Цветомузыка прометей. Цветомузыка Прометей: история создания и принципы работы светомузыкального аппарата Скрябина

Как работает цветомузыка Прометей, созданная Скрябиным. Какие принципы лежат в основе светомузыкального аппарата. Как развивалась идея синтеза музыки и цвета после Скрябина. Где сегодня можно увидеть цветомузыкальные представления.

Рождение идеи цветомузыки: замысел Александра Скрябина

Идея соединения музыки и цвета зародилась у композитора Александра Скрябина в начале XX века. Обладая цветным слухом, Скрябин стремился воплотить свои синестетические ощущения в реальном художественном произведении.

В 1910 году Скрябин создает симфоническую поэму «Прометей», в партитуру которой впервые в истории музыки вводит партию света — Luce. Композитор разработал систему соответствий между тональностями и цветами:

• До мажор — красный
• Соль мажор — оранжево-розовый
• Ре мажор — желтый
• Ля мажор — зеленый
• Ми мажор — голубой
• Си мажор — синий
• Фа-диез мажор — ярко-синий

Для исполнения световой партии Скрябин задумал специальный аппарат — «световую клавиатуру». Однако технические возможности того времени не позволили полностью реализовать замысел композитора.

Устройство светового аппарата «Прометей»

Первый светомузыкальный аппарат для исполнения «Прометея» был сконструирован в 1962 году в Музее А.Н. Скрябина. Он представлял собой:

• 12 цветных ламп, соответствующих 12 тонам хроматической гаммы
• Систему управления яркостью ламп в зависимости от громкости звучания
• Экран для проецирования цветовых эффектов

Принцип работы аппарата заключался в следующем:

1. Звуковой сигнал разделялся на 12 частотных полос
2. Каждой полосе соответствовала определенная лампа
3. Яркость свечения ламп менялась в зависимости от громкости звучания в данной полосе частот
4. На экран проецировались цветовые пятна, сливающиеся в единую световую картину

Такой принцип позволял достаточно точно передать замысел Скрябина по синхронизации музыки и цвета.

Развитие идей Скрябина в XX веке

Идеи синтеза музыки и цвета, заложенные Скрябиным, получили развитие в творчестве многих композиторов и художников XX века:

• Василий Кандинский создавал абстрактные картины, вдохновляясь музыкальными произведениями
• Игорь Стравинский экспериментировал с цветовым сопровождением своих балетов
• Оливье Мессиан разработал собственную систему соответствий между звуками и цветами
• Композитор-авангардист Карлхайнц Штокхаузен использовал цветовое освещение в своих произведениях

В 1960-70-е годы появляются первые электронные светомузыкальные инструменты и устройства для создания цветомузыки. Идеи Скрябина находят воплощение в новых технологических формах.

Современные светомузыкальные представления

Сегодня идея синтеза музыки и света воплощается в различных формах:

• Лазерные шоу на концертах популярной музыки
• Мультимедийные инсталляции современных художников
• Светомузыкальные фонтаны
• Видеомэппинг на фасадах зданий под музыкальное сопровождение
• Интерактивные светомузыкальные инсталляции в музеях и галереях

Музей А.Н. Скрябина в Москве регулярно проводит светомузыкальные концерты с исполнением «Прометея» на воссозданном световом аппарате. Это позволяет зрителям погрузиться в уникальный художественный мир, задуманный композитором более века назад.

Влияние идей Скрябина на современное искусство

Концепция синтеза искусств, разработанная Скрябиным, оказала значительное влияние на развитие современного искусства:

• Появление мультимедийных форм искусства, объединяющих звук, свет, видео
• Развитие иммерсивных художественных пространств
• Эксперименты с синестезией в современной музыке и живописи
• Использование цвета и света как самостоятельных выразительных средств в театре и кино
• Создание интерактивных инсталляций, реагирующих на звук

Идеи Скрябина о единстве звука и цвета, воплощенные в «Прометее», стали важной вехой в истории искусства и открыли путь для новых форм художественного синтеза.

Технологии создания современной цветомузыки

Современные цветомузыкальные системы значительно отличаются от аппарата, задуманного Скрябиным, но сохраняют основной принцип синхронизации звука и цвета:

• Компьютерный анализ звукового сигнала в реальном времени
• Использование светодиодных RGB-светильников с возможностью создания миллионов оттенков
• Программирование сложных световых эффектов и анимаций
• Применение лазерных проекторов для создания объемных световых картин
• Интеграция видеопроекций и маппинга в светомузыкальные шоу

Эти технологии позволяют создавать впечатляющие светомузыкальные представления, воплощая идеи синтеза искусств на новом технологическом уровне.

Перспективы развития цветомузыки в будущем

Развитие технологий открывает новые возможности для создания синтетических форм искусства, о которых мечтал Скрябин:

• Использование виртуальной и дополненной реальности для создания иммерсивных цветомузыкальных пространств
• Разработка нейроинтерфейсов, позволяющих напрямую транслировать музыкальные образы в визуальные
• Создание персонализированных цветомузыкальных систем, учитывающих индивидуальные особенности восприятия
• Интеграция тактильных и ольфакторных эффектов в светомузыкальные представления
• Использование искусственного интеллекта для генерации уникальных аудиовизуальных композиций

Эти направления развития цветомузыки продолжают идеи Скрябина о создании всеобъемлющего синтетического искусства, воздействующего на все органы чувств человека.

Как Александр Скрябин открыл миру светомузыку

Философ и музыкант Александр Скрябин был человеком разносторонним: попытки соединить несколько видов искусства в единое целое привели к созданию светомузыки. Именно ей, основанной на способности человека ассоциировать звук с цветом, музыкант посвятил большой период своего творчества. Александр Скрябин стал первым, кто в истории мировой музыкальной культуры совместил в одном произведении звук, цвет и свет.

Что такое «цветной слух»

В конце XIX века музыкально-цветовой синестезией ученые называли разновидность хроместезии или «цветного слуха», то есть особенности, при которой музыкальные звуки вызывают у человека определенные цветовые ассоциации. «Цветным слухом» обладали многие музыканты: русские композиторы Н.А. Римский – Корсаков, А.А. Кенель и Б.В. Асафьев, литовский художник и композитор М.К. Чюрленис, француз О. Мессиан и австриец А. Шенберг. Каждый музыкант «видел» тональности, окрашенными по-разному. Например, у Б.В. Асафьева ре-мажор приобретал изумрудный оттенок, а у Н.М. Римского-Корсакова он был золотистым. Ре-бемоль мажор в представлении А.А. Кенеля был лимонно-желтым, в то время как Б.В. Асафьев изображал его красным, пылающим словно огненное зарево.

Система «раскрашивания» музыки у каждого композитора тоже была своя. Н.А. Римский – Корсаков делал музыку очень изобразительной, наделял ее «графической звукописью», основываясь на собственных чувствах и задумках, тогда как австрийский композитор Арнольд Шенберг сопоставлял краски с музыкальными тембрами различных инструментов симфонического оркестра.

Синтез искусств

Благодаря способности «цветного слуха», Александр Николаевич Скрябин создал собственную систему цветотональности, в которой обозначил до-мажор красным цветом, ре-мажор — желтым, соль-мажор — оранжево-розовым, а ля-мажор — зеленым. В специальной таблице композитора первые тональности полностью повторяли цветовую гамму радуги, остальные обозначались производными цветами.

Еще до создания своего первого светомузыкального произведения А.Н. Скрябин при описании музыки часто использовал световые метафоры. В одном из эпизодов Сонаты №3, созданной в 1898 году, автор «объяснял» музыку через выражение «здесь звезды поют». А ремарки «светоносно» и «мрачно» он применял в своей «Божественной поэме», которую писал с 1902 по 1904 года. Полностью воплотить замысел синтеза искусств композитору удалось в 1910 году в музыкальной поэме «Прометей» («Поэме огня»), которая стала первым светомузыкальным произведением в мировой истории.

Титульный лист партитуры «Поэмы огня», художник Жан Дельвиль. Из фондов Музея А.Н. Скрябина

Загадка световой строки

По замыслу А.Н. Скрябина, Прометей олицетворял собой символ творческого начала, образ ницшеанского «сверхчеловека», который на пути к идеалу преодолевает все трудности и препятствия. Александр Николаевич хотел визуально воссоздать в произведении «образ пламени» — некоего очистительного огня, способного привести человечество в царство счастья и красоты. И для этого композитор «изобрел» новые музыкальные средства выразительности — свет и цвет, которые воплотил в «световой строке».

Для исполнения поэмы «Прометей» нужны были оркестр, хор, орган, фортепиано и специальный световой аппарат. Последнему отводилась особая роль – воспроизвести партию света «Luce», в которой обычными нотами были записаны условные обозначения цветов. В партитуре произведения А.Н. Скрябин расписал «световую строку» для исполнения двумя голосами. Верхний голос был более подвижным и отвечал за смену гармонии. Нижний – за философскую составляющую. В световой строке также доминировали два цвета – фиолетовый и красный. Первый ассоциировался со сферой духа и нематериальным началом, второй выступал как его противоположность и обозначал материю. По задумке композитора, в конце партии света происходил выход за пределы материального мира, поэтому финал произведения был решен в фиолетовом цвете. А систему всего «Прометея» музыкант представлял в виде кольца «дух-материя-дух».

Трудности исполнения светомузыки

Первое исполнение «Прометея» состоялось в марте 1911 года в Москве под управлением дирижера Сергея Кусевицкого, за фортепиано сидел сам А.Н. Скрябин. Но на московской премьере для зрителей не сыграли «световую строку» – в последний момент Александр Николаевич сделал в партитуре «Поэмы огня» пометку: «Может исполняться без световой строки». Композитор объяснил это тем, что светомузыкальный аппарат не успели изготовить в срок, так как его устройство оказалось слишком сложным для воплощения.

Из-за отсутствия необходимой техники «Прометей» долгое время исполнялся как обычная симфоническая поэма. Однако близкие друзья Александра Николаевича все же могли увидеть «Поэму огня» с цветом и светом, но только в домашних условиях. По эскизам композитора его друг, профессор А.Э. Мозер, сконструировал модель светового аппарата «Прометей». Это был деревянный круг с двенадцатью разноцветными лампочками и кнопочной приставкой. Семь лампочек располагались в последовательности чередования цветов спектра, а остальные пять соединяли крайние спектральные цвета, обеспечивая переход от одного оттенка к другому. Этому кругу соответствовал квинтовый тональный круг, согласно которому каждая нота имела свой цвет. Световой круг А.Н. Скрябин подвесил к потолку в своем кабинете. Во время игры за кнопочной панелью сидела жена композитора Татьяна Шлецер и «сопровождала» фортепианные партии Александра Николаевича световыми эффектами.

Первый в мире светомузыкальный аппарат, созданный по задумке А.Н. Скрябина его другом, инженером А.Э. Мозером. Из экспозиции Музея А.Н. Скрябина

И все же такой световой круг был несовершенен. Во времена Скрябина использовались лампочки накаливания, которые изначально обладали желтым спектром, поэтому достичь нужного цветового оттенка было очень сложно. Более того, с помощью обычных лампочек невозможно было плавно «перевести» один цвет в другой, например, красный в желтый. Как и плавно изменить напряжение — заставить одну и ту же лампочку гореть или более тускло, или более ярко. Работа с домашним световым кругом создавала много проблем, поэтому было необходимо создать более совершенный световой аппарат, чтобы исполнять произведения не только в кругу друзей, но и для широкой публики.

«Прометей» со световой партитурой в исполнении академического симфонического оркестра Санкт-Петербургской филармонии, Петербургского камерного хора, Концертного хора Санкт-Петербурга. Дирижер — Николай Алексеев, солист — Мирослав Култышев, художник по свету — Александр Кибиткин.

---

Материал подготовлен совместно с Музеем А.Н. Скрябина и МОСГОРТУРом.

Цветомузыка Скрябина как символ начала новой эпохи | Все статьи | Планета талантов

Александр Николаевич Скрябин – выдающийся русский композитор, не поместившийся в рамки своей эпохи. Недооцененный в свое время, философ, символист, романтик и художник с тончайшим мироощущением, положил прочный фундамент для развития искусства в XX-XXI в.в.
 

Земля

Я пришел поведать Вам 
Тайну жизни. Тайну смерти, 

Тайну неба и земли.

(А.Н. Скрябин)

 

Земной путь композитора начался 6 января 1862 года в семье дипломата Николая Александровича Скрябина. Воспитывала мальчика тетя – Любовь Александровна, которая и стала потом обучать его музыкальной грамоте. С 1882 года Александр Скрябин регулярно занимается композицией и игре на фортепиано, а в 1888 году поступает в Московскую консерваторию и заканчивает ее как блестящий пианист. Он начинает гастролировать со своими концертами по Европе и Америке. Скрябин-пианист уже тогда заслужил горячую любовь публики и положительные отзывы от своих коллег.

 Ему была присуща шопеновская манера исполнения – легкость звучания, четкая артикуляция. Александр Николаевич создавал невесомое звучание благодаря прекрасному владению педалями, музыка буквально растворялась в воздухе, или как говорил сам композитор «дематериализовалась».

 В конце концов, Скрябин излишне перегрузил свою руку, и на время ему пришлось приостановить исполнительскую деятельность.

 

Воздух

Зефир дыханием ласкает 

Листву стыдящихся мимоз, 
А запах нежно-страстных роз 
К любовной неге призывает.

(А.Н. Скрябин)

 

Ситуация с рукой позволила ему всерьез заняться композицией. В этот период под влиянием творчества Шопена Скрябин больше сосредотачивается на малых жанрах – ноктюрнах, мазурках, экспромтах, этюдах. Его ранние сочинения очень тонкие, светлые, воздушные, романтичные.

Только послушайте Прелюдию H-dur1894-1895 г.г. Это очень трогательное произведение, с еще «чистой» гармонией. В нем можно «услышать» солнечный день, невесомые лучи, играющие в ажурных занавесках и лазурное небо.

 

http://nlib.org.ua/ru/mp3/piano/949

Но в это же время он сочиняет Первую сонату для фортепиано, которая отличается от других его произведений не только крупной формой.  Она стала условным завершением раннего периода творчества и ознаменовала собой переход к более зрелым темам. Музыка в ней приобретает трагически-патетические ноты.

 

http://classic-online.ru/ru/production/254

 

 

Вода

Существо твое
Охватила уже
Легкая,
Как призрак мечты,
Волна
Моего существования.

(А.Н. Скрябин)

 

Средний период творческой деятельности Скрябина приходится на начало XXвека – 1903- 1908 г. г. В это время в научной сфере происходит настоящий бум: совершается множество открытий в области биологии, психологии, точных наук, появляются новые философские течения – все это породило в обществе всплеск интереса к мистике и иррационализму.  Подобные воззрения привлекли внимание впечатлительного Скрябина, и он всерьез увлекается новыми идеями.

Александр Николаевич считает началом всех начал именно Природу, а именно – ее Творческую силу. Он считает, что сочетание звуков, цветов, запахов может стать настоящим произведением искусства. Композитор начинает мыслить масштабно, и вместе с этим масштабируются и его произведения. Началом нового периода творчества стала Четвертая фортепианная соната и Третья симфония.

 

Соната для фортепиано №4 http://classic-online.ru/ru/production/193

 

Как вода может принимать различные состояния, так и творчество Скрябина на этом этапе преобразуется в новые формы, приобретает другие, более сложные очертания.  
В то времякомпозитор начинает экспериментировать с новой гармонией и ритмами.

Симфонию №3 сам композитор назвал «Божественной поэмой». Она стала синтезом сонатно-симфонического жанра и симфонической поэмы и несет в себе философский характер. Каждая часть симфонии имеет свое символическое название – «Борения», «Наслаждения» и «Божественная игра».

 

Симфония №3 http://classic-online.ru/ru/production/314

 

И конечно, еще одним шедевром скрябинского творчества является «Поэма экстаза». Ее называют образцом выражения позитивных эмоций и переживаний. Впрочем, послушайте сами:

http://www.youtube.com/watch?v=wudbNL0ZgaA

 

Огонь

Когда звезда моя пожаром разгорится,
И землю свет волшебный обоймет,
Тогда в сердцах людей огонь мой отразится,
И мир свое призвание поймет.

(А. Н. Скрябин)

В позднем творчестве Александра Николаевича в полной мере отражаются его философские воззрения и воплощаются в новых причудливых формах искусства.  Центральное место в произведениях композитора в то время занимает образ Огня. В 1911 году московская публика впервые услышала новое во всех смыслах произведение – Поэму огня, или Прометей. Это масштабное, грандиозное творение, в котором  Прометей является скорее символом энергии вселенной, творчества, борьбы, силы, огня, мысли, стихийности,  которые выражаются в новой уникальной гармонии – «прометеевском» аккорде. Для усиления выразительности автор прибегает к совершенно неожиданному способу – он вводит партию света. Некоторые считают, что Александр Николаевич был синестетом, то есть мог «видеть» музыку. Каждая тональность для него имела свой уникальный цвет и принадлежность к «земному» или «духовному». Например, красный (до мажор) – цвет и тональность ада, синий (фа-диез мажор) и фиолетовый (до-диез мажор) – цвета и тональности разума. Ни для кого не секрет, что его уникальное изобретение до их пор пользуется большой популярностью, и скорее всего сейчас воспринимается нами как нечто обыденное. Но тогда оно намного лет опережало свое время. К сожалению, Скрябин так не смог при жизни осуществить свой замысел именно из-за технической неоснащенности. Зато сейчас мы владеем потрясающими техническими возможностями (от которых Александр Николаевич пришел бы в восторг) и воплощаем его идеи в жизнь:

http://www.youtube.com/watch?v=V4BG42JBa7g

 

Самым важным и масштабным его творением должна была стать «Мистерия» — уникальное действо, объединяющее все виды искусства – музыку, хореографию, архитектуру, свет, поэзию. Своим произведение композитор хотел преобразить человека и все сущее.

«Мистерия» — это мечта творца о новом мире, в котором человек, преодолев страдания, становится богом. Увы, эта задумка была слишком сложной, поэтому превратилась в более реальную идею – «Предварительное действо», которое, однако, композитор так и не смог завершить из-за внезапной смерти. Это произошло 27 апреля 1915 года.

 

Несмотря на то, что его идеи были слишком радикальны для того времени и не всегда принимались его современниками, Александр Николаевич дал мощный толчок в развитии искусства. Его философия, поиски новых средств изобразительности, стремление объединить различные виды искусства стали источником вдохновения для современных творческих людей. С уверенностью можно сказать, что лазерное шоу на концертах, световое сопровождение на дискотеках, современные перформансы берут свое начало именно в идеях выдающего русского композитора – Александра Скрябина.

 

Арина Граханцева

Искусство и наука о Скрябине

История музыкального эксперимента одного из старейших музеев Москвы берет начало в новаторских замыслах своего героя – Александра Николаевича Скрябина. Первым революционным сочинением в мировой культуре стал «Прометей. Поэма Огня» для большого симфонического оркестра, рояля, органа и хора. В партитуру этого сочинения композитор впервые в истории музыки ввел партию света с помощью световой строчки Luce.

Первый в мире светомузыкальный аппарат, созданный по задумке А.Н. Скрябина его другом, инженером А.Э. Мозером. Из экспозиции мемориального музея

«Прометей» в переводе с древнегреческого означает «провидец». И именно «провидец»— наиболее точный эпитет в отношении Скрябина в истории культуры. В какую бы область музыкального искусства он не углублялся, — он становился новатором. Он опередил не только свое время, но и предвосхитил развитие современного искусства, его свето- и цветомузыка стала предшественницей современных мультимедийных шоу, а его идея с объединением человечества воплощается сегодня повсеместно – в интернете, в социальных сетях и в мобильной связи.

Титульный лист партитуры «Поэмы огня» работы знаменитого бельгийского художника Жана Дельвиля. Из фондов мемориального музея

Между тем, пожалуй, самым грандиозным замыслом композитора осталась идея создания «Мистерии». Она, по эскизам Скрябина, должна была свершиться единственный раз в воздвигнутом специально для нее большом храме в Индии, и сочетать в себе все виды искусств и даже запахи. Весь мир должен был стать участником грандиозного представления, достигнуть творческого экстаза, дематериализоваться, перестать существовать и возродиться в новом духовном качестве. Со временем композитор, очевидно, начал осознавать невозможность реализации своего грандиозного замысла. После его кончины линию эксперимента продолжила дочь композитора Мария Александровна Скрябина.

Страница из партитуры «Предварительного действа». Из фондов мемориального музея

Мария Скрябина была научным сотрудником музея в 1941 – 1957 годах. Увлеченная идеями теософии и антропософии, она организовала здесь занятия эвритмией и декламацией, а в конце 1940-х годов увлекалась идеей «световой симфонии». В этот период Мария Александровна активно сотрудничала с инженером Евгением Александровичем Мурзиным, который развил идеи композитора.

Мария Александровна Скрябина и ее светомузыкальная сфера. Из фондов мемориального музея

В 1957 году Е.А. Мурзин запатентовал первый в мировой истории фотоэлектронный оптический музыкальный инструмент, который переводил изображение в звук. Машина получила название «АНС» – по первым буквам инициалов великого композитора.

Е.А. Мурзин и его изобретение. Конец 1950-х гг.

«АНС» вызвал огромный интерес у мировой общественности и музыкантов. Вокруг него начала формироваться студия электронной музыки. Здесь работали молодые композиторы, ставшие затем музыкантами с мировым именем: Э. Артемьев, А. Волконский, С. Крейчи, А. Шнитке, Э. Денисов, С. Губайдулина, А. Немтин, Ш. Калош и В. Мартынов.

Московская Экспериментальная Студия электронной музыки открылась в 1966 году. Специально для ее работы расселили коммунальную квартиру, занимавшую в то время первый этаж в здании музея композитора. Со временем в Студии был создан «Сферический Скрябинский зал» для проведения цветомузыкальных экспериментов. После смерти Е.А. Мурзина в 1970 году деятельность Студии стала постепенно угасать к концу десятилетия. Однако история эксперимента, новых технологий и науки о Скрябине на этом не завершилась.

Пластинка с записями участников студии

В 2010 году по инициативе директора Музея Скрябина — Александра Лазарева, был сформирован молодежный совет, из резерва  которого в 2013 году был создан отдел специальных проектов. Одним из самых ярких проектов отдела с 2013 по 2016 годы стала медиа-лаборатория Scriabin Lab.

Фестиваль ScriabinFest в Парке Горького, 2013 год. Из фондов мемориального музея

Главной целью лаборатории стал поиск инновационных технологий для реализации творческих замыслов А.Н. Скрябина, визуализации его музыки и философских идей, объединения  различных видов искусств,  создания светомузыкальных экспериментов, инсталляций и перформансов на площадках музея и города. Об успешности этого проекта говорит тот факт, что аудитория мероприятий Scriabin Lab за три года составила больше 40 000 человек.

Церемония открытия «Дома Скрябина» в 2013 году. Андрей Коробейников играет в сопровождении визуализации. Из фондов мемориального музея

В 2016 году отдел специальных проектов, отдел по концертно-просветительской работе и отдел по продвижению музейного продукта объединились в отдел творческих проектов. Главной задачей отдела стало формирование нового имиджа музея в городском пространстве, представление музея активным, современным, развивающимся культурным центром. Отдел обратился к наследию Скрябина и архивным фондовым материалам музея. Бережное отношение к истории и использование инновационных технологий позволили музею не только проводить реализовывать интересные проекты в рамках собственной площадки, но и выйти за пределы своих стен в пространство города и активно формировать новую городскую среду.

Выставочный проект «Графические партитуры современных композиторов», 2016 год. Из фондов мемориального музея

Популяризация наследия А.Н. Скрябина, реализация его экспериментальных идей композитора современными медиа-художниками и композиторами, а также представление самых ярких проектов музея на крупных фестивалях, площадках культурных центров, парков, музеев и пешеходных формируют новый взгляд на русскую музыкальную культуру и привлекают новых посетителей в старейший музей города.

Богатая история и большой опыт музея в сохранении, развитии традиций и воплощении идей композитора делают музей одним из ярчайших пространств Москвы и мирового музейного сообщества.

Общегородская акция «Ночь в музее». Внутренний двор музея. 2018 год. Из фондов мемориального музея

смотрим музыку с удовольствием — цветомузыкальный плагин Прометей

смотрим музыку с удовольствием —

цветомузыкальный плагин Прометей

Лет двадцать-тридцать назад советской промышленностью и радиолюбителями изготовлялись цветомузыкальные установки для получения большего эстетического удовольствия от прослушивания музыки. В настоящее время я таких устройств в продаже не встречаю, а собирать самому, как я это несколько раз делал в молодости, что-то неохота, тем более что музыку я сейчас слушаю исключительно на компьютере и, по логике, программы, выполняющие функции цветомузыкального сопровождения, должны были бы быть в природе. .. вроде должны были бы быть…, но полноценных программ такого назначения я пока не встречал ни разу.

Но вот недавно мне прислали плагин к Winamp, его название «prometeus», или «Прометей». Как пишет его автор:
«это достойное развитие обычных советских цветомузыкальных установок, работа которых основывалась на разделении спектра сигнала на несколько полос и присвоении каждой из полос своего цвета. Лампочки располагались на панели в виде какого-либо узора, и всё довольно красиво мигало и переливалось. Название «Прометей» происходит как раз от такой цветомузыки — был в детстве у меня такой радиоконструктор. В наш век, когда на компьютере реализовано всё, я решил внести свой посильный вклад в это дело — сделать простой и очень эффектный «Прометей», который будет по крайней мере в корне отличаться от большинства известных модулей визуализации. Вы увидите, что это действительно так.»
(примечание: в этой программе частотный диапазон разделяется на восемь каналов)

Установка и настройка: скачайте и распакуйте файл prometeus.zip. Скопируйте файл vis_prometeus.dll из этого архива в подкаталог «Plugins» каталога»C:\Program files\Winamp». После очередного запуска Winamp модуль (плагин) появится в списке модулей визуализации. Настройки плагина вызываются кликом левой кнопкой по его экранчику:

Опция «Select mode» — выбор режима работы, при этом можно нажать «Full screen»
Выбор режима «SmartDraw» уменьшает загрузку процессора на несколько процентов.
Движок «Lights falloff» регулирует скорость затухания фонариков (лампочек).
Движок «Sensitivity» управляет чувствительностью.
Кнопка «Randomize presets» позволяет сгенерировать случайное расположение «лампочек».
Кнопка «Restore presets» должна возвращать все «фабричные» установки панелей на свои места. Но я этого не заметил…
Движок «Render delay» — задержка сигнала, подбирается на каждом компьютере индивидуально по файлу test.mp3 из архива плагина (на моих компьютерах находится в пределах 0-3 деления)

---

Улучшение световой картинки

Хотя изображения «лампочек» выполнены аскетично, за счёт чего просто пялиться в экран на их моргание не доставляет особого удовольствия, в самой программе есть потенциал, который можно и необходимо реализовать.

Наилучшим вариантом было бы переписать программу так, чтобы она на другом принципе реализовывала цветосмешение и рисование цветового узора, но т.к. я не программист, то могу рационали­зировать её только физически. Для этого я применяю специальные экраны, которые размещаю перед монитором.

Первый экран представляет собой прозрачный светорассеиватель от промышленного люминес­центного светильника. Изображения «лампочек» Прометея, проходя сквозь светорассеиватель, преломляются на его микропризмах, смешиваясь и набегая друг на друга, что значительно улучшает восприятие этой цветомузыки.

Но наилучшие результаты получаются, если использовать экран из матового молочного оргстекла. Единственным недостатком в этом случае является то, что это оргстекло частично приглушает яркость монитора и смотреть эту цветомузыку необходимо в полной темноте.
Посмотреть картинку, рисуемую через него, можно скачав файл 2117.avi (объём файла 36Мб.), правда съёмка сделана с медленного комп-а с помощью цыфромыльницы, поэтому смена картинки не совпадает с музыкой и динамический диапазон изображения недостаточен. Но видно, что так смотрится гораздо лучше, чем изображения моргающих «лампочек» на мониторе.

Из имеющихся режимов опции «Select mode» мне понравился «Large diagonal» на «Full screen» при использовании матового экрана — получаемая при этом картинка несколько напоминает северное сияние с ритмически изменяемыми по ширине цветными полосами. Интересные эффекты получаются при смене расположения «лампочек» кнопкой «Randomize presets» в любом режиме.

Домашняя страница программы http://saanvi.ru/. Cкачать архив prometeus.zip (объём файла 0,16 Мб.).

Если вам известна программа, более качественно выполняющая цветомузыкальные функции, пожалуйста, сообщите о ней мне на E-mail. Благодарю.

Дополнение: цветомузыка на Андроид — Look At Music 

Нравится

выйти в раздел:

«Статьи о звуковоспроизводящих устройствах» «Статьи о Winamp»

Copyright © Полубоярцев А. В.

Казанский репортер: ​«Прометей» накануне революции!

В Казани открылась выставка, посвященная основателю НИИ экспериментальной эстетики «Прометей» Булату Галееву. Журналист Айрат Бик-Булатов рассуждает о наследии казанского гения видеоарта и будущем его работ.

То, что происходит с «Прометеем» сейчас – можно назвать настоящей медийной революцией! Не все это осознают. Для многих казанцев, даже знающих примерно историю сперва студенческого КБ, а потом одноимённого «НИИ экспериментальной эстетики» – «Прометей» остался лишь чем-то из казанских шестидесятых, знаком эпохи в одном отдельно взятом городе…

Булат Галеев – вожак украинской светомузыки!

И вот я разговариваю с московским искусствоведом Кириллом Светляковым, куратором выставочных проектов Третьяковской галереи и одним из кураторов нынешней выставки (открытой в Галерее современного искусства ГМИИ РТ с 17 сентября). Его эпитеты: «пещера сокровищ Алладина»; «Атомный взрыв!» – про наш «Прометей». Глаза у него горят, он уже видит будущую новую выставку, которую организует для «Прометея» в самой Третьяковской галерее через годик-другой: «Даже если мы сумеем хоть в половину воспроизвести и показать нынешним российским и мировым зрителям ту экспозицию, что была развёрнута здесь, в Казани, под эгидой «Прометея» ещё в 1987-м – это будет бомба!»

Но и другой куратор нынешней выставки Янина Пруденко (крупнейший специалист по украинской светомузыке, недавно выпустившая монографию) – сейчас тоже готовит большую выставку в Москве с участием объектов «Прометея». Она может пройти в новом пространстве, ещё только стартующем: галерея «ЭТА» (Экология-Технологии-Арт) планирует открыться в Москве, на Таганке в 2021 году, и, видимо, сразу же с выставки с участием «Прометея».

Янина Пруденко утверждает, без Булата Галеева и его команды – такого феномена как «советское светомузыкальное искусство», закрепленного нынче уже в крупнейших энциклопедиях и антологиях мира, представленного на авторитетнейших фестивалях и выставках. .. именно без Галеева и кᵒ, такого феномена просто не существовало бы. И далее неожиданно: не существовало бы как явления и украинского светомузыкального искусства (главный объект научного исследования Янины Пруденко). По сути, оказывается, Галеева можно назвать главным вожаком и объединителем деятелей украинского медиа-арта (ещё один неформальный титул в огромную копилку его имён и званий)! Об этом не знали мы, и кажется, не подозревал и сам Б. Галеев…

И вот, когда видишь теперь, что кураторы двух столиц (Я. Пруденко представляет Киев) нарасхват готовы и жаждут делать выставки с использованием объектов «Прометея», то понимаешь перед нами что-то очень серьёзное, и даже гораздо серьёзнее, чем мы тут привыкли об этом думать. Это явление, действительно, мирового уровня, интерес к которому у мира не только не угас, но может именно сейчас и разгорается с новой силой! Отметим, что оба названных авторитетных куратора познакомились с работами и деятельностью «Прометея» относительно недавно, уже не успев застать в живых скончавшегося в 2009 году нашего маэстро, гения из Казани, академика Булата Махмутовича Галеева, к 80-летию со дня рождения которого приурочена нынешняя выставка в Государственном музее изобразительных искусств РТ.

Янина Пруденко на закрытой экскурсии для местных искусствоведов называет Булата Галеева «человеком эпохи Ренессанса», точно повторяя формулировку, которую когда-то услышал я от вдовы (уже тогда) и многолетнего соратника Булата Махмутовича, музыковеда-профессора Ирины Леонидовны Ванечкиной. Я брал интервью, это был мой первый фильм о них и первый журналистский подступ к «Прометею», мы сидели в квартире, где в шкафах были десятки толстых папок, Ирина Леонидовна поясняла: «Бери сейчас любую папку – и вот вам готовая диссертация!», в папках – исследования Галеева, много, по самым разным темам, его научный кругозор поражал воображение…

Булат Галеев – художник с мировым именем. Но Казань ещё не в курсе

– Булат Галеев в качестве культурного гения и мирового художника не вошёл ещё в массовое сознание казанцев, – считает куратор из Третьяковки Кирилл Светляков. – Для многих он скорее такой инженер, математик, конструктор приборов, которые сейчас вытеснены компьютерами… но он художник и по складу ума, и ощущению мира. Конечно, многие вещи и разработки «прометеевцев» оформлены как объекты научной системы, он ведь имел техническое образование (выпускник физмата Казанского пединститута – А.Б.), и под крышей КАИ получил базу для реализации своих идей.

Кирилл Светляков – искусствовед, и для него Булат Галеев, прежде всего, художник, «Галеев – это такой режиссёр-мультипликатор, режиссёр художников, собиравший их вокруг себя», а Янина Пруденко, второй куратор – сама учёный, автор монографий, и для неё Булат Галеев – прежде всего человек науки, занимающийся искусством… Вообще, это похоже на известную притчу про слепых, которых попросили описать слона, и одному на ощупь дали хобот, другому уши, третьему ноги, а четвертому хвост… Булат Галеев необъятен, и можно рассматривать его как физика, инженера, техника, конструктора приборов для космоса, «прометеевцы» общались с Королёвым, космонавтом Леоновым, сделали специальный аппарат для релаксации космонавтов (в коробочке на экране движутся цветные пятна света), но он же одновременно служит и индикатором возможных неполадок на корабле. Это один из известных приборов прометеевцев, и он представлен на выставке.

Можно и как философа-культуролога рассматривать Галеева, и тогда рядом с ним появляются вдруг фигуры таких медиа-теоретиков как Вальтер Беньямин, автор ставшего классическим труда «Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости» (1936) и Маршалл Маклюэн, известнейший канадский философ масс-медиа. В одной из книг о Галеева в предисловии называются именно эти имена. Отметим здесь – Галеев среди прочего – автор «периодической системы современных искусств», этакой «таблицы Менделеева» для искусств нового времени, и подобно Дмитрию Ивановичу, он оставлял в своей таблице пустые клеточки, для будущих элементов – новых искусств, которым ещё только предстоит возникнуть.

Но вот эта-то всеохватность, необъятность Галеева парадоксальным образом и мешает нам его увидеть и описать. В самом деле, ну вот если взять даже только с искусствоведческой стороны – деятельность Булата Галеева, его сподвижников-художников по «Прометею» до сих пор плохо описана искусствоведами, не определено чётко их место в мировом искусстве…

Кураторы от искусства до сих пор не «прочитали» Галеева

Фраза Светлякова о том, что в массовом сознании казанцев до сих пор нет Галеева как художника с мировым именем, включённого в контексты всемирного искусства, равно как и всей группы «Прометей» как такого явленного феномена – обидна, но верна. Мы более менее знаем, чем интересовался Галеев в искусстве, его эксперименты с музыкой Скрябина, Свиридова, Губайдуллиной… его почтение и любовь к художнику Кандинскому, с творчеством каждого из названных – «прометеевцы» взаимодействовали: составляли партитуры света, либо делали свето-музыкальные фильмы, когда пульсары света разных цветов и в разных движущихся траекториях взаимодействовали с музыкой, либо картинами, либо и тем, и другим в совокупности…

Мы знаем «Прометей», занимавшийся с начала 1960-х темой светомузыки и вопросами синестезии (это когда раздражение одного органа чувств вызывает в то же самое время ощущения, соответствующие другому чувственному органу, например, цветной слух), но мы не знаем, какое место занимали собственно «прометеевцы» в мировом художественном процессе. Мы до сих пор, говоря о «Прометее», низводим всё сугубо к романтике «Оттепели», увлечению космосом, стилягами, джазом (что, конечно же, правда, но мало помогает нам увидеть мировое значение галеевцев, их диалог и место среди других главнейших течений и направлений искусства ХХ века). И в лучшем случае у нас получается такой образчик местной казанской интеллектуально-культурной жизни 60-х годов, и наши искусствоведы до сих пор ещё не предложили нам в связи с «Прометеем» контекста более широкого, чем этот, выводящего деятельность «Прометея» за рамки провинциального казанского контекста оттепельных лет в общемировой процесс развития искусств.

Янина Пруденко об этом же: «Говоря о деятельности «Прометея» – мы же сами её мало исследовали, она не репрезентирована до сих пор… И вот приезжает итальянский профессор Джеуза и вписывает, наконец, для нас наш «Прометей» в мировой арт-контекст, включает в антологии, выделяет соответствующее место… (исследователь видеоарта Антонио Джеуза появился в Казани в середине 2000-х, ещё успел застать живого Б. Галеева и поучаствовать в некоторых мероприятиях «Прометея» — А.Б.). Итальянец делает за нас нашу работу! Это же диагноз! Это же столько говорит о деградации института кураторства в России! Мы должны сами уметь описывать наши явления, то, что сделал профессор Джеуза замечательно, но должна быть полифония в исследованиях, наука не терпит авторитарности, она любит дискуссию!»

И вот – медийная революция, о которой я говорил в самом начале, кажется, происходит на наших глазах, российские искусствоведы всерьёз берутся за «Прометей» (напомню, речь теперь именно о составляющей искусства, об искусствоцентричной оптике смотрения на «Прометей», мы пока отставляем на время наукоцентричный взгляд, и говорим о «Прометее» как о явлении искусства и его месте в мировом искусстве, объяснению которого частично посвящена уже нынешняя казанская выставка).

В разговорах искусствоведов начинают всплывать имена художников и групп, являющиеся контекстными для «Прометея», и кроме знакомых лишь специалистам имён западных светохудожников и светомузыкантов, представителей кинетического искусства и проч., вдруг мы с изумлением и радостью обнаруживаем советских конструктивистов 1920-1930-х годов (круг Маяковского, Родченко), Пабло Пикассо (от которого отталкивались, но с которым и спорили), знаменитую московскую выставку абстракционистов 1959 года («С ней тогда все носились, но потом всё заглохло, художники просто не знали, что с этим дальше делать, а в Казани – абстракционизм превратился в светомузыку, и когда в стране при Хрущёве началась очередная волна борьбы с абстрактным искусством, которое в то время принято было называть «формализмом», Булату Галееву здесь удалось отстоять своё детище, ему приходилось на многих собраниях объяснять товарищам коммунистам, что светомузыка – искусство революционное, связанное с научно-техническим прогрессом.

Очень ему помогало, что «Прометей» находился при Казанском авиационном институте и позиционировал себя как научное конструкторское бюро. Под крылом науки этому виду абстрактного искусства удалось выжить в Казани, доводя эти ряды до оп-арта (оптическое искусство) и поп-арта. Когда при определении места «прометеевцев» в искусстве начинают рядом возникать имена Кандинского, Пикассо и Уорхола – даже дилетантски сведущему в искусстве интеллигенту становится понятен уровень явления.

Как в 2000-е «Прометей» открыли заново…

В начале нынешней выставки устроителями установлены плакаты с временной шкалой – все значимые события в жизни «Прометея» по годам, начиная с 1962. И вот, если до 1996 года события происходили каждый год, то после – наблюдается драматический провал: следующая отсечка после 1996 – 2000, а потом – 2004 и 2007. Практически 10 лет после развала СССР «Прометей» находился в кризисе. И именно в это время я только и узнал о нём (в девяносто шестом мне было 16), в 2009 не стало Булата Махмутовича Галеева, и я прекрасно помню интонации тех лет при разговоре о «Прометее», примерно такие: «А ведь был у нас когда-то «Прометей», на весь Союз гремел, экскурсии водили…», как такое древнее ретро, которое, увы, сходит на нет… тогдашних московских кураторов-искусствоведов «Прометей» тоже не слишком интересовал, что же случилось?

Ну опять Запад! В начале 2010-х окончательно выделилось новое научное направление «медиа-археология», крупнейшие представители – финские теоретики новых медиа – Эркки Хухтамо и Юси Паррика (ключевые работы были изданы в 2011). Медиа-археологи часто проявляют большой интерес к так называемым «мертвым медиа», отмечая, что новые медиа часто оживляют и рециркулируют материалы и методы коммуникации, которые были утеряны, забыты или затемнены.

Известно, что большинство разработок «Прометея», их приборы и эксперименты со светом, фильтрами, плёнками, через которые этот свет проходил, преобразуясь, и приобретая неожиданные эффекты, – были созданы ими в докомпьютерную эпоху. Удивительно, во многих отношениях их работы были намного совершеннее компьютерных. Ирина Ванечкина рассказывала мне такой случай, как на одной международной выставке цифрового искусства «прометеевцы» дошли до финала, и по мнению экспертов, должны были победить, как вдруг их сняли с конкурса, когда обнаружили, что всех эффектов им удалось добиться без применения электронных компьютерных программ, а с использованием плёнки и более допотопных технологий, которые они научились виртуозно использовать в своих целях. И вот на том конкурсе эти уникальные разработки не прошли в финал, а теперь – к ним приковано внимание всего мира!

Начали актуализироваться и возвращаться к жизни некоторые классические разработки «Прометея», под это дело – находилось теперь финансирование и спонсоры. Так в 2015 году с помощью американского медиахудожника Питера Кирна, основателя сайта о креативных технологиях createdigitalmusic.com, преподавателя The City University of New York Graduate, был восстановлен и переосмыслен (с добавлениями компьютерного управления) уникальный светоинструмент «Кристалл» (конструкторы — Булат Галеев, И. Галиуллин, Р. Даминов, А. Салахиев, Р. Сайфуллин и другие, время создания: 1966), сразу же произведший фурор в Европе. «Он представлял собой октаэдр с кубом внутри из матового оргстекла. Внутри куба располагался еще один октаэдр, на котором размещены 168 ламп накаливания, окрашенных в четыре цвета (красный, желтый, зеленый и синий). Для управления им имелся специальный небольшой пульт с маленькими квадратиками клавиш. Свет мог заливать весь восьмигранник и куб, перемещаться, перекачиваясь в разных направлениях. Особенно впечатляла специально предусмотренная большая амплитуда динамики света: от едва настороженно брезжущего до ослепительно яркого, когда октаэдр был похож на большой сверкающий драгоценный камень», – поясняла нынешний руководитель «Прометея» Анастасия Максимова. И это отнюдь не единственный пример.

– Работы группы Галеева уникальны по качеству света, – утверждает Кирилл Светляков, – такого качества светового потока невозможно добиться на компьютере и современными лазерными технологиями, свет «прометеевцев» – живой, тёплый. Сейчас, в компьютерную эпоху, в экспериментах с цветным светом очень много сенсорики, зрители как бы оказываются внутри светового потока, а там это больше был такой свето-кинетический театр.

По выражению одного из ведущих отечественных художников-кинетов Вячеслава Колейчука, кинетическое искусство – это вид художественного творчества, в котором заложена идея движения формы, причем не просто физического перемещения объекта, но любого его изменения, трансформации, любой его «формы жизни». По мнению художника, кинетизм возник как область, для которой существенным был выход в нетрадиционные формы искусства и использование межвидовых способов воздействия на зрителя. Напомним, что еще в 20-х годах прошлого века изобретатель терменвокса Лев Термен, проводил эксперименты по сочетанию музыки и обоняния».

Легендарного Термена Булат Галеев привозил в Казань в середине 1980-х, работы Колейчука выставлялись на большой выставке «Прометея» в 1987, ставшей навигатором для нынешней выставки, где Вячеслав Колейчук тоже представлен.

«Прометей». И только он!

Светляков выделил ряд особенностей именно казанской группы по сравнению с другими лидерами кинетического искусства в Советском Союзе. «Во-первых, это связь с производством. Москвичи (например, Колейчук) также тыкались в производство для реализации своих идей, но их туда не пускали, а Булату Галееву это удалось, «прометеевцы» ведь получали медали на выставках ВДНХ, их приборы заказывали на заводы, например, для организации комнат релаксации для заводов, или индикаторы контроля за рабочим состоянием оборудования. Искусство и тогда и сейчас ещё не встретилась с производством, и пример Галеева – редкий. На выставке, кстати, представлены дизайнерски выполненные советские рекламные афиши приборов «Прометея» для выставки на ВДНХ, и я вообще считаю их уже готовыми произведениями искусства! Рисованной рекламы в конце ХХ века вообще не так много, а тут ещё в сочетании с общей геометрией афиши, линиями, шрифтами текста, отсылками к конструктивизму 1920-х и работам Энди Уорхола… (несколько афиш на черном фоне выстраиваются как бы в повторяющуюся серию черно-цветных объектов, превращающихся от совместного расположения в такую своеобразную поп-арт инсталляцию – А. Б.).

– И вот, в этой смысле, – продолжает К. Светляков, – можно подумать и о состоянии сегодняшнем нашей индустрии, наших производств и заводов, сейчас уже трудно представить, что наши заводы заказывают светомузыкальные или иные артистические установки для релаксации своих рабочих или иных целей, потому ещё, что зачастую сами индустрии находятся в кризисе в нашей стране.

Во-вторых, особенность «Прометея» – это музыкальная доминанта. Вспомним, сама история «Прометея» начиналась с первого в Советском Союзе исполнения в 1962 году симфонического сочинения Скрябина с партией света. Скрябин обладал свойством цветного слуха, и хотел, чтобы его музыка была не только слышима, но и видима, он вставил в партитуру своего сочинения световую строку (luce), пучки света разных цветов должны были сочетаться с музыкой… и впервые это смогли осуществить на совместном вечере студенты Казанской консерватории и студенты КАИ…

Музыка так и осталась таким камертоном для разработок «Прометея», важнейшей в этой связи была деятельность Ирины Ванечкиной в «Прометее» как музыковеда и профессора. Группа Галеева создавала свето-музыкальные инструменты. В обывательском представлении, светомузыка – это такие светящиеся шары для дискотек, но инструменты галеевцев были гораздо сложнее и принципиальнее, дискотечные шары пускают пучки света хаотично, а приборами Галеева – художник управляет, это именно инструмент, работающий в том режиме, который устанавливает сам владелец. То есть для светомузыкальных инструментов «прометеевцев» можно сочинения писать, хоть симфонии! И они писались! А также инструменты эти использовались и при исполнении известных музыкальных сочинений классических композиторов.

На нынешней выставке представлены партитуры сочинений Римского-Корсакова, Скрябина и других композиторов-классиков с включёнными туда партиями света, от руки вписанными в партитуры в виде разноцветных линий обладающим цветным слухом профессором Санкт-Петербургской консерватории М.С. Заливадным.

Третья особенность и специализация «Прометея» – свето-музыкальные фильмы, самый знаменитый из которых – «Маленький триптих» – визуализация светом музыки Георгия Свиридова. В светомузыкальных фильмах «прометеевцы» активно исследуют сам материал медиа-носителя, свойства киноплёнки, делали из плёнки дополнительные фильтры, совмещали их между собой, исследовали химические свойства закрепителей и проявителей фотографии… На нынешней выставке впервые в таком объёме были представлены живописные эскизы к «Маленькому триптиху» выполненные ближайшим среди художников сподвижником Булата Галеева Надиром Усмановичем Альмеевым, лишь часть из этих работ выставлялась на упомянутой большой выставке 1987 года. Специалисты отмечают особенную яркость этих эскизов Надира Альмеева, будто они только вчера написаны. Секрет в том, что он для живописных работ использовал технологии, применяемые в фотографии, то есть это ещё один пример такого совмещения, столь характерный для разработок группы Галеева, и вообще темы синестезии, как главной области научного и художественного осмысления у «прометеевцев».

«Прометей» художников!

Вообще, художники – важная составляющая команды «Прометея». Нынешняя выставка «Прометея» отличается ещё и тем, от многих других их выставок последнего времени, что здесь мы зримо видим команду, не одного только Булата Галеева, но и его соратников, по крайней мере, по линии искусства – художников, составивших круг «Прометея». Думается, это также сделано для того, чтобы чётче установить место «Прометея» в мире современного мирового искусства. Но и ещё, конечно, чтобы подчеркнуть, что Галеев был такой человек команды, он находился в постоянном диалоге со всеми и собирал вокруг себя людей.

– Очень многое решалось и давалось в диалоге. Знаете, я как-то верю в сказанное однажды Львом Николаевичем Толстым: искусство должно соединять, а не разъединять людей. Капризы эгоизмов никому не интересны. Галеев – собирал вокруг себя людей, и вообще, деятельность «Прометея» – это такой сетевой опыт. Булат Махмутович чувствовал себя в центре мира и общался со всем миром и испытывал от этого драйв! И это в доинтернетную эпоху! Не каждый современный художник, сидя в фейсбуке, способен сейчас на такое общение…

Это потому, что мечты у тебя нет! – добавил вдруг после секундной паузы Кирилл, обращаясь к какому-то невидимому современному художнику из фейсбука! А Булат Галеев точно был мечтатель!

– Такого явления, как советская светомузыка, точно бы не было, если бы не Галеев и «Прометей», – включается Янина Пруденко. Он же их всех собирал здесь, много лет подряд устраивал в Казани конференции, просил присылать всё, сколько-нибудь связанное со свето-кинетическим искусством. Когда я писала монографию об украинском светомузыкальном искусстве, весь архив я нашли не там, а именно в Казани. Я сейчас перефоткала и посылала по вотсапу фотографии афиш с украинских мероприятий светохудожников советского времени Даниилу Фридману, и он сказал, что у него уже ничего этого не сохранилось! (Фридман – основатель (в 1982 году) светового Театра «LUX AETERNA»— единственного в мире стационарный профессиональный театр подобного жанра, когда-то, ещё школьником, в руку ему попалась книжка Булата Галеева «Принципы конструирования светомузыкальных устройств», эта первое, заочное знакомство с «Прометеем» изменило и предопределило всю его дальнейшую жизнь – А.Б.). Украинской светомузыки как отдельного феномена и не существует, есть центры, располагавшиеся в разных городах: Харькове, Одессе, Киеве, Ужгороде, даже маленькой Полтаве, и все они по-разному друг к другу относились, и общались они между собой только здесь, в Казани, приезжая на конференции «Прометея», а там, у себя – в самой Украине некоторые даже могли принципиально игнорировать существование один другого, Галеев не только собирал это поле воедино, но и, как говорилось, собирал всё мало-мальски связанное, любые заметки, афиши… И вот я, в той выставке, которую я готовлю (в отличие от Кирилла, который в «Третьяковке» будет пытаться восстановить и показать сегодняшнему широкому зрителю действительно легендарную казанскую выставку «прометеевцев» 1987 года, на которую тогда съехались крупнейшие светохудоджники со всего Советского Союза, в рамках ещё конференции, длившейся в том году аж 10 дней!)… Я хочу показать голоса разных светохудожников, не только их общее, но и разницу, их дискуссии, полемику!

Например, главный оппонент Галеева, 92-летний Флориан Ильич Юрьев, шёл вслед за первым американским свето-художником Томасом Уилфридом утверждавшим, что свету не нужны никакие «пристяжки» в виде классической музыки, он сам – музыка. Юрьев создавал «немые» полотна. С Галеевым, исследовавшим возможности совмещения (синестезии), они спорили, бывало, очень резко, хотя понимали друг друга, как мало кто. И вот, у Юрьева – немые, у Галеева – свето-музыкальные фильмы, у Ю. Правдюка в Харькове – театр, в Ужгороде – ребята более молодые (упоминавшийся Д. Фридман), их привлекала работа с лазером, идеи композитора и свето-художника Жан-Мишель Жарра.

Журналист и друг «Прометея» Ровель Кашапов в недавнем комментарии под моим постом в фейсбуке поделился воспоминанием: «Помню, как в августе 1997 года из газет узнал, что в страну приехал и музыкант и миллионер Жан-Мишель Жарр. Помимо выступления в Москве он намеревался собрать материалы о создателе музыкального инструмента тэрменвокса. А ведь в СКБ был огромный архив о Термене. Я тут же позвонил Булату. Я уже передал архив французу! — услышал в ответ. Бесплатно? Ну, да! Ответил он».

Разные голоса, их наличие, в конечном счёте и создаёт у нас ощущение существования полнокровного вида искусства, и Булат Галеев был именно тот человек, который собирал эти голоса в едином медиа-пространстве. Как только открыли «железный занавес» Галеев и «Прометей» тут же оказались на самом престижном в мире фестивале компьютерного и медиа-искусства «Ars electronica». А в 1994 году Галеева сделали редактором (на минуточку!) специального выпуска американского престижного академического журнала «Leonardo», выпускаемого издательством Массачусетского технологического института. Булат Галеев был главным представителем в мире Советского свето-музыкального искусства (членом редколлегии этого издания Булат Махмудович был с 1976 года).

Конструктивисты, Пикассо и «Прометей»

Нынешняя выставка в Казани – предтеча сразу двух московских, будущих!И в нынешней, открывшейся в Галерее современного искусства ГМИИ РТ, уже есть большие отсылки к выставке 1987 года «Пространство. Время. Искусство», проходившей тогда, между прочим, ровно на том же месте, что и сейчас. Эту выставку 1987-го, организованную тогда «Прометем», берёт за основу своего будущего проекта в «Третьяковке» Кирилл Светляков. Но есть здесь уже и та «разноголосица», за которую ратует другой куратор – Янина Пруденко. Представлены и те самые афиши советских украинцев, выполненные в необычной манере, и, как уже говорилось, световые партитуры, выполненные профессором из Питера, но более всего эта палитра голосов видна, конечно, через художников, и здесь не только собственно «прометеевцы», но и просто близкие к ним по эстетике, или такие авторы, на которых «Прометей повлиял.

Украинцев представляет здесь одесский художник, представитель второго украинского авангарда Олег Соколов, москвичей – Вячеслав Колейчук. Несколько знаковых казанских имён: А. Аникеёнок, отдельная выставка которого параллельно открылась в соседнем зале, а в «прометеевской» части – у него две картины, где мы видим психоделические искривления пейзажей, выполненных в импрессионистской манере, Аникеёнка называли «казанский Ван-Гог», а эти искривления и круги – явно не без влияния Булата Галеева; один ярких представителей казанского авангарда Голубцов, неожиданный Константин Васильев, который, по утверждению Светлякова – «первый «чиркнул» спичкой» — привнёс идею постановки «Поэмы огня» (сочинения Скрябина «Прометей», с которого всё и началось в Казани), неожиданный, потому что мы привыкли к позднему Васильеву, такому «арийскому» (некоторые проводят параллель с искусством III рейха, но на такой славянской основе, это уже совсем было не близко Б. Галееву), а тут – ранний Васильев начала 1960-х годов выступает приверженцем авангарда и абстрактного искусства…

Но, конечно, главное имя среди художников – это Надир Альмеев, проработавший бок о бок с «Прометеем» более 12 лет, ездивший с Галеевым на различные конференции и выставки, соавтор множество его знаковых работ, начиная с «Маленького триптиха», и автор ряда собственных, выполненных в духе «Прометея». Для современных, начатых московскими кураторами, гипотез вписывания «Прометея» в мировые художественные процессы, личность Надира Усмановича, до сих пор активного и действующего художника, делается едва ли не краеугольной.

По словам К. Светлякова, Булата Галеева и Надира Альмеева можно отнести к позднему модернизму, стилю, идущему от Пабло Пикассо, но в их работах наблюдается ещё, зачастую, психоделический эффект, которого у Пикассо не было. Чувствуется влияние оп-арта (оптического искусства — художественного течения второй половины XX века, использующее различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур). В советском позднем модернизме ещё много героики (да ведь и сам древнегреческий Прометей – герой!), но с героями выстраивается сложная система отношений. Галеев, Альмеев, и художники их поколения получили классическое образование, основанное на древнегреческой литературе и традициях. И вот интересно, как они, находясь в традиционной парадигме – старались в мышлении своём попробовать выйти за эти границы, уйти от физического героя, как бы растворить его в космосе, но герой ещё держится… Идеи «Прометея» в художественной плоскости – это ещё и новая чувственность, восприимчивость света, звука, света…

Это и, конечно, на новом витке технической эволюции переосмысление и воплощение в жизнь идей 1920-х годов, особенно опыта конструктивистов по включению искусства в различные пространства… «В Казани трудились и работали зажжённые люди, они видели свой город фантастическим!» Ещё один пласт деятельности «Прометея»: их проекты свето-музыкальных спектаклей, подсветки и подзвучки городских зданий, проект поющего фонтана, разработанный ещё в 1960-е годы, в долазерно-компьютерную эпоху… Мы видим на выставке картины Альмеева для «поющих» и светящихся зданий, превращающихся в гигантские свето-музыкальные инструменты, управляемые художниками, по проекту «Прометея», до этого эскизы эти были представлены в книжке «Поющая радуга» (текст – Б. Галеев, визуальный ряд – Н. Альмеев)… видим этот прекрасный спектр цветов, с фиолетовым, розовым, синим, преображающий привычные казанские здания, в то время многие отмечали, что реальная Казань была городом мрачноватым, серым (например, таким её увидел Андрей Тарковский, приезжавший сюда в 1979, по приглашению киноклуба Молодёжного Центра, того самого места, где был и зал «Прометея», одно время ещё там же располагался музей светомузыки, одно из важных, и утраченных детищ Б. Галеева и команды.

И вот искусствоведы, пожалуй, впервые говорят нам, показывают эти линии соприкосновений, чтобы мы зримо представили и сумели тоже поставить в один ряд «Прометей» и Пикассо, «Прометей» и советских конструктивистов 1920-х. Общее с которыми: положение о том, что искусство должно завоёвывать пространства жизни и быта, но есть и разница: конструктивисты раннесоветской эпохи считали, что у человека не может быть приватного пространства: всё коллективное, и творчество, и пространства, здесь же, у галеевцев – выраженная индивидуальность!

Центр Медиаискусств им.

Б. Галеева должен быть в Казани!

— Как сделать так, — спрашиваю у Кирилла Светлякова, – чтобы в массовом сознании казанцев отложилось представление о «Прометее» как явлении мирового искусства?

— Конечно, надо создавать центр медиарта имени Булата Галеева, наподобие Центра искусств и медиатехнологий (ZKM) в Карлсруэ, или музея Жана Тэнгли в Базеле. Мы уже думаем в этом направлении, и именно эти центры служат для нас ориентирами (по ходу экскурсии для кураторов К. Светляков обмолвился, что они уже ходили по городу, и искали потенциальные места, среди прочего посещали даже Спасскую башню Казанского Кремля, как один из вариантов мест будущего центра, там до сих пор ещё хранятся элементы, участвовавшие в знаменитом проекте галеевцев «Малиновый звон» — малиновая подсветка башни, возникавшая в определённые часы – А.Б.).

Вот проведём выставку в Третьяковской галерее – это будет ещё один важный шаг, чтобы в России увидели всё значение этого явления. Разработки Галеева уникальны не только с научной, но и с художественной, артистической точки зрения, уникальный и свет, который они получали, разрабатывая свои авторские технологии, опираясь на докомпьютерную инженерию, всё это пока что осталось таким уникальным феноменом своего времени, но это можно развивать и продолжать, и именно у Казани есть шанс начать делать это, чтобы появились новые медиа-художники, должна быть завершена эта институционализация и создания центра. Американцы, молодая нация, сначала стеснялись своего искусства (такого неклассического), а в ХХ веке научились им гордиться, и действительно, оказалось, что ими были сделаны выдающиеся открытия на этом пути, и мы, Казань, должны пойти по этой дороге…

Центральный экспонат нынешней выставки – реконструированный светокинетический макет памятника, придуманный советским художником и изобретателем Григорием Гидони в 1927 году и воссозданный по инициативе Булата Галеева для экспозиции 1987 года под названием «Памятник революции Г. Гидони». Это макет будущего дворца новых искусств в наступившую новую советскую эпоху, выполнен в виде светящегося глобуса с надписью «пролетарии всех стран соединяйтесь», висящего на металлических каркасах в виде серпа и молота. Проект был тогда одобрен самим Луначарским, а потом Гидони попал под каток репрессий. Макет после этого был уничтожен, по сохранившимся фотографиям его восстановили «прометеевцы» к выставке 1987 года. После этого он нигде не выставлялся 30 лет. С ноября 2017-го по март 2018 года в парижском Cite de l’Architecture et du Patrimoine (Музей архитектуры и культурного наследия) проходила выставка «Глобусы. Архитектура и наука исследуют мир». Среди экспонатов, отражающих, как на протяжении истории менялось человеческое представление о земном шаре, был и восстановленный (уже второй раз и снова «прометеевцами) макет «Светового Памятника Революции» Гидони. И вот в 2020 году – макет вернулся в Казань, на то же самое место, где его впервые могли наблюдать зрители в 1987. И макет этот – не только, собственно, живой объект, но и метафора, устремлённость в будущее… макет несостоявшегося дворца новых искусств намекает нам на то, что в скором будущем такой дворец должен появиться в Казани, и тогда – начнётся новая эпоха «Прометея»!

Айрат Бик-Булатов.

камерный хор РТ в Большом зале Московской консерватории

В российской столице накануне прошел очередной концерт из обширной программы I международного фестиваля им. Скрябина, посвященного 150-летию со дня рождения композитора. В Большом зале консерватории им. Чайковского гости вечера услышали насыщенную программу из сочинений Джорджа Гершвина, Мориса Равеля и, конечно, самого Александра Скрябина. Российский зритель не только познакомился с молодым греческим дирижером Корнилиосом Михийлидисом, но и вновь услышал камерный хор Республики Татарстан под руководством Миляуши Таминдаровой. Подробности — в материале «БИЗНЕС Online».

Оркестром дирижировал молодой греческий дирижер Корнилиос Михийлидис. С ним публика почти не знакома, но организаторы были уверены — это только украсит концертФото предоставлено камерным хором РТ

150 лет композитору-реформатору

Ощутимый казанский акцент получил вчерашний концерт в Большом зале Московской консерватории, входивший в программу I международного фестиваля им. Скрябина. Со дня рождения знаменитого композитора-реформатора в начале 2022-го исполнилось ровно 150 лет, а фест его имени охватил широкую географию площадок Москвы и Санкт-Петербурга, забив афишу сразу в 9 залах аж 23 концертами. Для этого именитый пианист и художественный руководитель Борис Березовский пригласил более полусотни ведущих мировых и российских творческих коллективов, исполнителей и артистов — от французского пианиста Люки Дебарга до актрисы Чулпан Хаматовой. Но не одними громкими именами молодой фестиваль старается завоевать доверие зрителей. Среди участников — четыре вокальных коллектива и множество юных музыкантов, которые открывают каждый концерт.

Для почти трехчасовой программы в Большом зале консерватории в минувшую среду организаторы скрябинского фестиваля выбрали воодушевляющую и насыщенную программу из сочинений Джорджа Гершвина, Мориса Равеля и избранных произведений Скрябина. «Если уж Скрябин входит в твою жизнь, ты от этого наваждения не избавишься никогда, — убежден Березовский. — Когда слушаю позднего Скрябина, в воображении возникают космические взрывы, рождение новых галактик… И, безусловно, невесомость. Потому что традиционные ритмы притягивают нас к земле, а ритмика и интонационность Скрябина — это устремление в небо, в свет, в будущее».

По новой зародившейся на фестивале традиции вечер открыл юный воспитанник музыкального училища, пианист Василий Чероченко, исполнивший скрябинскую Сонату для фортепиано №2 в двух частях. После него на сцене консерватории появился специально собранный фестивальный оркестр им. Скрябина, дирижировал которым молодой греческий дирижер Корнилиос Михийлидис. С ним столичная публика почти не знакома, но организаторы уверены — это только украсит концерт. «Александр Скрябин был гениальным композитором-новатором, поэтому понятно, что и сам такой коллектив должен быть необычным, пересматривающим академические традиции, с каким бы уважением мы к ним ни относились», — утверждает Березовский.

Первое отделение началось с сочинения Скрябина, но продолжилось его современником Гершвином и легендарной «Рапсодией в стиле блюз». Когда-то эту феноменальную музыку за фортепиано исполнял сам автор, после него — выдающийся американский джазмен Дюк Эллингтон, а вчера — феноменально одаренный незрячий музыкант из Красноярского края Олег Аккуратов, тот самый финалист «Голоса».

Легендарную «Рапсодию в стиле блюз» за фортепиано исполнял феноменально одаренный незрячий музыкант из Красноярского края Олег Аккуратов, тот самый финалист «Голоса» Фото: Иветта Невинная

Смысловое ядро вечера

Но своеобразным смысловым ядром вечера стало исполнение скрябинского «Прометея», для которого на сцену вышел камерный хор Республики Татарстан под руководством Миляуши Таминдаровой. С ним Березовский знаком еще с летних open air «Летние вечера в Елабуге», где пианист также является худруком.

Известно, что композитор обладал так называемым цветным слухом: тональности воспринимались им в определенных оттенках. Например, ре мажор он «видел» ярко желтым, ре-бемоль мажор — фиолетовым, ля мажор — зеленым. И световая строка в «Прометее» должна была стать, с одной стороны, воплощением его видения музыкальных тонов, но в то же время передавать и более общий смысл — единения разных искусств во всеобъемлющей «Мистерии», идея которой на протяжении многих лет волновала композитора. Она, к сожалению, так и осталась неосуществленной. Многие исследователи творчества Скрябина безуспешно пытались расшифровать «световые» строки его партитуры.

Однако нам осталась в наследие гениальная музыка. Сначала в силу вступает таинственное, необычное, длительно тянущееся созвучие — «прометеев аккорд». На колышущемся фоне валторны возникает тема Прометея — суровая, сдержанная и проникновенная, являющаяся почти точным мелодическим вариантом первоначального аккорда. Солирующий рояль вводит в действие другие темы, более оживленные, капризные, с прихотливой фактурой и чертами танцевальности.

К мощному звучанию оркестра присоединяется хор, интонирующий без слов отдельные мотивы. Его поддерживает и орган (Евгения Кривицкая). Достигается небывалый экстатический накал. Постепенно звучность спадает, и с нежнейшего звучания отдельных инструментов начинается новый подъем, приводящий к мощному, светлому и величественному завершению.

org/ImageObject» itemprop=»image»>Своеобразным смысловым ядром вечера стало исполнение скрябинского «Прометея», для которого на сцену вышел камерный хор РТ под руководством Миляуши ТаминдаровойФото предоставлено камерным хором РТ

Необыкновенное ощущение от первого отделения продолжается сюитой Равеля из балета «Дафнис и Хлоя» во второй части концерта. Сначала звучание восходит к кратким энергичным буйным мотивам. Темп ускоряется, нарастание завершается мощным звучанием. Его сменяет более лирическая гибкая узорчатая тема в причудливом оркестровом наряде из флейты-пикколо, трубы, треугольника, бубна. Затем все темы сплетаются, к оркестру присоединяются тенора и басы, и сюита завершается буйством пиратской пляски.

Но на смену раззадорившемуся настроению вновь приходит Гершвин. Но на этот раз с сюитой из оперы «Порги и Бесс». Само сочинение стало вершиной творчества американского композитора и пианиста, а культовая композиция Summertime теперь, пожалуй, известна каждому поклоннику джаза. Вчера колыбельную Клары блистательно исполнила солистка татарского камерного хора Роза Габдрахманова.

Надо сказать, что весь вечер был отмечен печатью свободы и раскрепощенности. Подобное ощущалось в вольных и чувственных движениях хора, оркестра, солистов, дирижера. Музыканты купались в гениальной музыке, и это разливалось по всему залу консерватории. Но такая свобода совершенно не отменяла высокого уровня мастерства каждого из участников концерта, что лучше всего проверил легендарный скрябинский «Прометей».

Цветовой символизм Скрябина в музыке: интерлюдия

Александр Скрябин

В прошлой статье я говорил о гении Чюрлениса, единолично привносящего символизм в родную Литву. Александр Скрябин (1872-1915), напротив, жил и работал в рамках устоявшихся художественных традиций в России, где процветали различные авангардные направления в музыке и искусстве из Западной Европы. К 1893 году на русский язык были переведены произведения Верлена, Малларме, Метерлинка, По, Ибсена, Стриндберга, а также произведения Шопенгауэра 9. 0005 «Die Welt als Wille und Vorstellung» («Мир как воля и представление») . Канта и Ницше в то время также широко читали в России.

Первоначально литературно-философское движение, русский символизм вырос из этих западноевропейских корней и принял различные формы в музыкальных кругах Санкт-Петербурга и Москвы. Санкт-Петербург, всегда более обращенный и открытый на запад — царь Петр Великий основал город как «Окно на Запад» — произвел на свет много великих людей.0005 оперных композиторов, таких как Глинка, Мусоргский и Римский-Корсаков, чью оперу «Золотой петушок» можно считать продолжением символистской традиции. Московская школа, более ориентированная на «Старую Россию» и ее мистическое прошлое, в первую очередь ориентировалась на инструментальную музыку таких композиторов, как Скрябин, Чайковский и Рахманинов. Скрябин писал в основном для фортепиано, среди его произведений — десять сонат, 83 прелюдии, 101 пьеса для фортепиано; пять симфоний, один фортепианный концерт. Он часто посещал литературный кружок символистов в Москве, крупнейшим теоретиком которого был Андрей Белый.

Александр Скрябин: Соната для фортепиано № 3 фа-диез минор, соч. 23 (Гленн Гулд, фортепиано)

Титульный лист Симфонии Прометея Скрябина

В 1904 году Скрябин участвовал в Четвертом философском конгрессе в Женеве, главной темой которого были произведения Фихте и Бергсона. В своих аннотированных конспектах различных лекций Скрябин сосредоточился на идеях Шопенгауэра и Ницше, в частности на ницшеанском «Заратустре» и концепции «Сверхчеловек» — «Сверхчеловек» Ницше . В более поздние годы он видел себя «Сверхчеловеком» , который вел бы как пророк, пробуждая концепцию Бодлера о роли поэта, и освободит человечество через «тайну музыки, цвета, танца, и запахи» – через опыт истинной «синестезии» . Художественное творчество стало для него состоянием «мистического экстаза», подобного божественному откровению. Его симфонии с тех пор носят такие названия, как ‘стихи/поэмы’ напр. «Le divin poème/Божественная поэма» , Симфония № 3 ; «Le poème de l’Extase/Поэма экстаза» op. 54’ , Симфония №4, 1908 ; «Прометей/Прометей» , «Le poème du feu/Поэма огня» , Симфония № 5, 1911 для фортепиано, хора и цветного фортепиано.

Александр Скрябин: Поэма экстаза (Поэма экстаза), соч. 54, «Симфония № 4» (Немецкий симфонический оркестр в Берлине; Владимир Ашкенази, дирижер)

С этой композицией Prometheus Скрябин входит в царство «Gesamtkunstwerk» , концепцию «тотального произведения искусства» , где музыка, цвета (преобладающая сила), словесные элементы и философия все работают вместе. Фортепиано в «Прометей» воплощает дух Прометея, который показывает, как человек бросает вызов богам, принося на землю огонь, для чего Скрябин изобрел новую тональность, так называемый «Прометеев или мистический аккорд» — синтетический аккорд из шести нот, кроме мажорных и минорных аккордов. Многие из его последующих работ включают использование этого аккорда с производными от его транспозиций.

Многие композиторы 20-го и 21-го веков также по-разному использовали этот аккорд, тем более что использование диссонансной звучности стало более распространенным.

Затем цветам в Color Piano отводятся определенные роли, т. е. при изменении тонов меняются и цвета. Например: F# — это не просто аккорд, которому присвоен «синий» цвет, но в то же время настроение , voilé, таинственный/завуалированный, таинственный ; «желтый» не только использует аккорды D, G#, C, F#, B, E, но и передает счастливое настроение, плюс animé, joyeux/более живой, счастливый . «Красный», voluptueux presque avec douleur/сладострастный почти с страданием , — это цвет экстаза . Выбор цветов Скрябиным был не случаен, а следовал цветовой теории Рудольфа Штайнера (1861-1925), который основывал свои теории на 9 Иоганне Вольфганге фон Гёте.0005 «Farbenlehre/Color Theory» , опубликовано в 1810 г.

Александр Скрябин: Прометей, соч. 60, «Поэма огня» (Дмитрий Алексеев, фортепиано; Филадельфийское общество хорового искусства; Филадельфийский оркестр; Риккардо Мути, дирижер)

Цветные клавиши Скрябина для фортепиано

Вдохновленный его Прометеем , Скрябин продолжал исследовать идеи «тайны», связывающие музыку, поэзию и танец, ведущие к искуплению человечества через симфонию звука, света, цвета и ароматов, которые окутывают слушателя и приводят его в состояние экстаза. Для Скрябина средством стали цвета — цвет как звуковое опьянение и цветное опьянение как звук. В конечном счете он не стал ни художником-композитором, как Чюрленис, Шенберг, Сати или Хиндемит, ни композитором, как Мусоргский с его «Картинки с выставки» — но остался философом-композитором.

Чтобы узнать больше о лучших произведениях классической музыки, в нашем электронном бюллетене

«Прометей» Скрябина будет исполнен в Йельском университете в живых цветах

«Прометей: Поэма огня» 13 февраля, это будет первая полноценная постановка этого мультимедийного произведения, в котором используются современные технологии освещения и недавнее открытие рукописных указаний композитора для его исполнения.

Скрябин написал произведение 100 лет назад как звуковое и световое зрелище, демонстрирующее его эзотерическую теорию о внутренней связи между музыкой и цветом. Партитура Скрябина требовала полного оркестра, хора, органа, солирующего фортепиано и любопытного клавишного инструмента, известного как цветной орган, «tastiera per luce» или, чаще всего, «luce» (по-итальянски «свет»). Инструмент не издает звуков, а испускает лучи света, меняющие цвет в соответствии с гармоническим развитием музыки.

«Прометей» часто исполняется как концертная пьеса, но редко со световым шоу, главным образом потому, что технологически невозможно создать многие эффекты окружающего освещения, которых требует композиция. Действительно, «люс», созданный специально для звуковой и световой феерии Скрябина, оказался настолько недостаточным, что премьера симфонии состоялась в темноте.

Когда были предприняты попытки полноценной постановки произведения, световые лучи на экране над аудиторией заменили взрывы света по всему концертному залу, как предполагал Скрябин.

В 1969 и 1971 годах Йельский симфонический оркестр решил некоторые из этих проблем и исполнил «Прометей» с источниками света, разбросанными по всему Вулси-холлу, используя массу публики в качестве отражающего тела. Спектакль в феврале этого года основан на истории YSO в точном воплощении видения Скрябина.

В 1978 году Национальная библиотека в Париже получила первое издание партитуры «Прометея» с давно утерянными рукописными примечаниями Скрябина, копия которого теперь хранится в Музыкальной библиотеке Гилмора в Йельском университете. Партитура, малоизвестная, датируется 19 г.13, и содержит подробные примечания к части «luce», написанные собственноручно Скрябиным. «Эта информация революционизирует прежние представления о взаимосвязи между светом и музыкой», — говорит кандидат в доктора Йельского университета Анна Гаубой, чьи исследования позволили понять, что имеет решающее значение для этой постановки. Недавно обнаруженные композитором указания по цвету и освещению, а также инструкции по таким спецэффектам, как языки пламени, вспышки молнии и фейерверки, позволят студентам Йельского университета представить всю работу буквально в ее наиболее аутентичной форме на сегодняшний день.

Нотации Скрябина также проливают свет на то, насколько далеко опередил свое время композитор-визионер, поскольку потребовалось целое столетие, прежде чем многие из визуальных эффектов, к которым он призывал, могли быть реализованы. Благодаря освещению, созданному отмеченным наградами дизайнером Джастином Таунсендом, и руководствуясь рукописными заметками Скрябина, производство Йельского университета будет использовать передовую светодиодную технологию, позволяющую одному источнику света воспроизводить полный спектр цветов и, синхронизированному с музыку, переходи от одного цвета к другому, не теряя ни секунды.

«Это произведение, бросающее вызов жанру, доведет до предела даже современные технологии, — говорит Гаубой.

Полный «Прометей: Поэма огня» будет исполнен в 20:00. в Йельском Вулси-холле, построенном всего за десять лет до премьеры «Прометея», на углу улиц Гроув и Колледж. Продвинутые билеты можно приобрести в кассе театра Шуберта по телефонам (203) 562-5666, (888) 736-2663 или на сайте www. shubert.com.

Йельский симфонический оркестр (YSO) был основан в 1965 году небольшой группой студентов Йельского университета, которые увидели необходимость в постоянной платформе для совместных выступлений студентов-музыкантов. Сегодня Йельский симфонический оркестр пользуется репутацией одного из ведущих студенческих оркестров США и дает в среднем шесть концертов в год.

В прошлом дирижерами YSO были такие знаменитости, как Ричмонд Браун, Джон Мосери, К. Уильям Харвуд, Джеймс Синклер, Шиник Хам и Джордж Ротман. В этом году маэстро Тосиюки Симада поднимается на подиум уже пятый сезон. Многие всемирно признанные артисты, такие как Йо-Йо Ма, Фредерика фон Штаде, Эммануэль Акс и Дэвид Шифрин, выступали на одной сцене с оркестром, а несколько выпускников YSO продолжили музыкальную карьеру: Шарон Ямада, первая скрипачка Нью-Йоркского Филармония; Майлз Хоффман, комментатор Национального общественного радио; и Мириам Хартман, солистка Израильского филармонического оркестра, среди них.

YSO представил национальные и мировые премьеры многих произведений, в том числе европейскую премьеру «Мессы» Леонарда Бернстайна в 1973 году, премьеру в США «Хаммы» Дебюсси и премьеру на восточном побережье «Строительства дома» Бенджамина Бриттена. ».

Во время гастролей Йельский симфонический оркестр недавно выступал в Португалии, Корее и Центральной Европе, а внутри страны группа выступала в нью-йоркском Карнеги-холле, Эйвери-Фишер-холле в Линкольн-центре и соборе Святого Патрика. В 2008 году YSO дебютировали в Италии, выступив в Риме, Флоренции, Болонье и Милане.

Звук и зрение: Теософская партитура Скрябина для оркестра и органа цвета

Google+

Звук и зрение: Теософская партитура Скрябина для оркестра и органа цвета

Титульный лист Жана Дельвиля для «Прометея» Я не синестет, поэтому до сих пор не понимаю, что Эдди Ван Хален имел в виду под «коричневым звуком». Извини, Эдичка, я такой буквальный обыватель, который видит глазами и слышит ушами. Обычные неряхи вроде меня вынуждены довольствоваться тонально-цветовыми соответствиями вдохновленной теософией партитуры Александра Скрябина 9.0005 Prometheus: Poem of Fire , включающая партию для цветного органа.

(Примечание: как отмечается в этой статье, столетие назад «синестезия» не относилась исключительно к неврологическому состоянию, но описывала «широкий спектр кросс-сенсорных феноменов», которые могли возникнуть в результате мистического или эстетического опыта. был ли сам Скрябин «на самом деле» синестетом, не имеет значения.)

Сколько чуши про Прометей на Mutual of Omaha’s Wild Internet. В качестве поправки начнем с серьезной стипендии выдающегося музыковеда Николая Слонимского:

Скрябин предпринял серьезную попытку объединить свет и звук в партитуре Prometheus , в которую он включил особую часть, Luce, , символизирующую огонь, который Прометей украл у богов. На нотоносце он обозначен как clavier à lumieres, цветной орган, предназначенный для того, чтобы заполнить концертный зал калейдоскопом меняющихся огней, соответствующих меняющимся гармониям музыки. К сожалению, задача создания такой цветной клавиатуры была выше технических возможностей скрябинского времени. Сержу Кусевицкому, великому поборнику музыки Скрябина, пришлось пропустить Часть Luce на мировой премьере фильма Prometheus , которую он дирижировал в Москве в 1911 году.

 

Александр Уоллес Римингтон с цветным органом (инструмент, на котором в 1915 году «Прометей» фактически не исполнялся) 20 марта 1915 года, чуть более чем за месяц до смерти композитора. Джеймс М. Бейкер « Прометей 9».0006 и поиски цветной музыки» помещает произведение Скрябина в исторический контекст и прослеживает его путь до Седьмой авеню. Эссе переполнено подробностями о конкретной системе соответствий, разработанной Скрябиным, истории синестетических композиций и отношении Прометея к теософским знаниям. Примечательно, что Бейкер соглашается со Слонимским в том, что, когда Скрябин писал Prometheus , он понятия не имел, как на самом деле будет сыграна часть партитуры Luce (тем более, как «залить концертный зал красками»):

Хотя документы того времени изобилуют комментариями, намекающими на то, что различные цветовые аппараты были опробованы и потерпели неудачу при подготовке более ранних представлений, на самом деле не было готового и доступного цветного органа, для которого Скрябин задумал роль. Правда, Александр Мозер, друг и ученик композитора, преподававший электротехнику в московском техникуме, сконструировал небольшой цветной прибор, с которым Скрябин экспериментировал в своей квартире, но это был всего лишь грубый кружок цветных лампочек, закрепленный на деревянная основа.

 

«Маленький цветной прибор» Александра Мозера в Музее Скрябина в Москве
 
Бейкер пишет, что планы Скрябина относительно английских представлений «Прометей » в сопровождении цветного органа А. Уоллеса Римингтона были сорваны вспышкой Уор I. В Нью-Йорке техническая проблема была поставлена ​​перед испытательными лабораториями Эдисона, которые специально для шоу изобрели цветной орган: Chromola, клавиатуру из 15 клавиш, подключенную к нескольким лампам за цветными фильтрами, с двумя педалями для управления ими. интенсивность. Хотя проекции на сетчатый экран были более впечатляющими, чем «грубый круг из цветных лампочек» Мозера, они не соответствовали желаемому композитором эффекту. 19 маяВ 15-м номере The Edison Monthly дебютное исполнение «особой световой партитуры» Скрябина было представлено как скромный успех:

Теория постановки примерно такова: Следуя аналогии световой и звуковой вибрации, Скрябин [sic], Русский композитор загорелся идеей написать цветную партитуру для сопровождения своей оркестровой «Поэмы огня». Теоретически зрители должны были купаться в потоках меняющегося света, вариации оттенка и интенсивности которого должны были следовать за звуковыми вариациями. Однако на практике все оказалось сложнее.

Добиться «световых потоков» оказалось невозможным, и вместо них был предусмотрен марлевый экран, на который перебрасывались изменяющиеся оттенки, управляемые хитроумно сконструированным «цветовым органом» или «хромолой». Первоначальная цветовая шкала Скрябина была признана дефектной, и была предоставлена ​​более научная шкала, основанная на частоте вибраций, каждая октава простиралась от темно-красного на одном конце спектра до фиолетового на другом. Таким образом, высота тона уподоблялась оттенку, громкость — оттенку, а качество — интенсивности освещения. Сторонники мобильного цвета чувствуют себя достаточно воодушевленными своим экспериментом, чтобы попытаться создать другое производство в более благоприятных условиях. И, по-видимому, одна из них будет менее ошеломляюще диссонирующей, чем «Поэма огня».

Ниже представлено исполнение «Прометей » в 2010 году, которое приближается к чертовому иммерсивному световому шоу, которое Скрябин представлял себе с помощью технологий освещения 21-го века и огромных пожертвований Йельского университета (это монета Лиги плюща, извращенец!).
 

Автор: Оливер Холл

|

09.06.2018

08:07

|

 

Включите JavaScript для просмотра комментариев с помощью Disqus. comments с помощью Disqus

Prometheus Bios – Альянс хорового искусства штата Миссури

Нажмите, чтобы перейти к Prometheus!

Назад на домашнюю страницу Prometheus

Пол Крэбб, художественный руководитель и дирижер «Прометея»

Р. Пол Крэбб — художественный руководитель-основатель и дирижер «Прометея». Как директор хоровой деятельности и аспирант хорового обучения в Университете Миссури, его хоры были приглашены выступить на государственных, региональных и национальных съездах. Международное дирижирование и чтение лекций привели его в Японию, Тайвань, Китай, Бразилию, Польшу, Россию, Швецию, Эстонию и по всей Западной и Центральной Европе. Он был первым американцем, который работал приглашенным профессором в Музыкальной академии имени Листа в Будапеште, Венгрия, и в 9-м Венском университете.0241 Universität für Musik und Darstellende Kunst хоровое отделение. Его частые приглашения за границу привели к многочисленным выступлениям его хоровых ансамблей и аспирантов. В декабре 2017 года Крэбб организовал серию семинаров и выступлений в Италии для выпускников дирижерских курсов. В 2012 году MU не только активно выступал, но и удостоил Крэбба высшей награды за преподавание, выбранной из более чем 2000 преподавателей кампуса.0238

Давний сторонник качественного музыкального искусства в обществе, Эмили Эджингтон Эндрюс чрезвычайно активна в Колумбии, работая с детьми и взрослыми на всех уровнях их музыкального развития. Эмили является художественным руководителем и дирижером Альянса хорового искусства Миссури, организации, которая предлагает исключительный хоровой опыт, доступный для всех, от молодежи до взрослых. Она работает помощником дирижера профессионального камерного вокального ансамбля Prometheus: An American Vocal Consort. Эмили преподает музыку в Колумбийском колледже и работает дирижером в исторической католической церкви Святого Сердца в Колумбии, штат Миссури. Эмили — доктор философии. кандидат музыкального образования в Университете Миссури.

Она регулярно выступает в качестве приглашенного врача и судьи, а также является активным членом Американской ассоциации хоровых дирижеров и Национальной ассоциации музыкального образования.

---

ПЕВЦЫ

---

Кристина Адамс, меццо-сопрано

меццо-сопрано Кристина Г. Адамс в своей исполнительской карьере наслаждалась сочетанием оперы, хоровой музыки, поп-музыки, джаза и музыкального театра. В 2021 году она присоединилась к ансамблю Lyric Opera of Chicago, где ей выпала честь работать с дирижерами Энрике Маццола, Юн Сун Ким и Эндрю Дэвисом, а также с режиссером сэром Дэвидом Маквикаром. В том же году она присоединилась к собственному отмеченному наградами вокальному камерному ансамблю Vox Nova Columbia. Всего за несколько дней до Covid-19ограничения ударили по США, Адамс выступил в финале престижного конкурса стипендий Luminarts Cultural Foundation. После переезда, чтобы приспособиться к пандемическим потрясениям, она была солисткой в ​​​​фильме оперы Сидар-Рапидс «Песни изоляции и связи». В 2019 году она была членом группы артистов-учеников Сарасотской оперы и получила поощрительную награду от прослушиваний Национального совета Метрополитен-оперы. Адамс имеет степень магистра музыки в области вокального исполнения Университета Колорадо-Боулдер и двойную степень бакалавра музыки и английского языка Университета Миссури.

 

Брэндон Браунинг, баритон

Брэндон Браунинг, баритон, солист, хоровой певец и музыкальный педагог. Недавно он принял решение вернуться в школу и в настоящее время завершает магистерскую программу по парной и семейной терапии в Университете штата Канзас. Ему по-прежнему нравится преподавать уроки вокала, пока он продолжает учебу. В своем предыдущем образовании он получил степень в области вокального музыкального образования и вокального исполнительства в Университете Миссури-Колумбия.

Брэндон в восторге от того, что снова присоединится к Prometheus для его 9-го тура с группой! Он выступил в своем шестом и последнем сезоне с хоралом Канзас-Сити, удостоенным премии Грэмми®, и в качестве руководителя секции хора взрослых епископальной церкви Святого Павла еще в 2021 году, прежде чем отказаться от выступлений, чтобы продолжить свои текущие академические исследования. Его последнее сольное выступление было в качестве бас-солиста в « Мессии » Генделя в исполнении Хорового Союза Миццу. Другие сольные выступления включают Brahms 9.0241 Requiem с Хоралом Канзас-Сити, а также Faure Requiem с Хором для взрослых Святого Павла.

 

Джошуа Чизм, тенор

Джошуа Чизм, уроженец юго-запада Миссури, имеет степень BME и BM-Composition Университета штата Миссури (2010 г.), степень магистра хорового дирижирования Университета штата Миссури, Колумбия ( 2019 г.) и докторскую степень в области музыкального образования с упором на дирижирование и хоровую педагогику Университета Оклахомы (2022 г.). В настоящее время он является доцентом музыки в Университете Уитворта в Спокане, штат Вашингтон, где он работает заместителем директора хоровой деятельности и директором по музыкальному образованию. Джошуа имеет широкий спектр профессионального опыта: преподавание в школах K-12 и высших учебных заведениях, сочинение музыки, исполнение, дирижирование и исследования. Его философия музыкального образования основывается на качественном и справедливом процессе создания музыки. Его исследование недавно было представлено на 9-й0241 NAfME Конференция по музыкальным исследованиям и педагогическому образованию, Симпозиум по исследованиям в области хорового пения, Конференция Высшего музыкального общества и Конференция Общества педагогического образования для учителей музыки. Джошуа также является заядлым церковным музыкантом, выполняющим различные обязанности в молитвенных домах. Посетите его веб-сайт www.joshuachism.com для получения дополнительной информации.

 

Кэти Кроуфорд, меццо-сопрано

Кэти Кроуфорд, меццо-сопрано, имеет степень магистра в области вокального исполнительства Консерватории музыки и танца Университета Миссури, Канзас-Сити, и степень бакалавра Музыкальная степень в области вокального исполнительства в колледже Св. Олафа. Она поет с хоровыми артистами штата Миссури и с хоровым коллективом Канзас-Сити, получившим премию Грэмми®. Будучи преданным церковным музыкантом, она регулярно выступает кантором и солисткой на свадьбах, похоронах и других богослужениях. Узнайте больше на www.KatherineCrawford.com.

 

 

Фрэнк Флешнер, тенор

Тенор Фрэнк Флешнер – опытный хоровой музыкант, только что закончивший свой семнадцатый сезон хорала Канзас-Сити, удостоенного премии Грэмми. Его пребывание в Chorale дало ему возможность тесно сотрудничать и дебютировать с произведениями нескольких выдающихся композиторов, таких как Марк Хейс, Рене Клаузен и Эрик Уитакр. В качестве солиста Франк появлялся в «Мессии» Генделя, «Страстях по Иоанну» Баха, «Илии» Мендельсона, а также был солистом-тенором в удостоенной премии «Грэмми» хорале Канзас-Сити в записи «Всенощного бдения» Рахманинова. Фрэнк окончил Государственный университет Трумэна и в настоящее время проживает в Канзас-Сити со своей женой Линдси и поет в Объединенной методистской церкви Эсбери в Прейри-Виллидж, штат Канзас.

 

Патрик Грэм, баритон

Баритон Патрик Грэм получил высокую оценку за «силу голоса и красивый тембр» и за «поразительное исполнение». Грэм дебютировал на профессиональном уровне в постановке Opera Columbus «Богема » с новым английским либретто американского дирижера и пианистки Кэтлин Келли. Патрик уже второй сезон участвует в хорале Канзас-Сити, получившем премию Грэмми. Ранее Патрик выступал в качестве солиста или главного артиста с Филармоническим оркестром Истмана, Союзом филармонии и хора Университета Миццу, музыкальным фестивалем Сигл, музыкальным фестивалем Ad Astra, KC VITAs, Eastman Collegium Musicum (под руководством удостоенного премии Грэмми лютениста). Пол О’Детте), камерный хор «Голоса» и Оперный театр Истмана. Патрик получил степень магистра в Истманской музыкальной школе и степень бакалавра в Университете Миссури. Он живет в Канзас-Сити, где в настоящее время является художественным руководителем театрального искусства первого акта и поет с хором епископальной церкви Святого Андрея в Бруксайде.

 

Эрнест Харрисон, тенор

Эрнест Харрисон — поэт, музыкант и педагог. Он является выпускником Университета Таскиги (2010 г.), где он получил степень бакалавра в области гуманитарных наук английского языка. Позже он получил степень бакалавра вокального исполнительства в Обернском университете (2014 г.), где изучал вокал у всемирно известных композиторов/дирижеров доктора Роузфани и Уильяма Пауэлла. Затем он получил степень магистра хорового дирижирования в Университете Миссури (2016 г.) под руководством доктора Р. Пола Крабба. Эрнест в настоящее время является ADB, заканчивая докторантуру хоровой музыки в Университете Южной Калифорнии под руководством доктора Джо-Майкла Шайбе.

Эрнест стал участником хорового ансамбля Conspirare, , получившего международную премию Грэмми, в 2019 году. Он был младшим дирижером Национального детского хора, удостоенного премии Грэмми (2017–2022), и дирижером Музыкальной консерватории Пасадены. Камерный хор Cantare (2019-2022). Сейчас Эрнест является музыкальным руководителем и руководителем отдела образования и пропаганды хора геев Лос-Анджелеса. Эрнест также преподавал в качестве адъюнкт-профессора в Колледже Пеппердин, Университете Южной Калифорнии и Колумбийском университете. В настоящее время он преподает вокал, музыку и социальную справедливость в Университете Лойола Мэримаунт. Эрнест посвятил себя борьбе за социальную справедливость, равенство и участие в хоровом классе, на концертной сцене и в мире. Будь то дирижер, композитор, аранжировщик, вокалист, хоровой врач, поэт или лектор, его страсть к людям является путеводной звездой во всех аспектах его музыкального творчества.

 

Анна Де Окампо Кейн, меццо-сопрано

Анна Де Окампо Кейн (она/она) — сопрано из Чикаго, родом из Либерти, штат Миссури. Анна поет в качестве профессионального хориста с чикагскими ансамблями, такими как Чикагский симфонический хор, Музыкальный фестиваль в Грант-Парке, Хор Уильяма Ферриса, Чикагские хоровые исполнители и Ла Каччина, а также является участницей профессионального хора из 12 голосов в Епископальной церкви Св. Златоуста. Церковь в Чикаго. Анна выступает в Чикаголенде в качестве солистки с такими ансамблями, как коллектив старинной музыки, The Marion Consort, Micro Opera Ensemble и Hearing in Color. Она имеет степень бакалавра музыки с отличием в области вокала и музыкального образования Университета ДеПола. Анна является одним из основателей Kababayan Collective, чикагского филиппинского хорового ансамбля и более широкой художественной организации, которая выступает за представление филиппинской музыки в более широком классическом вокальном каноне. Анна была исполнительницей и продюсером первого виртуального эстрадного шоу Kababayan Collective, премьера которого состоялась в прямом эфире в январе 2021 года, с авторской песней Kundiman и дистанционно записанными хоровыми исполнениями произведений живых филиппинских хоровых композиторов (bit.ly/kababayanwatch). В свободное от пения время Анна подрабатывает риэлтором и продавцом винтажных вещей. Обычно ее можно найти антиквариатом или в компании собак на заднем дворе ее парка Портедж в Чикаго.

 

Линдси Лэнг, сопрано

Сопрано Линдси Лэнг известна своими смелыми интерпретациями старинной музыки с «тоном [] чистого, сияющего солнца». Она выступала в качестве солистки с современными и старинными оркестрами по всей стране и пела на главных сценах фестивалей старинной музыки в Беркли, Блумингтоне, Нью-Брансуике, Нью-Йорке и Кито, Эквадор. Она часто выступает на местном уровне в качестве приглашенного артиста с Солистами Арии Баха и Консорциумом барокко Канзас-Сити. Линдси также заядлая хоровая певица, и, помимо пения с Prometheus, в настоящее время она поет с Хоралом Канзас-Сити под руководством Чарльза Браффи, с которым она записала несколько коммерческих альбомов, выиграла две премии «Грэмми». был солистом на компакт-диске «Life and Breath», получившем премию «Грэмми». Линдси получила степень магистра хорового дирижирования в Университете Миссури в 2008 году, а затем два года училась в Институте старинной музыки Университета Индианы. В настоящее время она проживает в Канзас-Сити со своим мужем-певцом и товарищем по Прометею Фрэнком, является музыкальным руководителем Объединенной методистской церкви Эсбери и ведет активную исполнительскую карьеру.

 

Габриэль Льюис-О’Коннор, бас

Габриэль Льюис-О’Коннор совмещает напряженный график как профессиональный солист и хоровой исполнитель, ежедневный медитатор, дирижер, страстный плотник-любитель, отец и муж. Стремление привнести юмор, искренность и эмоции во все эти увлечения — это стремление на всю жизнь. До получения степени магистра и докторантуры по дирижированию в Университете Миссури-Канзас-Сити Гейб в течение четырех лет пел с профессиональным вокальным ансамблем Chanticleer, что кристаллизовало его веру в то, что отношения являются основой мощного музицирования. Гейб получил степень бакалавра в области вокала в Университете Лоуренса в Эпплтоне, штат Висконсин, и родом из Лоуренса, штат Канзас, где он сейчас живет со своей женой Лорен, их дерзким сыном Имоном и вспыльчивой дочерью Селией. Гейб является художественным руководителем Детского хора Лоуренса (группы, которая пробудила в нем страсть к хоровой музыке более 25 лет назад), а также руководителем хоров в Оттавском университете.

 

Кристин Харкио Николс, меццо-сопрано

Кристин Харкио Николс — активный музыкальный педагог, певица, дирижер и пианист. Она является директором по вокалу в Независимой школе Колумбийского университета и руководителем музыкальной литургии в церкви Святого Сердца. Кристин ведет музыкальные шоу с театральным факультетом Университета Миссури и Летним репертуарным театром, Columbia Entertainment Company и Maplewood Barn Theater. Она является соучредителем и художественным руководителем Vox Nova (VoxNovaComo.org). Ее страсть к пению хоровой музыки реализуется в профессиональных хоровых ансамблях Prometheus, Vox Nova и Pro-Arte of St. Louis. Она также содержит небольшую частную студию озвучивания. Кристин имеет двойную степень магистра музыки в области вокала и хорового дирижирования, а также степень бакалавра наук в области вокального музыкального образования. Помимо музыки и преподавания, Кристин любит путешествовать со своим мужем Джеем; бегайте по красивым тропам Колумбии; и готовить и есть любые и все виды пищи.

 

Кэтрин Сандстедт, сопрано

Кэт Сандстедт, колоратурное сопрано, музыкант из Нью-Йорка, учится на степень доктора музыкальных искусств в области вокального исполнительства в Университете Стоуни-Брук, где она изучает вокал с сопрано Брендой Харрис. Г-жа Сандштедт исполнила множество оперных ролей, в том числе Dialogues des Carmélites (Бланш), Impressions de Pelléas (Мелизанда), Il re pastore (Элиза), Свадьба Фигаро (Сюзанна), Джанни Скикки (Нелла) и Горнило (Мэри Уоррен). Г-жа Сандстедт также любит давать уроки вокала, которые она делает в Suffolk County Community College и Sound Beach Music на Лонг-Айленде. Г-жа Сандштедт участвовала во многих конкурсах и была победителем и солисткой хорового конкурса North Shore в 2019 году; вошел в десятку лучших на Хоровом конкурсе Баха в Кентукки в 2016 году; и заняла 2-е место в женском дивизионе старшего возраста на национальном уровне Национальной ассоциации учителей пения в 2015 году.

 

Николас Стоппель, бас-баритон

Ник Стоппель — талантливый музыкант, преуспевающий в самых разных областях: от классической хоровой музыки до саундтреков к видеоиграм. Как уроженец Канзас-Сити, он продолжает выступать по всей Америке и по всему миру как солист и участник группы. Нику выпала честь выступать солистом на прославленных сценах по всему миру, включая Национальный центр исполнительских искусств в Пекине, Kings Place в Лондоне, амфитеатр Майхама в диснеевском Токио и Центр исполнительских искусств Кауфмана в Канзас-Сити, штат Миссури. . В декабре 2018 года он выпустил свой первый рождественский альбом 9.0241 The Season of Light , который вошел в официальный список 100 лучших рождественских альбомов iTunes, а также в 15 лучших новых рождественских альбомов 2018 года на iTunes. В течение шести сезонов Ник был участником хорала Канзас-Сити, выступавшего в США и Канаде. Нику посчастливилось участвовать в записи хорала « Всенощное бдение Рахманинова », получившей в 2015 году премию GRAMMY® за лучшее хоровое исполнение. Находясь в Канзас-Сити, он также записывает и гастролирует по всему миру с ирландским хором Anúna. Его голос как участника Anúna можно услышать в нескольких проектах звукозаписи. Он гастролировал по Великобритании, Ирландии, Бельгии, Италии, Исландии, Японии и Китаю, а также выступал на национальном телевидении и радио в Нидерландах.

 

Алисса Топфер, сопрано

сопрано Алисса Топфер получила высокую оценку как исполнительница с «необузданной ловкостью» (Kansas City Star) и «чудесным, парящим тоном» (KC Metropolis).

Недавние работы на сцене включают Джин Бинникер в мировой премьере оперы «Стинни: Казнь по-американски» в Опере Гранд-Рапидс и солистку сопрано в Кантате № 1 Бенджамина Бойла с Камерным ансамблем Среднего Запада. Дополнительные роли включают Мюзетту («Богема») с Opera180, Джемми («Гийом Телль») с Гранд-опера Уичито, Памина («Волшебная флейта») с Симфоническим оркестром Южной Дакоты, Гретель («Гензель и Гретель») с Opera Omaha, Церлина («Дон Жуан») с оперой Лоуренса. Theatre, Адель (Летучая мышь) с Opera South Dakota и Littler Daughter (Proving Up) с музыкальным фестивалем Ad Astra. Как хоровой музыкант, она поет с The Missouri Choral Artists, Spire Chamber Ensemble, Prometheus и The Kansas City Chorale.

Алисса стала победителем округа на прослушиваниях Национального совета Метрополитен-опера. Она имеет дипломы Университета Августана и Консерватории музыки и танца Университета Миссури-Канзас-Сити. Alyssatoepfersoprano.com

Джереми Вагнер, бас-баритон

Джереми Вагнер, бас-баритон, режиссер и певец из Колумбии, штат Миссури. Вагнер в настоящее время является директором хоровой деятельности в колледже Миссури-Вэлли, расположенном в Маршалле, штат Миссури, где они несут ответственность за руководство хором, а также за преподавание музыкальных курсов. Вагнер уже несколько лет пел в профессиональном хоровом коллективе с отмеченным наградами ансамблем Vox Nova и наслаждается возможностью выступать на высоком уровне. Получив степень магистра музыки в Университете Миссури, Вагнер с тех пор усердно работал над тем, чтобы зарекомендовать себя как хоровой педагог и дирижер. В настоящее время Вагнер работает с Эмили Эджингтон Эндрюс в их работе с Альянсом хорового искусства штата Миссури в качестве координатора хоров для взрослых. Вагнер взволнованно дебютирует с Прометеем в этих предстоящих выступлениях.

---

 

Emperor — Prometheus: The Discipline of Fire and Demise: Half Speed ​​Master (цветной виниловый LP) * * *

Цена В настоящее время $38,99

Вопросы и ответы

Наличие: На складе

Этот товар есть на складе и готов к отправке. В зависимости от времени суток, когда вы размещаете заказ, он будет отправлен в тот же день или на следующий рабочий день.

Артикул:

ЛДЭ07059

БЕСПЛАТНАЯ ДОСТАВКА При заказе на сумму более 49 долларов США*

60 дней Гарантия удовлетворения*

Цена В настоящее время 38,99 $

Доступность:

Электронная почта Обязательно

Имя Обязательно

Фамилия Обязательно

Присылайте мне рекламные сообщения по электронной почте, в том числе о специальных распродажах, информацию о новых выпусках и многое другое. Music Direct не будет передавать вашу личную информацию третьим лицам.

Клиенты также просмотрели

• Обзор
• Отслеживание
• Отзывы (0)
• Вопросы и ответы (0)

Описание

Ремастеринг от Turan Audio под полным руководством группы и повторный монтаж на половинной скорости в студии Abbey Road!

Цвет винила может быть изменен без предварительного уведомления / позвоните, чтобы подтвердить, что цветные копии все еще доступны

В конце концов наступает время, когда ажиотаж вокруг группы становится излишним, а сам их статус говорит о многом. Так обстоит дело с Emperor , богами блэк-метала родом из Телемарка, Норвегия. Император стал известен как один из создателей симфо-блэк-метала, которым Норвегия известна во всем мире и, возможно, является ее самым уникальным экспортом. Их рост популярности характеризует само развитие второй волны блэк-метала; период самого плодовитого и противоречивого материала жанра на сегодняшний день.

В 2001 году группа выпустила то, что должно было стать их студийной лебединой песней, Prometheus: The Discipline of Fire & Demise , эпический и прогрессивный металлический альбом, техническая сложность которого сравнима с Metallica Master of Puppets , и однажды и для всех отмеченных Emperor как одна из самых авантюрных и одаренных блэк-металлических групп на планете. Он был номинирован на норвежскую премию Грэмми за лучший металлический альбом.

Весь бэк-каталог группы был ремастирован Turan Audio под полным руководством группы , альбомы также были переработаны на половинчатых мастерах в знаменитой студии Abbey Road , при этом все виниловые произведения искусства были тщательно восстановлены в том виде, в котором они были изначально выпущены «Dan Capp» Дизайн и иллюстрации для создания красивых виниловых переизданий.

1. Извержение
2. Развратный
3. Пусто
4. Пророк
5. Язык огня
6. В комнате без слов
7. Серый
8. Тот, кто искал огонь
9. Шипы на моей могиле

Видео по теме

Как мы упаковываем ваши записи в Music Direct

Клиенты также купили

Разместите соответствующий заказ на сумму более 49 долларов США* и получите БЕСПЛАТНУЮ НАЗЕМНУЮ ДОСТАВКУ ВНУТРИ.
Когда промежуточная сумма вашего заказа достигает 49 долларов США в корзине, стоимость доставки для соответствующих товаров будет автоматически скорректирована в вашем заказе. Если вы по-прежнему видите стоимость доставки в вашем заказе, проверьте исключения, перечисленные ниже.

*Наземная доставка только в 48 смежных штатов (за исключением FPO/APO).
**Для соответствия требованиям стоимость заказов должна составлять не менее 49 долларов США до вычета налогов.
Это предложение также не распространяется на Oppo, демонстрационные версии, товары с распродажи и товары, доставляемые грузовым транспортом.
Это предложение не может быть применено к ранее размещенным заказам.
Music Direct оставляет за собой право выбирать перевозчика и способ доставки в соответствии с условиями этого предложения.
Music Direct оставляет за собой право изменить условия этой акции или прекратить ее действие в любое время.
Это предложение не распространяется ни на какие поставки на адреса FPO/APO. Music Direct свяжется с вами и сообщит стоимость доставки для этих адресов.
Покупатели могут выбрать альтернативный способ ускоренной доставки, но он не будет соответствовать условиям предложения о бесплатной доставке.
Music Direct не будет взимать дополнительную плату за доставку товаров, заказанных ранее. Заказы будут храниться для отправки всех обратно заказанных товаров вместе, когда они все поступят на склад.

Обратите внимание: доставка заказов на сумму менее 125 долларов США через FedEx не гарантируется. Используемый метод наземной доставки будет определяться по усмотрению Music Direct. Среднее время наземной доставки составляет от 7 до 14 рабочих дней. Music Direct не гарантирует доставку в указанный период времени.

Мы стремимся к 100% удовлетворенности клиентов каждым заказом и подкрепляем это нашей 60-дневной гарантией качества. Если у вас возникнет какая-либо проблема, будьте уверены, мы здесь, чтобы решить ее правильно! Мы отвечаем за каждый продукт, который мы продаем, и предлагаем бесплатную поддержку в режиме реального времени, если вам нужна помощь в настройке, устранении неполадок или максимизации вашей покупки. У нас также есть различные ресурсы, доступные для клиентов, включая:

• Связаться с нашим экспертным отделом продаж по телефону 800-449-8333
• Электронная почта службы поддержки клиентов
• Вопросы и ответы по продукту

Если вы получили дефектный или поврежденный товар, вы можете обменять или вернуть товар в течение 60 дней. Вы можете ознакомиться с нашей полной политикой возврата здесь.

ИНРОССИЯ — Прометей на свободе

Рустем Сайфуллин и светомузыкальная инсталляция «Ялкин-1» (конец 1970s)

Мир советской фантастики полон сумасшедших ученых. У них нет богатых покровителей, секретных лабораторий, стремления к мировому господству или экстравагантных костюмов. Это простые инженеры в клетчатых рубашках, которые ходят на работу и проводят вечера, мастеря невероятные вещи в своих крошечных квартирках. Они как Шурик, занудный герой из серии любимых поколениями советских фильмов. В фильме «Иван Васильевич меняет профессию» ему удается построить машину времени. Пока соседи придираются к тому, что в результате его экспериментов из здания постоянно вылетает свет, Шурик открывает портал в эпоху Ивана Грозного.

Шурик — стереотипный технический интеллигент, без которого немыслима советская действительность. В конце 1950-х годов в университетах Советского Союза выпускалось в три раза больше инженеров, чем в Соединенных Штатах. Они, может быть, и не построили машины времени, но превратили свои ванные комнаты в фотолаборатории, и почти каждый молодой человек брежневской эпохи мог сделать радио из подручных материалов. Желание изобретать было не только способом сопротивления тоталитарной программе. Многие молодые люди искренне верили в идеалы социализма и прилагали усилия для воплощения в жизнь утопии передовых технологий и всеобщего равенства. И некоторые счастливчики не ограничивались экспериментами в своих гаражах: научно-исследовательские институты были средой относительной свободы внутри режима. В одном из них, в столице Татарстана Казани, зародился экспериментальный проект «Прометей», которым руководил физик Булат Галеев.

Рустэм Сайфуллин и инсталляция «Мондриан» (1975)

В 1962 году, в год Карибского кризиса, когда СССР и США были на грани ядерной войны, в Казанский авиационный институт. Энтузиасты возвели полукруглый бумажный экран площадью 180 квадратных метров. За ним висели цветные лампы, которые соединялись с пультом управления «Прометея-1», и они загорались в такт музыке Александра Скрябина.

При завершении музыкальной поэмы «Прометей. Поэма огня» в 1910 году Скрябин включил в нее партию для цветного органа, так называемый «люс». В 1915 году в нью-йоркском Карнеги-холле была предпринята попытка звуко-световой постановки произведения, но технические возможности того времени были ограничены, и поэтому критики не оценили эксперимент. Прошло еще полвека, прежде чем мечта композитора-авангардиста осуществилась.

В 1965 году был снят светозвуковой фильм «Прометей». Это была первая попытка оригинального метода съемки: кадры снимались на три черно-белых негатива, а затем, после окрашивания и наложения пленок, получавшиеся позитивы выходили в цвете. Однако музыкальная поэма Скрябина с полным включением «люче» была выпущена за границей только в 1972, когда она была исполнена Лондонским симфоническим оркестром под управлением Эльякума Шапирры.

Концерт «Прометей» «Скрябин+Кандинский» в Казанской консерватории (1996)

Мост между 1950-ми и 1960-ми исследователи СССР часто называют вторым авангардом. Советская культура развивалась не линейно, а циклично. После извержения 1920-х последовали годы репрессий и войны, и только после смерти Сталина режим смягчился. Десятилетие хрущевской оттепели породило художников-нонконформистов и поэтов-диссидентов. Они по-прежнему были маргинальными фигурами, но, по крайней мере, за такое искусство людей не расстреливали.

Группе «Прометей» было еще проще. Официально они занимались научной работой, а не искусством (хотя, например, в авангарде проекта стоял экстравагантный художник Константин Васильев — он продолжил работу с русской мифологией, а его работы стали использоваться в качестве пропаганды для национальное дело). Булат Галеев стал настоящей звездой. Они ставили в театрах световые шоу со звуком, путешествующим по залу, и продолжали снимать абстрактные фильмы на музыкальные композиции, от классики до электроники.

Деятельность группы была поэтична по своей сути и прагматична по форме. Конструкторская контора «Прометей» долгое время оставалась лидером по созданию светового и музыкального оборудования. Однако в настоящее время их устройства выглядят явно сделанными своими руками. Когда Московский политехнический музей реконструировал инсталляцию «Кристалл» в 2015 году, команда осознала, насколько кустарными были некоторые методы, использовавшиеся инженерами «Прометея» в 1960-х годах. Например, они вручную расписали цветным лаком лампы накаливания. И это в научно-исследовательском институте, который находился далеко от подполья.

К тому времени Прометей уже выполнял крупные государственные заказы. В Казани они выполнили большое количество конкретных проектов — среди них и динамические витражи гостиницы «Татарстан», и меняющаяся в зависимости от погоды архитектурная иллюминация цирка. У них даже была инсталляция в их родном Кремле: колокольня освещалась как изнутри, так и снаружи, интенсивность света соответствовала громкости колокола.

«Легкая музыка Казань» (1975). Экспериментальный фильм о Конструкторском бюро «Прометей» продюсеров Булата Галеева и Рустама Мухаметзянова. Фильм использовался как реклама материалов.

Активная теоретическая работа также помогла Прометею остаться в безопасных пределах академической науки. Они читали лекции и организовывали конференции, писали статьи и книги, ставшие библией для нового поколения советских медиахудожников и электронных музыкантов. Булат Галеев выступал на телевидении, вместе с супругой Ириной Ванечкиной посещал конференции во Франции и Канаде, принимал участие в международном фестивале Ars Electronica. Возможно, правительство сознательно сделало его «человеком на экспорт», чтобы показать Западу, как стремительно развиваются новые технологии по ту сторону «железного занавеса».

Члены группы «Прометей» старались избегать слова «психоделический» по отношению к своим произведениям, но часто использовали его в просветительских беседах о зарубежной цветной музыке. Психоделики воспринимались как нечто захватывающее, но бессмысленное — ЛСД и ночные клубы были далеки от казанских изобретателей. Вудсток группы «Прометей» превратился в культурные центры и концертные залы. Конечно, они не могли игнорировать развитие дискотек в СССР и даже написали учебник «Техника дискотеки», но с намерением духовно обогатить жизнь советской молодежи. Их видеоработы должны были воздействовать на психику, но только полезными способами – помочь горожанам расслабиться после рабочего дня и познакомить с классической музыкой и произведениями советских композиторов.

Андрей Шумилов и еще одна модель установки «Ялкин» (конец 1970-х)

Прометей даже разработал установку для поддержки психологического благополучия самых важных людей в советской вселенной: космонавтов. Правда, в космос установка так и не попала. По одной из версий, причина этого заключалась в том, что для работы установки были необходимы портативные магнитофоны, но их еще не изобрели. В другом установка была просто слишком большой. Идею «Прометея» поддержал отец-основатель советской космонавтики Сергей Королев, но после его смерти проект был заморожен.

В 1980-х произведения Прометея появлялись на телевидении. В это время советская история прошла очередной цикл, и на смену застою пришел третий авангард — перестройка. К настоящему времени Prometheus мог позволить себе экспериментировать с произведениями Сальвадора Дали и музыкой Pink Floyd. Позже члены группы открыли для себя современные компьютеры и Интернет и занялись разработкой программного обеспечения. Самым известным их проектом стал «Поющий шамаил» — программа подготовила музыкальную версию строки арабской каллиграфии с обложки Корана. Однако, в отличие от других проектов конторы, «Шамаил» был отвергнут западными фестивалями. Галеев решил, что проблема в религиозном содержании текста, и сделал светский вариант музыкальной каллиграфии: вариант слова «Казань».

Установка «Мондриан» в действии (1972 г.)

После распада СССР правительство потеряло интерес к «Прометею». Научно-исследовательские институты перестали быть оазисами свободы и остались пережитками советского прошлого, на которое люди обычно закрывали глаза. Тем не менее, контора «Прометей» продолжала функционировать вплоть до смерти Галеева в 2009 году. 

Постепенно работы Прометея стали восприниматься как искусство. Ими стали интересоваться кураторы и исследователи медиаискусства, а их инсталляции теперь можно встретить в музеях. Последней их выставкой стала большая ретроспектива ПРОМЕТЕЙ 2017 года. DEMO: Эксперимент обещает стать искусством», организованный галереей «Триумф» и Отделом исследований искусства в Московской художественной галерее «НИИ х Альпбау». В наши дни изобретения и фильмы группы «Прометей» могут показаться слишком невинными для медиаискусства, и так оно и было. Лучшим примером этого является инсталляция, в которой в настоящей коляске стоит телевизор, а на экране плачет ребенок.