп-мелодия за последние пару лет, она была номером один в мире и разошлась тиражом столько же копий, сколько любая синтезаторная песня. Он хорошо передает свои корни 80-х — эти риффы могли быть взяты из любого сингла a-ha или OMD — и доказывает, что электронная музыка в чистом виде жива, здорова и так же популярна, как и прежде.

Итак, где мы сейчас?

В 21 веке не только большие басы и EDM, но быть в курсе любой музыки сейчас, особенно в таком широком жанре, как электронная музыка, одновременно безнадежно и очень многообещающе; есть и слишком много и что-то для всех.

При желании вы можете отследить любой жанр — от электронного готик-рока до эмбиент-даб-н-бейса, от чиптюн-техно до модульного синти-попа — на любом из многочисленных потоковых сервисов (хорошо, мы не пробовали те, но вы поняли).

Электронная и синтезированная музыка теперь используется повсюду: от сластей чистой поп-музыки (кто-нибудь из The Weeknd?) до обжигающих саундтреков, от ретро-тем (очевидно, «Очень странные дела») до экспериментальных саундскейпов в видеоиграх, от пост-рока до универсальных саундтреков. рок и поп.На самом деле, вы можете поспорить с последними жанрами, что вся музыка в наши дни синтетическая — в конце концов, она, как правило, искусственно создается в компьютерах, но давайте не будем открывать эту конкретную банку с червями.

И все эти виды музыки существуют, потому что любой продюсер может выпустить свою музыку в этой среде DIY. В нашем распоряжении бесчисленное множество инструментов для создания музыки — например, можно написать целую главу о синтезаторах Eurorack — и это проще, чем когда-либо. Вы можете получить полноценную студию звукозаписи на Mac, ПК, планшете или даже телефоне; музыку можно делать буквально где угодно и выпускать практически на чем угодно.

Но удовольствие от выпуска собственной музыки без каких-либо ограничений, связанных с контрактом на запись, омрачается тем фактом, что, по иронии судьбы, все меньше крупных звукозаписывающих компаний и традиционных средств массовой информации фильтруют огромное — и мы имеем в виду огромное — количество музыки там. Это море шума, но в нем вы также можете ориентироваться.

Электронная музыка и история синтезаторов столь же сложны, как и определение жанров, которые они создали, но в этом их красота и привлекательность.Поиск так же удивителен, как и открытие: больше артистов, включая вас, используют синтезаторы, создают и распространяют музыку на платформах для более широкой аудитории, чем когда-либо прежде.

120 лет электронной музыки — история электронных музыкальных инструментов с 1800 по 2019 год

120 Years of Electronic Music * — это проект, который описывает и исследует историю и развитие электронных музыкальных инструментов примерно с 1880 года. Этот проект определяет «Электронный музыкальный инструмент» как инструмент, который генерирует звуки из чисто электронного источника, а не электромеханического или электроакустического (однако границы этого определения становятся размытыми, скажем, с генераторами Tone Wheel и манипулированием магнитной лентой). Musique Concrete эпохи).

Пожертвовать!

«120 лет электронной музыки» всегда был и, надеюсь, всегда будет бесплатным и открытым ресурсом. Сайт в течение многих лет бесплатно размещался компанией SPC London ; Пожалуйста, рассмотрите пожертвование на оплату хостинга, чтобы этот проект оставался бесплатным для всех:

Спасибо!
Саймон Краб – 120 лет электронной музыки

Этот проект посвящен изучению основных тем проектирования и разработки электронных инструментов до 1970 года, поэтому он не является исчерпывающим списком последних коммерческих синтезаторов или программных пакетов.Помимо создания бесплатного энциклопедического педагогического ресурса по истории электронной музыки (и интересного списка для любителей синтезаторов), мой главный интерес состоит в том, чтобы раскрыть и исследовать музыкальные, культурные и политические нарративы в рамках исторической структуры, а также проанализировать успехи и достижения. неудачи электронного музыкального «проекта», например;

Способы взаимодействия исполнителей и композиторов: Атональность и просто интонация как тема в инструментальном дизайне.

Идеи, изложенные в «Очерке новой эстетики музыки» Ферруччо Бузони (1907 г.), вдохновили целое поколение композиторов на исследование микротональности и разнообразия интонаций, а «Об ощущениях тона» Германа фон Гельмгольца (1863 г.) физики звука, предполагающей возможность создания неограниченной палитры тонов и форм за пределами ограничений традиционных инструментов.Это привело непосредственно к разработке нескольких новых инструментов; Телармониум Тадеуса Кэхилла (1897 г.) и Sphäraphon Йорга Магера (1920-е гг.) среди многих других, в которых исследовались новые формы взаимодействия, освобождающие композитора и музыканта от «тирании» фиксированной темперированной клавиатуры фортепиано (которая в начале проектирования электронных музыкальных инструментов была сравнительно недавний стандарт). Хотя этот эксперимент был в конечном итоге обречен из-за коммерческого давления на разработчиков инструментов с целью создания имитации существующих инструментов с фиксированной темперированной шкалой для популярной музыки, эта концепция сохранилась до 1960-х годов в «серьезной» экспериментальной музыке эпохи Электронная музыкальная студия; GRM, Милан, WDR, Columbia-Princeton Electronic Music Center и т. д.и даже Moog (в оригинальных инструментах) и модульные синтезаторы Buchla. Совсем недавно интерес к атональности и неручному управлению вновь проявился с программным синтезом и языками аудиокомпьютеров.

Новые инструменты композиции: композиция без музыканта

Помимо разработки новых моделей физического интерфейса, другим направлением исследований было использование электронных музыкальных инструментов, чтобы освободить композитора от проблем, связанных с исполнителями и исполнением; удаление музыканта из процесса музыкального производства, позволяющее композитору создавать чистые, неподдельные музыкальные концепции.Когда это было впервые предложено — впервые предложено в России в 1930-х годах Авраамовым, а затем «Электрическим оркестром» Ханерта (1945), «Свободной музыкальной машиной» Перси Грейнджера (1948) и синтезатором ANS Мурзина), — эта концепция считалась крайней, утопической и недостижимой. и встретил значительную враждебность со стороны традиционалистов. Эта цель в основном была достигнута с помощью цифрового программного обеспечения, но как это повлияло на композицию?

Исследование дихотомии между радикальной культурой и радикальными социальными изменениями: роль авангарда в политических движениях

После большевистской революции 1917 года в России возникло утопическое авангардное движение, вдохновленное идеями футуризма и анархизма, которое включало радикально новую музыку и перформанс.Была написана новая, атональная музыка, возникли новые виды театра и изобретены новые инструменты, чтобы создать этот утопический век; Арсений Авраамов дирижировал огромной симфонией сирен с участием военных кораблей, заводских гудков и артиллерии и предложил уничтожить все фортепиано под свободную музыку фиксированной тональности. Было предложено, чтобы новая научная культура заменила старый архаичный культурный строй, вызванный новыми электронными инструментами и научными исследованиями звукового и зрительного восприятия (этот период довольно подробно освещен в прекрасной книге Андрея Смирнова «Звуки в Z»).Большевистское правительство, традиционалистское в душе и обеспокоенное отсутствием контроля над этим анархическим движением, подавило его, заменив управляемой пропагандистской культурой возвышенного народного социалистического реализма; многие из бывших авангардов были убиты, заключены в тюрьму или отброшены на второй план на всю оставшуюся жизнь.

Точно так же в ранний период существования нацистской Германии (с 1933 г.) правительство Гитлера предприняло шаги, чтобы принять футуризм и модернизм (например, Берлинская выставка футуристов Маринетти в 1934 г., спонсируемая Геббельсом и нацистской организацией Kdf, и последний берлинский Баухауз перед его открытием). изгнание в США).Модернизм был ключевым компонентом фашизма и раннего национал-социализма; технология продвигалась как национал-социалистический принцип; Volkswagen («Народный автомобиль»), Autobahn’s, Film, Mass-Entertainment (контролируется через организацию Kdf «Сила через радость») и электронная музыка; первый оркестр электронной музыки «Das Orchester der Zukunft» на спонсируемом нацистами Берлинском IFA в 1933 году. Опять же, это авангардное движение было окончательно подавлено в пользу консервативной фашистской поп-культуры в конце 1930-х годов.


‘120 Years Of Electronic Music’ – это постоянный веб-проект, инициированный в 1995 году автором и музыкантом [email protected] Проект полностью некоммерческий и самофинансируемый.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.